她是名爵士歌唱家；她将布鲁斯融入其中，使每一首歌都具有她自己的风格。她把自己的嗓音看作一件乐器：“我觉得自己不是在唱歌，而是在吹奏号角 (horn)…我凭着自己的感觉表演。”
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“那天我们饿得非常厉害，简直连呼吸的力气都没有了。我就动身出门。天气冷得要命，我从第145大街一直走到第133大街…走遍每一间娱乐场所设法找工作…我走到Jerry Preston开的Log Cabin Club…我告诉他我是舞蹈表演者。他说那就跳吧。我试着跳了一会儿。他说我跳得糟透了。我又说我会唱歌。他说那就唱吧。在角落那边有个大叔在弹钢琴。他弹了《Traveling》，我和着琴声而唱。店里的客人们拿酒杯的手都停住了。他们转过头来看着我。那钢琴手…又开始弹《Body and Soul》。老天爷，你真该看看那些人的表情——他们全都开始落泪。老板Preston走过来，摇了摇头说：‘孩子，你赢了。’”

Billie Holiday那时还不到17岁，当时是1932年。在1959年夏天她的歌唱生涯结束之前，更多的人为她唱的 《Trav’lin All Alone》和《Body and Soul》而落泪。她唱过很多歌曲，其中也有流行的曲子，很多别的歌唱家也唱过那些歌并录了音。但Billie改变了那些歌曲。她是名爵士歌唱家；她将布鲁斯融入其中，使每一首歌都具有她自己的风格。她把自己的嗓音看作一件乐器：“我觉得自己不是在唱歌，而是在吹奏号角(horn)…我凭着自己的感觉表演。”

文/沈聪 listen

没有刻意求变的曲风，也算不得惊世骇俗的美女，戴安娜·克劳只是单纯地打动了所有人。这位被《时代》杂志形容为“有着漂亮金发和抑郁的眼睛，还有着危险的过去”的歌手，是解读当代爵士乐章的一个明亮音符。
　　新一代的爵士女歌手总爱以艾拉·费兹杰拉德、佩姬·李或比莉·哈乐黛的继承者自居，然而戴安娜·克劳却以轻巧的弹唱方式、寻找属于自己的声音而成名。她曾说：“我不会考虑我自己要像Sarah Vaugan或是Cassandra Wilson那样成为传奇性的伟大人物，我只是唱歌，用我能够且拥有的方式去唱。”正是这份执着与自信，令她与另外两位黑人女性Cassandra Wilson与Dee Dee Bridgewater一起，并列为当今爵士乐坛最重要的三位“女声”。

　　对于戴安娜·克劳来说，音乐最重要的本质来自旋律。当她的指尖触及琴键，天鹅绒般的琴音总会让人凝神静听；当她的嗓子倾吐音符，很自然地便能掳获人心；当她用心去诠释、去感觉爵士乐时，会让人情不自禁地爱上这种浮世情怀的味道。浑厚却不低沉、温暖而不粘腻的嗓音，加上绝佳的演唱功夫、一流的钢琴弹奏技巧，爵士乐的灵魂便在戴安娜表演时悄悄来临了。
　　在戴安娜·克劳之前，以及在同时代的爵士音乐家中，还从来没有过哪一位爵士音乐家能够像 Santana，后街男孩，TLC一样在演出时受到同等热烈的欢迎。在戴安娜·克劳同时代的爵士音乐家中，在以摇滚乐，流行音乐，乡村音乐，说唱音乐，城市音乐为主流的流行音乐市场里，他们很少有能够在 Billboard 200 排行榜上位居高位的爵士乐唱片。在当代所有的爵士音乐家中，戴安娜·克劳是其中极少部分的既获好评，又有销量的一员。

　　她的几张主要专辑，如《When I Look In Your Eyes》、《The Look of Love》等在全球范围内都取得了极佳的销量成绩，在多个国家包括美国、加拿大、英国、法国、葡萄牙等都突破了白金销量，风靡程度在爵士界内鲜有人能与之匹敌。她还多次获得葛莱美提名，专辑《All For You》在 Billboard 爵士榜上停留70周之久，让她赢得生平第一座葛莱美最佳爵士歌手奖；1998年推出的专辑《 When I Look In Your Eyes》连续52周稳居Billboard爵士榜首位(这可是整整一年之久)，而且在当年的葛莱美颁奖中赢得了“最佳爵士歌手”和非古典类的“最佳录音专辑”奖，并且破天荒成为25年来第一位在葛莱美奖中获得“年度最佳专辑”提名的爵士乐歌手，与Santana、正值巅峰的超级偶像后街男孩组合等摇滚、流行界巨星角逐此奖项。2002年则凭现场专辑《Live In Paris》在诺拉·琼斯称霸的第45届葛莱美颁奖礼上摘走了
　　“最佳爵士演唱专辑”奖。4月，在戴安娜·克劳的歌声里，让我们一起迷醉。
from新闻晨报

电影往往因为音乐而增色，而音乐亦往往会随着电影更深入人心。一些平常听来并不经意的曲子，也许因为被巧妙点缀在戏剧的背景中，而一下子让人终生难忘。

好象《西雅图不眠夜》，大明星汤姆.汉克斯饰演的那位正在承受丧妻之痛的建筑师，因无意接受电台访问，而令收音机一头的女记者不知不觉爱上他，展开了一段相约帝国大厦的浪漫情事。其中，路易.阿姆斯壮的歌声就曾伴着男主角共度深宵，猛然间，那把粗砺沙哑的嗓音带着无尽的沧桑烘托出多愁善感的意境，而那首1929年的爵士名曲《Makin’ Whoopee》也在瞬间焕发出新的生命力，直入人心。
又好象《廊桥遗梦》，一段发生在爱荷华小镇，国家地理杂志摄影师邂逅农妇短暂而永恒的爱情故事，变成如诗般的传奇。酷爱爵士乐的克林.伊士特伍德在执导之余，更为寻找适合电影故事背景的歌曲而乐在其中，结果，由黛娜.华盛顿演唱的那首《Soft Wind》为电影添色不少。这首歌恰如其份地将人带回到那个民风纯朴，悠然平静的年代，让人回味当时的一切美好。

再好象，香港名导王家卫荣获戛纳大奖的《春光乍泄》为呼应剧情，受用南美音乐作背景。巴西歌手卡娜塔诺.费洛索的一曲《白鸽》，于闲适风情中凸现出一份颓废的美感，一下子跃出银幕，让人因剧爱乐。
因为这样的例子实在太多，所以才有了这张名为《爵色影展》的唱片。聪明的唱片公司借着电影曾给人带来的深刻视觉体验，将一首首平时只为寡众所知的爵士佳作潜移默化成人人都能接受的浪漫催情剂，手法实在高明。让这样的音乐存在于您的生活空间，您不知不觉就会走进了银幕，体验着主人公才有的浪漫心境；您不知不觉就会爱上这迷离于“影中人间”的感觉；您或许不知不觉爱上了爵士乐——一种听久了让人上瘾的音乐。
象唱片封套呈现的诱人蜜色，这张唱片中所有曲目几乎都有着浓郁而多彩的音响，甜美而鲜活的录音特质是来自五十年代末、六十年代初的黄金时期，是电子管时代留下的录音珍品。当然，千万别将它当作单纯的发烧片看待，品尝其中绝美的情调才是最重要的。
摘自 1999年4月号《音像世界》“天碟落地”
01.Dream A Little Dream-Laura Fygi 03:40
02.Makin’ Whoopee-Louis Armstrong 03:58
03.Soft Wind-Dinah Washington 03:03
04.Cucurrucucu Paloma-Caetano Veloso 03:58
05.For Once In My Life-Laura Fygi 03:40
06.I Love Paris-Ella Fitzgerald 05:00
07.Come Rain Or Come Shine-Joe Williams 04:01
08.Love Is Here To Stay-Billie Holiday 03:44
09.Someone To Watch Over [...]

Clap Hands, Here Comes Charlie! ——鼓掌，查理！
文/郭思蔚 收听

这一张费兹杰拉德演唱多种风格的精彩唱片。她的音量不大，但是音色甜美悦耳，咬字异常清晰（请听Clap Hands, Here Comes Charlie!那像嚼舌口令般快速的唱词吧！）。在她的诠释之下，一些原是属于蓝调的歌曲，也少了一分凄苦，多了一点乐观。她的这种直率、真诚、乐观的演唱个性，让人很容易联想起女高音阿梅琳（Elly Ameling）或是麦克柰儿（Sylvia McNair）唱的艺术歌曲。
费兹杰拉德的有名绝技之一，是以人声模拟乐器的所谓scat（拟声）唱法。这里面的例子多得不可胜数。请注意她经常在一段歌词结束之后的间奏部份，以各种「嘟」、「哒」、「咿」等没有意义的音节，取代乐器演奏。例如第一首的突尼西亚之夜（Night in Tunisia）几段scat，她的唱法，唱「词」都略有不同。这首原本乐器演奏的曲子，开头的敲击乐器伴奏节拍很有创意，贝斯的快速琶音拨奏丝丝扣人心弦。费兹杰拉德精准的音感，在第一句高难度的上行音阶时就表现无遗。精彩的伴奏，让你听不出只有基本的钢琴、鼓、贝斯和吉他各一而已。多变的乐曲风格，甚至包括一首古典曲：德彪西著名的早期钢琴小品Reverie改编的演唱曲。其他还有伤感而不伤心的情歌You’re my thrill， Cry me a river， Good morning heartache等，充满赤子之情的Music goes ’round and around，鲜活蹦跳的摇摆曲Jersey bounce，以及爵士代表曲调之一’Round midnight的风情万种。你听完这张的内容，一定会对她这样不断求变，永远新鲜的演唱感到意犹未尽。许多流行艺人可能偶而找到一个成功的表达方式，或限于才华，或仅是懒惰，整个专辑都套用类似的公式。费兹洁洛的演唱，足可作为这些人效法的对象。

文/嗜血玛丽

在欧洲大陆古老的神话传说中，如果要论及美妙的歌喉，除了吟诵圣诗的天使之外，在森林与海洋中游走的神奇异类也不乏悠扬歌声的缔造者。从赛壬海妖到林间仙女，从一心想上岸的人鱼到古堡中的迷人妖精，甚至幽灵、女巫、精灵、水鬼……这些阴柔的歌者们用其独特的喉咙编织着奇幻的故事抑或谎言，而这些美丽与邪恶并存的陷阱总是会让无法身临其境的人们浮想联翩……但是，再漫长时光也能转瞬即逝，当科学与现代文明顷刻间吞噬了整个人类社会，哪怕再神奇的异灵也无法想象当代人在精神上的贫瘠与匮乏。于是，她们开始艰难的漫游于冰冷而机械的城市上空，当她们寻找并且将自身奇妙的灵性赋予给那些人类女子的时候，早已疲惫不堪的世界似乎也在这悄无声息的秘密中灵光闪现了一下。从此，这些被神话感悟的女人们跳脱了平庸的生活，她们将魔力的歌喉与激荡的金属之声默契交融，一幕又一幕的魔幻传奇开始在人世间的舞台上轮番上演。

　　其实，我们完全可以将女声金属形容为古典音乐、金属音乐、欧洲人文主义情怀与当代审美观的一次最立体而完美的融合。从中，听众不但可以领略到古典歌剧舞台上女高音歌者的唯美唱腔；并且，新古典主义风格的吉他演奏再现了独具欧陆宫廷气息的巴罗克曲风；此外，金属乐的激昂磅礴更是将女声演唱从悲戚、哀怨的低靡情调中解脱出来，更加流畅而宽广的旋律释放出女声声线独有的魅力，加之强烈而振奋的节拍，以及时而穿梭在乐曲中悠扬的键盘与弦乐，女声金属超凡脱俗的气质即刻表露无疑。
　　上世纪90年代，女声金属在欧洲大陆掀起狂潮，这种将音乐中的刚劲与柔美融合至极致的风格在那一时期以惊人的速度蔓延至欧洲几乎每一个角落。从挪威的THEATRE OF TRAGEDY到芬兰的NIGHTWISH，再到意大利的LACUNA COIL与MACBETH；而在荷兰，那里更是相继诞生了从THE GATHERING到AFTER FOREVER、WITHIN TEMPTATION等众多家喻户晓的女声金属乐队，甚至在瑞士、波兰、列支敦士登也都有颇为出名的女声金属乐团由此诞生。

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“这首歌正是对他们名字的十足诠释：黎明之前，精灵们带着一个温和的灵魂踏上了去天使之城的飘渺之路…… “

以Dustin O’Halloran和Sara Lov为核心的Devics于1993年成立于洛杉机，乐队成员还包括Ed Maxwell、Evan Schnabel。一开始就打算做自己的音乐的他们选择了独立摇滚的DIY路线。1996年，他们在以自己的资金注册的厂牌“Splinter Records”下推出了第一张大碟“Buxom”，如今只能在他们自己的网站上下载到一部分歌曲mp3的这张处女作，令人惊讶的告诉我们Devics在独立乐队如过江之鲫的美国从第一次亮相起就拥有了完善的艺术风格和出色的表现力。两年后他们顺理成章的把第二张专辑“If You Forget Me”送入还为数不多的追随者耳中。然而此时的Devics仍只是深陷地下的自得其乐又多少有点郁郁不得志的众多地下乐队中的一支，直到千年之交他们的EP“The Ghost in the Girl ”的推出，才使Bella Union公司盯上了他们。这张EP里或多或少带有迎合意味的歌特妖氛表明了乐队的微妙转变，也让他们浮出了水面。2001年，乐队在Bella Union旗下推出大碟“My Beautiful Sinking Ship”，赢得了相应的声誉。
　　
在与 Lift to Experience、Thalia Zedek及Elysian Fields等乐队一同巡演一段时间后，乐队再次进入低调自省的创作状态。Dustin和Sara一同隐居至意大利的乡村，在简陋的农家小屋里开始他们新专辑的创作。起初，他们打算只是把歌写完就回美国，然而，当他们顺利地创作完成所有歌曲时发现这个名叫Saint Andrea的小乡村已经完全与他们的音乐溶合在一起了。这美妙感觉不可错失，他们立即笨手笨脚的开始在小屋里搭建自己的简陋录音棚，并召集各路同道好友齐聚一室，一鼓作气将新专辑“The Stars at Saint Andrea”录制完成，回美国后，仅仅做了一些后期加工。

文/袁越
你如果还记得上世纪60年代发生过什么，那你就根本没有在那个年代生活过。
——戴维·克罗斯比
自由就是一无所有的同义词。
——克里斯·克里斯托弗森
1969年8月15日17点零7分，在美国纽约州伍德斯托克镇附近的一个名叫白湖的地方，一位名叫里奇·黑文思（Richie Havens）的美国黑人民歌手穿着棕红色大氅，足登一双凉鞋走上舞台，用手中的木吉他奏响了“伍德斯托克音乐节”的第一个音符。这个以“和平与音乐”为口号的音乐节吸引了大约50万观众，被公认为是20世纪60年代嬉皮士运动最具代表性的事件，黑文思那天演唱的名为《自由》的歌曲，也成为伍德斯托克音乐节，乃至整个60年代最具代表性的歌曲。

文/刘志宏 收听

大浪淘沙,“不列颠流行乐”已是昨日黄花。细数当中的风流人物,“污迹”(blur)乐队毫无疑问是这场音乐革命的主将之一,它不但成功地将这种音乐推广到大西洋两岸乃至世界范围,也以先行者的身份影响了同时期的众多乐队。
最早接触“污迹”乐队(Blur)的作品是从一张名为“Now 2″的英文什锦碟,其中收录了乐队的一首名曲《没有魅力的男人》(CharmlessMan),当时就留下了深刻的印象,后来陆续听了一些乐队的专辑,对这个风行一时的“不列颠流行乐”(Brit-Pop)潮流的代表名字有了更进一步的认识。

“污迹”乐队成立于1989年,成员包括主唱达蒙.阿尔本、鼓手戴夫·朗特里、贝司阿历克斯·詹姆斯和吉它手格拉汉·考克森,乐队的音乐作品绝大多数出自核心人物阿尔本手笔,此外,每位成员还分别担任一些乐器的演奏工作,如大键琴、单簧管、打击乐等等,体现了很高的音乐素养。乐队的演唱声线高扬,具有相当强的穿透力,一种自信满溢的气势扑面而来,但却不象死对头“绿洲”乐队那样盛气凌人,曲风上它体现了“不列颠流行乐”的特点,以60、70年代英国摇滚乐风格为基础,同时结合了朋克、新浪潮、电子音乐等多种音乐元素,激烈喧泄之余也不乏温情流露,显得既“传统”又“反叛”,内容则通过对现代物质生活的真实描绘昭示浮华表象下年轻一代颓废、空洞的精神追求,展现了乐队敏感、睿智的气质,因此“污迹”被看作是英国中产阶级的代表乐队。
单曲“她真高”(She’sSoHigh)是“污迹”的成名作,它不但为乐队打响了名头,还推动了1991年首张专辑《闲暇》(Leisure)的热销, 一时之间,乐队成了英伦乐坛的新宠儿。在西方乐坛,歌手或乐队成名后迅速被名利或自我膨胀湮没是司空见惯的事,成名后的“污迹”同样面临过这样的考验,歌曲质量下降、歌迷不接受而流失、成员与成员以及与经纪人不合等等负面事件使乐队深受打击,所幸的是乐队总算捱过了那段艰难的日子。1993年的第二张专辑《现代生活是垃圾》(ModernLifeIsRubbish)犹如一剂强心针使乐队恢复了往日的风采,其中的《为了明天》(ForTomorrow)是首颇受好评的作品,另一首《流行景象》(PopScene)更被看作是“不列颠流行乐”的标志性歌曲。

不过这张专辑的光辉很快就被乐队半年后发行的另一张作品《猎园生活》(Parklife)所掩盖,与以前一样,乐队也是首先凭一首单曲《女孩和男孩》(Girls & Boys)树立影响,这首歌曲最显著的特点是演唱、旋律、节奏乃至音乐结构都显得非常怪异,各方面似乎很不协调,笔者初听它就象听“地下丝绒”首张专辑时的感觉,但听多几次却发现有种欲罢不能的淋漓畅快,仿佛不同支流相互冲击最后形成一股洪流,这种怪异的音乐氛围的确带来别样的震撼。在专辑中,这首歌曲排在显眼的第一位。其它作品,《特雷西.杰克斯》(TracyJacks)用简单的旋律和词句讲述了一个普通人的普通生活,当唱到故事的主人公聊发少年狂到海边裸奔时我们可以体会到英国人独特的幽默感,是一首相当别致的小品;主题曲《猎园生活》用对白和重复的合唱段拼凑而成,有种洋洋自得的闲适感;《银行休假日》(BankHoliday)节奏旋律猛烈而杂乱,显得非常狂躁,但内容却描写的是长假日到来后人们享受于自己理想的生活环境中,这样的配搭相当古怪;《到了尽头》(ToTheEnd)用了无生气的语调唱出对爱情的失望之情;《魔幻美国》(MagicAmerica)讲述的是普通人的简单生活追求, 不唱高调,语气非常平实。这张专辑是普通现代人处世心态的真实写照,音乐上也颇有新意,它成为“污迹”最成功的作品,不但取得300万的销量,还获得英国 BPI音乐奖最佳专辑、最佳单曲、最佳乐队、最佳录像带4项奖。
专辑《大逃亡》(TheGreatEscape)发行于1995年,由于媒体对其中的单曲《乡村小屋》(CountryHouse)与“绿洲”乐队的《摇动它》的排行榜冠军之争大肆渲染从而使这张专辑相当引人注意。专辑中也的确有一些精彩作品,前面提到的《没有魅力的男人》就出自这里,它取得了200万的销量,还被流行音乐杂志《Q》评选为年度最佳大碟。不过这些荣耀都掩饰不了《大逃亡》整体质量不高,在英国市场开始受到冷落的尴尬,而“更象‘甲壳虫’” 的“绿洲”乐队却渐渐取代了“污迹”的地位。此时,“不列颠流行乐”已慢慢开始退潮,媒体和歌迷的压力使“污迹”不堪重负,甚至一度到了解散边缘。

在本土乐坛受到挫败后,阿尔本将注意力转向了美国。1997年,乐队推出了专辑《污迹》(Blur),这意味着它开始脱离“不列颠流行乐”的影响,专辑中的《甲虫屁股》(Beetlebum)成为冠军单曲,不过另一首无论节拍还是唱腔都更为激烈的作品《歌曲2》(Song 2)显然更为成功,它使乐队如愿打开了美国市场;《舞会之死》(Death Of AParty)充满了颓废意味,音乐沉重缓慢,弥漫着迷幻气息;《来自另一个星球的陌生消息》(Strange News From Another Star)迷幻的色彩更加浓厚,现实凝重的主题表达了对世界的关注和深入骨髓的失落情绪。这张专辑无疑是乐队的转型之作,“不列颠流行乐”时期的闲散、积极活力和不明显的忧郁已很难再见到,取而代之的是冷静、阴郁和消沉。

接下来的第六张专辑《13》发行于1999年,其中那首长达7分多钟的《温柔》(Tender)是乐队作品中少见的走优美抒情路线的佳作,其歌词富有诗意,歌颂了美好的爱情,动听的旋律贯穿全曲,从前奏开始已让人沉醉,阿尔本富有弹性的声音抒发出一种懒洋洋的甜蜜情调,歌曲后段连续的重复句非常精彩,将感情一次次倾吐出来,使美好的心情延续下去。不过,除了这首歌曲与众不同外,整张专辑的调子都显得比较阴沉。《咖啡和电视》(Coffer & TV)表达了现代人对世界对未来的不信任感,“KickedAroundBored,YourEarsAreFullButYourEmpty”——渴望改变却又无力回天,显得有些无奈;《1992》的歌词很短,语调缓慢迷离,描绘了虚伪的人际关系,它的旋律相当出色,结构具有层次感,刻意用电声乐器营造出阴森、诡异的气氛,不时加入几声慌张的呼叫,如鬼魅般摄人心魂,一首听上去相当“恐怖”的歌曲;相似曲风的还有《战役》(Battle),演唱时声线飘忽不定,力量显得非常单薄,而整体音乐效果却非常厚实,不时有电子乐器发出的怪诞声音进行点缀,表现压抑情绪。
2000年,乐队发行了一张现场演唱会精选集后陷入沉寂,直到2003年,换了新唱片公司的“污迹”才推出新作《智囊团》(ThinkTank),但已难以造成深远影响。
不同的年代有不同的音乐,现今的音乐未必具有深刻的内涵,但比60、70年代的音乐显得更为复杂凌乱和躁动多变,更容易衍生出不同的理解。上世纪90年代初开始的这场“不列颠流行乐”运动是英伦音乐人对同时期美国同行Grunge音乐风潮的有力回应,不过,关于这股音乐风潮的历史地位却一向褒贬不一,毕竟它在音乐上的创意和影响深度都不算太突出,但无可否认它的确带来了一种新的音乐时尚。
大浪淘沙,“不列颠流行乐”已是昨日黄花,细数当中的风流人物,“污迹”乐队毫无疑问是这场音乐革命的主将之一,在好事者评选的10张最具代表性的“不列颠流行乐”专辑中,“污迹”以《现代生活是垃圾》和《猎园生活》两张作品独占螯头,它不但成功的将这种音乐推广到大西洋两岸乃至世界范围,也以先行者的身份影响了同时期的“山羊皮”、“绿洲”、“基因”、“果肉”等著名乐队,虽然“污迹”乐队在影响广度上不及“绿洲”,但它在“不列颠流行乐”运动中举足轻重的历史地位却是毋庸置疑的。
来源：《视听技术》 2006年第04期

静夜里有风掠过（原题）
文/杨红筑 收听

有一种声音，不光引起心灵的共鸣，还在胸腔里高高低低伫留，恍若置身于天高云淡、风卷云舒的月夜，悠然南山下，放马野兴长的境地。那种声音，是城市浮躁、急功近利的最好清凉贴，一个人细心地聆听，城市里的硝烟弥布便抛之脑后，心，便在音乐的高高低低的跌宕中飞扬起来。这便是刘星的《一意孤行》，多少年过去了，每一次的细听仍和第一次一样，从第一个音符起，心便开始震颤。
有至友远方来，踩着这音乐声进了门。两个老朋友见面，要说的话实在太多，忆往说今，大半夜过去，话兴还浓，我重新沏壶碧螺春，把刘星的碟子重放一次。夜很静，音乐声像窗外半挂的月牙一样明晰。握一杯好茶，看热气袅袅，如诗意化的音乐，跟着笛、洞箫等，拂来古典的清远，聆听了一曲，朋友轻轻说：刘星的《一意孤行》美得像一篇唐诗宋词。我轻点头，是一幅绝美的中国山水画，写意间，忽见山头一抹云烟飘过。
经常听一听音乐，能让人少些功利性的追逐。朋友边听，边若有所思地说。这《一意孤行》的碟里共有十一首曲子，分别是：闲云孤鹤、无所不至、孤芳自赏、虚怀若谷、一息尚存、轮回、行云流水等，每支曲名就像是中国诗词的一阙章节。
夜半，没有各种纷争和嘈杂，听到音乐声，似乎又回到和朋友一起度过的快乐时光，心情在这至真的声音引领中，从皱成一团的世事里柔和舒坦起来。
悠然的曲子，将生活还原得这么简单。才明了，无论条件如何，日子，原本可以过得如此极其细腻、宁静和优美。阳光不再被思念所剪辑，心河的对岸就始终有希望的彩虹。
我才发现我与生命的距离，正是你冥冥之中给我的暗示，只有当心有灵犀的时候，你才会以一种鲜嫩的长势，让我回味无穷，让我倾情诉说。
原载《昆明日报》

文/秦大路

古人云：“王道举，礼乐兴”。如今每年举办的春节联欢晚会，倒是很顺应这个说法。“王道”与 “礼乐”并举共兴，古今皆同此道。这种盛世荣光是历代统治者追求的目标。2005年春节晚会的大舞台上挂了一副气势恢弘的对联。这副对联的上联为：上下五千年，繁荣盛世庆今日；下联为：纵横九万里，锦绣中华兴未来；横批为：盛世大联欢。这幅对联是否为佳作且不去论他，单就其包藏宇内、舍我其谁的气势，足以让不少人热血彭湃一番。当然，热血彭湃之后，曲终人散之后，“恺撒的归恺撒，洒家的还洒家”（大路一朋友语），现实立即恢复其本来的面目。
因而，所谓盛世的华舞乐章，有如大餐豪宴，偶尔为之尚可，毕竟不能让人酌饮经年。自古以来，庙堂礼乐，往往相伴于王朝的兴亡轮替，并不能逃出“此时兴，彼时落”的宿命。而真正能够长久的是那些百代流传的如丝之琴瑟，若馨之筝鼓。譬如《梅花三弄》，譬如《十年埋伏》，两百年前有人听，两百年后仍然会有人听。
中华古韵，向有十大名曲一说。这十大古代名曲分别为《高山流水》、《广陵散》、《平沙落雁》、《梅花三弄》、《十面埋伏》、《夕阳箫鼓》、《渔樵问答》、《胡笳十八拍》、《汉宫秋月》和《阳春白雪》。据专家考证，这些古代名曲的原始乐谱大都失传，今天流传的不少谱本都是后人伪托之作。

这些乐曲被历代乐师冠以十大古曲名，以历史典故为旁衬，从而借古人之旧事以壮声势。大路于音乐并非行家，虽偶尔聆听古曲，却椟珠难辨，反而对古曲背后的逸事掌故的兴趣更为浓厚。今日且以一篇拙贴，重点在于与众友共话古韵陈事之曲直长短，而不在于交流音乐，还望方家达人多多指正。此处权作小引。

文/王征宇 收听

07年去西安，第一次见到埙。光滑朴拙的陶质，一个个蹲在华丽的锦盒里，像一双双洞穿千年风尘的眼睛，饱含岁月的忧伤与沉思。忍不住拿一个在手抚摸，摊主见了，随手捏起一个就吹了起来，“呜———”地一声刚出，好像一个陈旧的故事，被猎猎的风掀开了盖头，一种原始苍凉和悲怆摄住了我的心，它是那样有震撼力。

后来，在鼓楼附近，买了一个秦源黑陶埙，摸上去细腻、光滑。听店主说，是陶器拉坯定型压光后，放进窑里，让窑中的浓烟在陶周围循环熏绕，渐渐的，浓烟中的碳粒便渗入了陶器，本色的陶成了一身黑肤。
贾平凹在《废都》写埙的一段，极精辟：“我喜欢埙，它是泥捏的东西，发出的是土声，是地气。现代文明产生的种种新式乐器，可以演奏华丽的东西，但是绝没有那样虚涵着的一种魔怪。上帝用泥捏人的时候也捏了这个埙。人凿七窍有了灵魂，埙凿七孔有了神韵。”
埙的前身，是用以打鸟兽的石球。于是，面对埙，总好像面对着7000多年前身着兽皮、衣不遮体的刀耕火种年代，不由的神色凝重。人类一代代的衍进，几千年的风霜剥蚀，埙依旧保持着泥土厚朴的本色。无论是民间还是宫廷，没人为埙专门谱过曲子。而如今吹埙的辑子，大多用花哨的电子音铺底，意韵冲散极不纯。总觉得，埙适合独语细吟，或合着余音袅袅的古琴，对着空谷幽径、半墙花影，那时候埙声幽幽铺开，都是故事。
聆听民乐演奏大师赵良山吹奏埙曲《哀郢》，应了心中于埙的那份孤独与清癯。屈原楚辞《九章》中的名作“哀郢”，原是哀悼楚国都被秦国攻陷，楚怀王受辱于秦，百姓流离失所之事。古琴一弦一韵筝筝拨出前奏，旷古静夜，月如钩，山色苍郁。埙声夹风而来，浑厚、松濛，如忧思，如悲愤，一步三折，拖着夜凉的湿气。埙的音域并不宽，宛如土地广阔沉缓的呼吸，钝钝的，但足以穿透人的心灵，如泣如诉地在心头拂过，千年罡风依旧，恍惚可见蹙眉沉思、泫然泪落的士大夫朝天高阕： “鸟飞反故乡兮，狐死必首丘……”。凄楚萧杀的意境，慢慢渗到了骨头里。
喧嚣的都市，一曲埙乐响起，仿若夏夜里一缕清风掠过心头的浮尘，皈依宁静，将人带进时光的隧道，去体味旷古与庄严。那是来自远天之外的呼唤，那是从远古涉水而来的足音，它见证了许许多多人事的沉浮沧桑，见证过历史的悠久和厚重。埙，是音乐的埙，也是文化的埙。它以其独具的魅力彰显出了自然之音天籁之音，彰显出了中国文化丰厚的底蕴。
暗夜里，听一曲埙，就像是和一个洞察人生的老者低语，句句贴近你的心灵，震撼你的灵魂。

文/马世芳

崔健，有些资历的大陆歌手都亲热地叫他「老崔」。在中国摇滚的历史上，崔健的出现，就像上帝创造了光，把白昼跟黑夜分开。从此，流行音乐只剩两种︰「崔健前」、「崔健后」。更令人惊诧的是，经过这些年，后浪翻腾，豪杰辈出，比他更晚出道的乐手，销声匿迹者所在多有，崔健的作品却依旧睥睨群雄，看来，走得太远的英雄是注定寂寞的。
崔健出身音乐世家，受过正规的古典音乐训练，和他合作的团员也多半深厚的音乐基础，有的自小浸淫在传统民乐的世界里，有的受过严谨的学院训练，相互激荡之下，崔健的音乐肌理丰富、能量饱满，和他勇猛辛辣的歌词交互辉映，非俗人所能效颦。
崔健崛起的时间，正是中国迈向改革开放，经历一连串剧烈变迁的转捩点。他的歌诗，与那个时代的种种梦想与幻灭紧紧扣合，攥住了不只一代人的呼吸和心跳。一如罗大佑之于台湾的八十年代，老崔之于彼时的中国青年，便是盗火的普罗米修斯，是积雪初融、红布待揭的时代，所有饥渴若狂的目光殷殷注视的启蒙先知。
尤有什者，老崔竟扛下了那几乎不可能扛下的责任和使命，不但没有被巨大的期待或自己的野心压垮，更坚毅、自信地活过了二十年的风风雨雨。他既没有像罗大佑那样开展市场品味弹性更大的音乐事业，优游于商业市场与个人创作之间，也没有像许多同辈的摇滚哥们儿那样，在第一个辉煌的摇滚王朝崩落之后，难以适应瞬息万变的商业大潮，只有无奈淡出，甚至灭顶。

崔健在1991年《解决》之后的专辑，一路朝人少的方向走，他的音乐与主流市场的口味彻底割裂，甚至连自诩「内行」的摇滚乐迷，也未必能接受后期老崔愈来愈乖张孤绝的音乐品味。然而，就在这样苦行僧式的煎熬与探索中，崔健做出了可能是中国摇滚史上最伟大却也最寂寞的一批杰作。

当被誉为吉它之神的Eric Clapton(缘于60年代末，Clapton迷们将“Clapton is God”涂鸦在伦敦和纽约街头墙壁上）与世界吉它顶尖高手同台表演，互飙吉它技艺之时，你会有何感想，你是否想一睹他们出神入化的弹奏技巧，那就让我们欣赏2004年6月6日Eric Clapton在德洲达拉斯举行的名为Eric Clapton Crossroads Guitar Festival音乐节的最后一场演出。
音乐会上星光熠熠，云集了包括摇滚,乡村,爵士,布鲁斯，印度民乐等各个流派的吉它音乐大师，如Carlos Santana、Jeff Beck、James Taylor、ZZ Top、Steve Vai、Robert Cray、Neal Schon、蓝调之王B.B. King等众多知名歌手，而音乐会两张DVD取得了总共八次白金销量的骄人成绩。
Clapton说他创办这个音乐节的原因是为了让他的朋友和当代杰出的吉他手可以尽兴地一起表演。“举行吉他音乐节其实是从我的一个梦里得到灵感，聚集一批天才音乐家在舞台上表演，”他解释，“吉他音乐节上的音乐家都是我欣赏并敬佩的。”此外，另一个目的也是为了给位于Antigu的Crossroads Centre筹募基金并提升其知名度。该中心是由Eric Clapton于1997年发起成立，目标致力于酒精、毒品等戒瘾治疗与教育。
Crossroads Guitar Festival 1

Crossroads Guitar Festival 2

by wanglu

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Bonnie Raitt算是大器晚成了，1989年《Nick of Time》专辑大获成功时她已经将近40岁了。一个40出头的女性，面带微笑，怀抱着电吉他，站在台上，飒爽的英姿倾倒了台下的万名观众。她的慢歌有浓浓的草根味，这是她经过风吹雨打、岁月磨砺后慢慢沉淀下来的乐观和睿智，是一个饱经磨难的女人发自内心深处的感触，让你深深的被她的歌声吸引。

最近上海先后上演了两场引人瞩目的演唱会,让很多北京的文化人都去为他们捧场。滚石乐队的歌曲我不熟悉，有一张精选集，放在家里静静的躺者。我也凑热闹说下埃瑞克.克莱普顿 （Eric Clapton）。
我是听埃瑞克.克莱普顿的歌曲才知道BLUES的，白人把这种黑人音乐玩的如此好，也许只有他一人了。克莱普顿被誉为吉他之神，所以光听他的歌曲，如果不看他演唱会特别是92年版的演唱会dvd，那你不会对他有深刻了解的，也不明白一个胡子拉撒,不修边幅的歌者为何有如此魅力,当然能够有机会看现场那更没得话说。看了这个不插电演唱会，才知道他的吉他演奏技巧是那么的华丽和高超，知道音乐可以这么玩,知道他的歌曲非常有感染力，感觉到他是在用心做音乐。乐队每个乐手都陶醉其中，包括观众。如果看了不被音乐和现场气氛感染和打动，那才叫怪。另外他的2001年的演唱会，我也喜欢，其中一部分是插电，一部分不插电表演。
想当初还没有流行DVD的时候，为了获得这张VCD专辑，几乎跑遍了武汉市大大小小的音像店，后来总算买到了一张D版，回去一放，声音巨小，没有办法，只能再淘，后来总算淘到一张品质好的。

1992年发行的这张《Unplugged》专辑获得该年度葛莱美“最佳专辑”，同时也是MTV不插电专辑中商业销售最佳的一张。之后许多知名的歌手纷纷答应MTV音乐台邀请举办不插电小型演唱会，证明自己不靠录音室特殊处理技巧而是凭借实力来演唱。此专辑里另一首名曲Layla曾三度进榜并且进入前20名，在葛莱美奖中继Tears In Heaven得到“年度歌曲”与“年度唱片”后，拿下“最佳摇滚歌曲”奖。
by 王路