在陕北，人们的喜、怒、哀、乐哪一种情感，都可以用民歌的形式来表达。无论是站庄重山峻岭之巅，还是走在弯弯曲曲的山道里，或者行进在一马平川的大路上，到处都可以听到顺风飘来的悠扬歌声。这就是陕北民歌。

“女人们忧愁哭鼻子，男人们忧愁唱曲子。”实际上，陕北无论男女老少都喜欢民歌。黄土高原上，即有婆姨们如位如诉的低婉吟唱，又有后生们的“拦羊嗓子回牛声”的高歌回荡。陕北，是民歌的世界，民歌的海洋。

陕北民歌种类是很多的，其中有四季歌、五更调、揽工调、酒歌、秧歌、劳动号子、歌舞曲、榆林小曲、陕北套曲、二人台、风俗歌、宗教歌曲和探家调等，以小调和信天游为主。

小调，以叙事为主，一般都有场景，有人物，有故事情节，还有细节描写。如《害娃娃》、《探瑜姐》、《送情郎》、《四保揽工》和《下柳林》等都是篇幅较长的叙事体民歌。

信天游 （在与内蒙古接壤的地区叫“顺天游”，在神木府谷一带叫“山曲”）是广泛流行于陕北的一种民歌，篇幅比较短小，是即兴创作的产物，可以根据不同情景自由吟唱。如村民们下地干活，上山放羊，进林子砍柴，赶毛驴拉煤炭，心行所感，便放开嗓子歌唱起来。它语言质朴，节奏明显，韵脚多变，一般为两句体结构，上下句押韵，不隔句押韵，以 7字句或 10字句为基础，上句主比兴或写景状物，下句多主点意，虚实结合，曲调悠扬高亢，粗扩奔放，节奏鲜明，韵脚和谐，抒情色彩浓。充分体现了陕北人的豪放性格。它两句一段，段与段之间可分可合，也可独立为一首，类似“散曲”。

榆林小曲是流传于榆林城内的一种民歌形式。可分为两类：一类与小调差不多，只是曲谱有所不同；另一类以反映城市生活、闺怨情思、香楼哀怨的内容为主，市井味足，语言也文绉绉的。在演唱形式上，一般采用坐唱、联唱的形式，有音乐间奏，有领唱，有合唱，段落分明，情绪起伏大。 (更多…)

托尔斯泰被这首乐曲震撼，他曾向一位演员朋友提到，他将写一篇以此曲为题的杀妻者的独白，并请这位朋友朗诵。后来他真的写了这篇轰动一时，引起轩然大波的短篇小说《克莱采奏鸣曲》，还被当局禁止出版

伦敦时报专栏：戴莉的随想曲

跟小提琴手何聪谈起《克莱采奏鸣曲》（Kreutzer Sonata)，这是贝多芬（Ludwig van Beethoven 1770 – 1827)所作的10首小提琴和钢琴的奏鸣曲，其中的第九首。俄国大文豪列夫.托尔斯泰写了一篇短篇小说，以此为名。这首乐曲和这篇小说，有怎样的渊源，而用同一个标题呢？

我还是在上中学的时期，一位女同学嘴角挂着意味深长的微笑，神秘兮兮的向我推荐《克莱采朔拿大》（Kreutzer Sonata)，我记得当时的书名是这样翻译的。出于好奇，向她借来看，这是一个由婚姻，性爱，人性，夫妻间矛盾冲突而引发的悲剧。里面有很多对两性关系的描写，作者对细腻刻画人物的心理，性格，独具匠心。 (更多…)

【按】她——民谣，乡村，摇滚的混合风格，嗓音很性感迷人

加州阳光一如既往，照的人懒洋洋的。
那年他25，已经是个小有名气的音乐人。清秀阳光的脸总是掩在棒球帽下。他背着吉在夜间流连于圣地亚哥大大小小的咖啡屋和酒吧。他在客人们的喧闹中弹唱着自己写的歌曲。 他是Mr. A to Z. 他是Jason Mraz。

他从东部来，生长于virginia州一个朴素的小镇。从小父母离异的他虽然每年能有两个生日聚会，也能有两个圣诞，但他却似乎总是那个被忽视的孩子。他喜欢唱歌，喜欢表演，喜欢搞点小情趣。高中时他被同学嘲笑是同性恋，因为他不像别的男孩子那样搞体育，追女孩，他是那么沉静自己的小世界中。然后终于18岁那年，他独立了，自由了。于是毅然一个人背起了包包北上大纽约，边上表演学院边打零工赚钱养活自己。一日在纽约中央公园晃荡，他碰到了一个给小孩子画脸的男孩。这个自称Bushwalla的同龄人和他一见如故，对音乐的偏执狂一般的热爱，表演的天分，对生活的多少一些无奈，让他们一拍既合。 这个头发蓬乱的男孩教他画脸，教他小杂技，他也跟着这个新朋友一起在路边卖点小艺，挣点小钱。他惊喜地发现这个男孩和他在一个学校学习表演艺术。他们成了室友，一起弹起了吉他，一起玩起了音乐。他也似乎抓住了从小那个飘渺的梦。

不久，他就和bushwalla带着他们一起写的曲子，开始在街头表演了。收入不多，但是他们很开心，因为他们在做自己最热爱的工作。

但是，生活就是这样，没有名气不行，没有钱也不行。他们的音乐不能局限于街边路人扔来的25分硬币中。他们决定离开纽约，离开东部。他们选择了独立乐人的天堂－加州，圣地亚哥。那里有大大小小的咖啡馆，酒吧。能被其中任意一间占据星期几的一个晚上席位，他们的音乐路也就走通了。几年不懈的努力，他最后终于在著名的Java Joes站住了脚跟，并在这里， 他认识了Toca，打击乐手。

她是土生土长的圣地亚哥人，So Cal Girl 加州女孩。 阳光，背心，短裤，比基尼和夏天是她的最爱。她有疼她的爸爸，妈妈，哥哥，还有一片属于她的大海。夹着爸爸给她做的冲浪板和爸爸妈妈一起去冲浪是她从小到大脑海里永恒的记忆。暖暖的橙色加州阳光里，咸咸的海水里，穿着比基尼的女孩和充满阳光的男孩子们的欢笑声里，充斥着她的身影。她是高中里的冲浪 队队员，联赛的第5名，Roxy的业余模特，一个小比萨店的小零工。 她是有着男孩子名的Tristan Prettyman。

15 岁那年她无意翻出了爸爸在地下室的老吉他，听者爸爸妈妈收藏的ani difranco老碟片，她自己摸索着弹了起来。 (更多…)

“自打早坂文雄开始为我的电影做配乐，我就开始试验自己在配乐方面的想法。在那时候或更早的电影音乐跟伴奏没什么区别――忧伤的场景总是配上忧伤的音乐。大部分人都是这么使用音乐的。这样做的效果有限。但是从《泥醉天使》开始，我在重要的伤感场景里使用了轻松的音乐。我这种处理配乐的方式是反常的――我没把音乐放到大部分人常放的地方。在早坂的共同努力下，我开始在音乐和画面相对而不是音乐和画面相和的形式上思考。”（转引黑泽明的话）

（本文原刊于《看电影》324期） 收听

我不太喜欢用甚么风格来形容一位导演与配乐师的合作，这彷佛局限了他们曾经的创作，很不公平。事实上，一个导演及其配乐师们在合作的几十年生涯里，你怎可以用一种风格就能概括了他们所作的呢？把他们作品归入几句说话甚至是一种风格，都是很不公平的。

但在黑泽明的电影音乐里，我们的确可以读到一个共通的地方，黑泽明在处理音乐上绝对不是沿袭一种正常的方法，譬如在很宽阔的画面，他不会给你很宽阔的音乐，反过来偏偏给你一种很单调的音乐，于是你可以看到他看事物的角度很不一样，简单说，其实像《乱》这部电影，你大可以放置像《指环王》或《英雄》甚至《十面埋伏》的音乐吧？但他偏偏选择很单薄的音乐，甚至不是一种很自然的音乐，而是一种用于舞台上的音乐，令你感觉整个故事世界是发生在一个舞台上，很「能剧」的感觉。而绝对不是大家所熟悉的大自然或电影效果，而无论你喜欢或不喜欢，这就是黑泽明要做出来给大家看的，事实上有很多人为他这种作法而争论不休。黑泽明曾经跟几位很好的配乐师合作，我将利用数部不同的电影，希望谈谈其电影中的配乐特色……

《乱》（1985）

《乱》的开场时，我们就可见到黑泽明有着很不一样的音乐处理手法，画面所见是甚么也不动似的──人不动、马不动，给观众一种完全定格的视觉效果，音乐方面他也不要给我们感觉很伟大，相反是一种很阴森、很苍凉的味道，带有一种悲天悯人的浮世感觉，用的都是日本民族乐器，其实这部电影里他选用了很多能剧音乐，而能剧在银幕上一般很难发挥效用。补充一点，这部电影的配乐是由武满彻主理，他是一个很有经验的日本电影配乐家，他亦曾替电影《沙丘之女》配乐，现在已经去世。 (更多…)

伦敦时报专栏：戴莉的随想曲

巴洛克时期（Baroque）的意大利作曲家维瓦尔第（Antonio Vivaldi 1678–1741)的小提琴协奏曲《四季》The Four Seasons（Le quattro stagioni），是演出和播放率最高的古典乐曲之一，录音的版本更是古典音乐唱片之最，堪称古典音乐中的流行曲。鲜明的主题，形象，特色的乐句让人一听难忘，是古典乐迷们珍爱的恩品，也是初入门者的必听曲目之一。

威尼斯– 迷人的水乡，除了美术中产生了著名的威尼斯画派外，也是欧洲的音乐中心。因维瓦尔第之名，更成为音乐名城。1687年维瓦尔第出生于一个音乐家庭，父亲是圣马可教堂乐团的小提琴手。维瓦尔第十岁就已经参加教堂乐团的演奏了。

1703年，年轻的维瓦尔第在教堂任职神父，由于一头红发，绰号为“红发神父”(“The Red Priest”)。他是威尼斯慈爱院的提琴教师，一些爱好音乐的贵族慕名千里迢迢而来，只为听他演奏一曲。

他一生写了约500首协奏曲，70多首奏鸣曲，还有歌剧，神剧，弥撒曲等作品。由于他本人擅长演奏小提琴，他的小提琴作品都具有相当的难度。高把位的演奏技巧，丰富了小提琴音乐的发展。 (更多…)

他的音乐被认为是黑暗的、尖锐的、泛音色上的抽象，并同时表现出一种不依赖于爵士语法的抒情性。他喜欢大段的低音带来发人深省的沉重感，有时他甚至会在乐队中用到两个以上贝斯。他会对他的小号吹奏使用延时和混响技术，通过抓挠的手法制造不同色彩的音点，游离于绵长的流动音景，这些都使得他的音乐和理想中纯粹的抽象更加接近

文/liamaerd

和他早年的战友Cecil Taylor相似的是，Bill Dixon在他的乐器领域开创了属于自己的技术和风格。即使他在六七十年代留下的唱片屈指可数，但他兼具深度和力量的与众不同的音乐创作还是为音乐爱好者和后来者提供了难以估量的感受与启发。1984年，Cadence唱片为Dixon发行了一套录制于1970-1976年间的小号独奏作品（后来由 Dixon本人收录在套装唱片里），其中Dixon对不同小号乐器的吹奏方式及音色表达的可能性探索让人叹为观止。曾为 Hathut唱片录音的小号演奏家Stephen Haynes说，“Dixon是继Dizzy Gillespie之后又一位把小号吹奏技术延展到下一个时代的大师”。他的音乐艺术和他一直致力于开展的各种活动团体一样，都同时在艺术和政治上向这个物质世界挑战，并作为一种永不与世妥协的独立声音而存在。

我们今天看待Bill Dixon的伟大，一定是超越了他在音乐创作上的成就，因为Dixon那些载入史册的组织活动总使他更直接地被时代所铭记。1964年10 月，Bill Dixon作为第一领导者发起了“爵士十月革命”音乐节（October Revolution in Jazz）。这是爵士乐历史上第一个高举自由爵士大旗的音乐节，它是纽约视觉音乐节（The Vision Festival）的前身，也是今天各种自由音乐家活动的原型。 (更多…)

收听专辑

今天，在我们的印象中，弗里茨·克莱斯勒（1875-1962）是一位白发苍苍、蓄着一缕胡须、颜色庄重的老艺术家。可是，在他演奏的全盛时代，他是举世瞩目的超级明星，一场克莱斯勒独奏音乐会简直称得上是一件盛事。和喜剧明星卓别林和魔术大师霍迪尼一样，克莱斯勒在公众心目中是传奇般的人物。难怪布鲁诺·瓦尔特说：”克莱斯勒不是在演奏小提琴，他简直就是小提琴的化身。”

　　1875年2月2日，克莱斯勒诞生在维也纳一个著名的内科医生家里。他父亲对人文科学有着广博的兴趣和精到的见解。当时维也纳有识之士常常到他家聚会，西格孟德·弗洛伊德是他家的座上客。阿图尔·施纳贝尔家与他家毗邻而居。克莱斯勒在这样浓厚的文化氛围中成长，从小就表现出极高的音乐天赋。7岁时，他进入维也纳音乐学院，从师小赫尔梅斯贝格学习小提琴，在安东·布鲁克纳班上学习初步乐理，是该院历史上入学年龄最小的学生。他在该院学习三年，1885年毕业，因成绩优异，荣获金牌奖。接着转到巴黎音乐学院从师著名教授马萨尔进修。马萨尔写信告诉克莱斯勒的父亲：”我教过维尼亚夫斯基和其他许多人；但是小弗里茨一定会成为他们中间最了不起的！”克莱斯勒非常感激他的这位老师，多年后，他还得意地告诉别人：”我想马萨尔是蛮喜欢我的，因为我拉琴颇有点维尼亚夫斯基的派头。”他同时还跟德利布学习作曲。两年后，年仅12岁，他参加了巴黎音乐学院的小提琴比赛，在4O名比他年长的竞赛者中脱颖而出，赢得第一名，荣获罗马大奖。

(克莱斯勒：爱之忧伤与爱之欢乐 小提琴独奏 约夏·贝尔)

　　从巴黎音乐学院毕业后不久，13岁的克莱斯勒偕同钢琴家莫里茨·罗森塔尔赴美演出。于1888年11月9日在波士顿举行美国首演，第二天晚上在纽约斯坦威大厅演奏了门德尔松的e小调小提琴协奏曲。评论界表示了审慎的赞赏。在经过大约半年的美国巡回演出之后，克莱斯勒回到维也纳，在医科大学预科读了两年，然后又去巴黎和罗马学习美术、雕塑和艺术史。广泛的学习涉猎使他受益匪浅，不仅培养了对文学艺术终生不懈的爱好，还能够流利地讲数种现代欧洲语言，阅读古希腊和古罗马的原文经典。他虽然兴趣广泛，过着多少有几分像吉普赛人的流浪生活，但仍念念不忘和维也纳的艺术圈子保持密切的联系，与勃拉姆斯、胡戈·沃尔夫、阿诺尔德·勋伯格这些音乐家交流艺术见解。1895年克莱斯勒服了一年的义务兵役，复员后，决定重返乐坛。”因为我拉小提琴，我才是克莱斯勒，我坚信这一点。”克莱斯勒后来回忆道。
(更多…)

有位美国学者说：《中国花鼓》用小提琴和钢琴营造出锣鼓喧天的喜庆气氛，用西洋作曲技法和乐器来表现中国风情，听来别具韵味。是西洋作曲家采用中国题材的经典之作。

文/戴莉
历史上有一些西方音乐家创作了中国题材的音乐。

奥地利作曲家马勒（Gustav Mahler 1860-1911）根据《中国笛》里所提到的唐诗而创作了《大地之歌》。

意大利作曲家普契尼（Giacomo Puccini 1858-1924）的歌剧《图兰朵》是个发生在中国的故事。

再算上伟大的俄国作曲家柴可夫斯基（Tchaikovsky 1840-1893）的《胡桃夹子》里有一首《茶的中国舞曲》 。

（中国花鼓(Tambourin Chinois) 小提琴独奏 文格洛夫）

要说真正有地道中国味道的，首推​​美籍奥地利作曲家弗里茨·克莱斯勒（Fritz Kreisler 1875-1962）的《中国花鼓》（Tambourin Chinois)，而他创作这首乐曲的时候，还从来没到过中国。

当他在三藩市（San Francisco）旅行的时候，途经唐人街，被当地华人表演的中国音乐所吸引。他记住了这些乐句，创作了这首锣鼓喧天，充满欢庆节日气氛的，中国味道极浓的小提琴独奏曲。我第一次听到它的时候，简直不敢相信它是出自一位西方音乐家之手。 (更多…)

就历史地位而言，这部交响曲是肖斯塔科维奇事业上的转折点，作曲家将它视为自己创作生涯的里程碑，其重要性可比之于贝多芬的《英雄交响曲》

文/李峥

“……充满悲剧性张力的第五交响 曲，呈现出宏伟的展望和哲学的探索。”——这是当年《真理报》对肖斯塔科维奇《第五交响曲》的评价。这首交响曲具有简单而宏伟的 风格，和令人瞩目的快乐结局，因而立刻受到了热烈欢迎，也使身处重压之中的曲作者得到暂时的喘息。 　　

（穆拉文斯基 肖斯塔科维奇第五交响曲，D小调）

关于《第五交响曲》的创作， 还得追溯到歌剧《姆钦斯克县的马克白夫人》。这部歌剧展示了肖斯塔科维奇的戏剧才华，可以肯定，若不是斯大林掌权，年轻的作曲家 或许会将自己的追求更多投入到戏剧创作的领域。1934年1月22日，歌剧在列宁格勒首演后获得了极大的成功，并在之后的两年时间里盛演不衰。然而苏联官方并不赞同这部 歌剧，不幸终于在1936年1月发生了，斯大林亲临歌剧院观赏之后，《真理报》便以《混沌代替了音乐》为标题，对歌剧展开了批判，文章称：“……这部歌剧的不和谐音 与混沌杂乱之声就如同洪水泛滥的音响，……声嘶力竭的喊叫代替了歌唱，……热情激昂竟由喧闹的音乐来表现。”最后得出的结论是：“这种趋势对苏维埃音乐的危害是不言而喻的。”对于斯大林本人而言，他更关心歌剧的内容，正是剧中对于卧室情景的描写，以及一些挑逗情欲的音乐，激怒了斯大林。 (更多…)

贝德里希·斯美塔那（Bedrich Smetana，1824-1884）有“捷克民族音乐之父”之称，他是一位狂热的爱国者，同时，他也是最爱祖国美丽的大自然的人。他曾经一度被迫流亡国外、那时，他在日记中写道：我还能望见那可爱的群山么？……我的伟大的祖国哟，再见。我愿长眠在你的脚下，你那神圣之土。交响诗《我的祖国Ma Vlast》就是斯美塔那把他对祖国的无限热爱，用音乐来表达的。

文/沈石

第一乐章：维谢赫拉德(Vysehrad)

斯美塔那：古代游吟诗人的诗琴声构成了乐曲的引子，它使人想起捷克诸王公的这一京都城堡往昔的宏伟与显赫，想起骑士们在这一城堡及其周围的比武和争战，还想起这城堡的陷落和倾覆。最后又响起游吟诗人的歌声，乐曲在这悲壮的音调中结束。这里有欢乐的军号和罐鼓声，骑士们挥舞着白刃为迎接胜利的争战而操练，群集的战士们的盔甲映着太阳闪烁着耀眼的光芒，整个维谢赫拉德震荡着庄严的颂歌和胜利的欢呼。

维谢赫拉德是捷克历史上一座古城堡的名字，是传说中第一个捷克王国所在地，位于伏尔塔瓦河畔。它象征着捷克人民古代光荣斗争的历史。这首交响诗的内容，用一个代表维谢赫拉德的史诗主题集中体现，整个乐章具有纪念的礼赞的性质，犹如全部套曲庄严宏伟的序幕。

乐曲开始，先由两架竖琴奏出主题动机，这就是拿着拨弦乐器的游吟诗人的形象，随后主题由法国号和木管乐器接奏，音色更加饱满厚实，小号和定音鼓间插出现暗示主题的勇武含义。接着弦乐器以徐缓的速度奏出维谢赫拉德宽阔的主题，并引人一段高潮，音色更加明朗高昂，诗人叙述的幻想变成活生生的现实－回顾祖国的过去使人感到激奋和骄傲。

（《我的祖国》 第二乐章：沃尔塔瓦河 柏林爱乐 卡拉扬指挥）

这个基本主题描述了古代唱诗者弹着竖琴歌唱维谢赫拉德历史传说的情景。这一主题经各种乐器不同组合的演奏逐渐扩展并达到强大的高潮。接着音乐描绘了中世纪城堡中骑士们的格斗与大规模会战的激烈场景。用基本主题的一个动机以构成急速的赋格段来表达这一段的内容。原来主题所特有的明朗而安然的特点消失了，音调变成激动的呼喊，随后出现的军号声和乐队短促有力的和弦，描绘出比武和战斗的情景。接着出现一个具有歌唱性的，充满纯斯拉夫式的宽广和真挚的新主题，像民间史诗曲调那样平和安然。这个抒情的主题在军号合奏和从维谢赫拉德主题转化出来的一些更加接近朗诵调的激动呼喊的策励之下进入高潮，逐步发展成一支胜利和凯旋的颂歌。接着音乐逐渐安静下来，单簧管奏出抒情的旋律以表示故事结束了。人们只知道这个城堡存在于远古，而不知道它什么时候毁坏。在这废墟之上，我们只能听到其实早已消失的游吟诗人的琴声的一些回响。最后，庄严的维谢赫拉德主题再度出现并逐渐减弱，结束在竖琴的音响中。
(更多…)