2011年，匈牙利钢琴家李斯特迎来诞辰200周年，尽管很早就被誉为“钢琴之王”，李斯特本人却说：“我的一生宛如一出五幕的古希腊悲剧……”

文 ｜ 颜胤盛

1830年“七月革命”后，法国众议院召请路易菲利浦即王位，建立了代表金融资产阶级统治的七月王朝。一次召见中，国王说：“社会已经改变了许多。”事实并非如此，李斯特反驳道：“变是变了，但没有变好。”因为这次顶撞，李斯特失去了一枚准备授予他的勋章。

　　一场音乐会正在巴黎举行，20岁的李斯特坐在钢琴前，当灯一熄灭，他悄悄让21岁的肖邦登台代替自己演奏，优美的旋律在剧场飘扬。正当人们出神入境，琴声戛然而止，灯火豁然通明。人们惊奇地发现，舞台上谢幕的不是李斯特，而是一位陌生的青年才俊。当主持人介绍完真实情况，听众爆发雷鸣般的掌声。肖邦一鸣惊人，此后被誉为“钢琴诗人”，李斯特巧荐肖邦的事迹，一时也传为佳话。

　　被贝多芬亲吻的音乐神童

　　1811年10月22日，弗朗兹.李斯特生于匈牙利一座名为雷汀的小村庄，这里距离“音乐之都”维也纳仅50英里。他的父亲亚当.李斯特是一个牧羊人，“曾对当地公爵家的3000只绵羊实行过监督”，母亲是一位面包师的女儿。

　　父亲能作曲，擅长拉小提琴。受家庭环境的熏陶，李斯特没学会认字前就会看乐谱了，他在床头挂上精神偶像贝多芬的画像。1819年9月，8岁的李斯特首次公开登台演出。其后，在当地富商资助下，李斯特赴维也纳，拜贝多芬的门生车尔尼等人为师，研习作曲和和声相关音乐理论。

　　1823年4月23日，贝多芬破天荒应邀出席了李斯特的“早晨音乐会”。当李斯特弹奏完贝多芬的《C大调钢琴协奏曲》第一乐章后，贝多芬走上舞台，在热烈的欢呼声中亲吻了李斯特。“继续吧，你这天之骄子，你将带给许多人喜悦，这实在是最好不过的事。”贝多芬鼓励说。一切就像一场祝圣仪式。李斯特把贝多芬的吻视为对其“音乐艺术的洗礼”。在后人看来，这一吻象征了两代人、两个音乐时代的历史交接，李斯特作为神童的美名开始远扬。

（李斯特 爱之梦 by基辛）
　　初恋失败后一病两年，人们误以为他已死亡

　　1823年底，李斯特父子决定前往法兰西的心脏——巴黎。小李斯特很快成了巴黎的宠儿，他经常应邀在贵族沙龙、聚会上展现其钢琴技艺。一场私人音乐会的酬金有时高达2000法郎，足够一家人在巴黎生活一个月的生活开销。与此同时，李斯特并没有放松学业，他每天花一个小时练习弹奏，其余时间用来作曲。李斯特还不断向巴黎的音乐大师学习乐器法、和声学和对位法。 (更多…)

文‧林治宇 收听专辑

对于发烧友来说，纳京高（Nat King Cole）想必不陌生，因为他那清亮温厚、柔美多情的歌声，用烂烂的音响听就已经蛮好听了，透过高档音响重播，更是美到很难找到适合的形容词，也难怪，你可以在市面上买到各种母带重製版本的纳京高唱片，或是运用不同唱片处理方式所製成的CD，而且当中几乎都有《Unforgettable》、《Mona Lisa》与《When I Fall In Love》等名曲。不过，你可能不知道，纳京高在他最辉煌的时期曾经灌录过西班牙文歌曲，在「In Spanish」这张CD中，让音响迷可以领会纳京高的另一种风范。

纳京高的成名从1940年代后期开始，自此成为美国家喻户晓红星，直至1965年他因肺癌过世前，纳京高都是极受欢迎的歌者，发表的唱片少有不是金唱片的。在他如日中天的时期，纳京高在1956年开始受邀至古巴哈瓦纳的饭店演唱，演唱以西班牙文歌曲为主，当时是卡斯特罗展开革命的前夕，也是古巴观光业如火如荼发展的时期。纳京高在哈瓦纳的演唱受欢迎的程度不下他在美国，也因此促成他在1958年录製第一张西班牙文唱片「Cole Español」。

「Cole Español」推出之后，在美国与拉丁美洲都极受欢迎，因此1959年乘胜追击录了「A Mis Amigos」（当中甚至有葡萄牙文歌曲），1962年还有「More Cole Español 」专辑。不过，纳京高其实不会讲西班牙文，他是靠硬记发音来演唱，就像我们有时候唱英文歌曲，虽然字都会唸，但不一定懂得歌词的意思。

製作「Cole Español」专辑时，是製作人先在哈瓦纳录好伴奏，然后纳京高在好莱坞完成配唱。这张专辑登上美国20大排行唱片，在国际上的销量也相当好。紧接着推出的「A Mis Amigos」，则是1959年纳京高进行他的南美洲行程时，在巴西里约热内卢录製，并完全由巴西乐手参与伴奏，虽然他的西班牙文（这次还有葡萄牙文）仍然不俐落，但更具有南美洲风情。

聆听「In Spanish」，我感受到的是不一样的纳京高，像是他从都会浪漫的温柔情人，摇身一变为舞台投射灯光聚焦的巨星，哈瓦纳的纸醉金迷，50年代古巴的繁华富丽，还有教父电影中黑手党赌场饭店的场景，好像都开始在脑中浮现。当然，你还可以一次收录纳京高以西班牙文演唱的精华歌曲，更是不应错过「In Spanish」的原因。

注：作者是为专辑《Nat King Cole：In Spanish》写的文章，共16首歌曲，我将此文转帖过来，配图是专辑《Canta Espanol 26 Grandes Exitos》，共26首西班牙语歌曲，推荐给网友。

文章摘自：音响共和国

她真是最棒的！杜普蕾的演奏个性太强了，无论谁都能够很容易地辨认出她的琴声。她用的那把琴非常好。你知道吗？马友友现在拉的那把琴就是杜普蕾留下来的，可杜普蕾拉琴跟马友友拉琴完全就是两码事！马友友又怎能跟当年的杜普蕾相比呢！————傅聪

来源：《三联爱乐》 收听

20岁出头的年纪便成为国际古典音乐舞台上一颗璀璨的明珠，杰奎琳·杜普蕾，这位伟大的大提琴演奏家却在1987年因受到多发性硬化症的困扰悲剧般地离开了自己挚爱的演奏舞台。

杜普蕾的动人之处在于她的真实，她的自然，和她充满光彩的生命力。她的一生实在太过传奇，又太过浓烈，她以极大的才华征服了世界，又以一种近乎悲剧的生活结束了自己的演奏生涯，甚至是生命。她在音乐界以惊人的才能取得了空前的成功，她的名字与作曲家埃尔加紧紧相连。

　　对于我们这些成长在杜普蕾绝世天赋的光环下的人们，似乎很难相信如果杜普蕾还在世，那么这个月将是她的六十岁生日了。杜普蕾的音乐会活力十足，令人激动，至今仍然栩栩如生地印刻在我们的脑海中，一切仿若昨日。杰奎琳·杜普蕾有着磁铁般让人无法抗拒的个人魅力，她将自己的内心情感同她无限年轻的自信与活力互相融合，她的音乐是她生命的延伸，是她心血的熔铸，她的音乐永远是独一无二的。

　　即使是杜普蕾最为狂热华丽，只凭直觉的即兴演奏，她也能赋予其中一种令人瞩目的洞察力，穿透自己和听众的内心世界，让听众一瞥其富于创造性的灵感之源。这种朝气蓬勃的热情同永不老去的慧质的结合，赋予杜普蕾的演奏以不朽的价值和意义，并且完全能够经受住时间的考验。

　　杰奎琳·杜普蕾在英国的公共演出生涯仅仅持续了十年多一点的时间——从她16岁在维格莫尔音乐厅 (Wigmore Hall)登台首演到1973年2月在伦敦举行最后一场音乐会为止。而她的国际演出生涯则更为短暂，杜普蕾在音乐上的黄金时期甚至可以浓缩四年时间。在许许多多音乐家刚刚开始自己职业音乐生涯的年纪，杜普蕾却已经别离了挚爱的音乐舞台。

（门德尔松《大提琴作品：D大调无词歌）
　　幸运的是，杜普蕾所录制的唱片的影响力一点也不逊于她在音乐厅的演奏，我们一样能从她的唱片中听到她青春不羁的音乐，感受她开朗投入的个性。即使是在录音棚里录制唱片，杜普蕾依然像登台演出那样用尽每一分气力同听众们进行交流，仿若眼前的麦克风根本不存在，正是这个原因，听杜普蕾的唱片就像听她的现场，她的情感和心声。杜普蕾最钟爱的唱片制作人苏维·拉伊·格拉布回忆说杜普蕾是最理想的唱片录制演奏家，她在录制中充满耐心，理解力非常惊人，同杜普蕾合作录制唱片永远是一种快乐的经历。 (更多…)

依我的看法，米凯兰杰利与格伦·古尔德构成了20世纪钢琴演奏史上最极端的两个出发点。古尔德以具有极少主义倾向的削减手法对待钢琴演奏，通过做出限制来增加钢琴的信息量和精神性；而米凯兰杰利却格钢琴所能发出的各种美妙声音全都释放出来，达到了柏拉图所说的“杂于一”境界。

文/欧阳江河 朦胧派诗人

今年夏天，我应邀赴意大利参加一个国际诗歌节，在米兰、热那亚、皮亚琴察等城市滞留多日，与几位意大利汉学家过从甚密，其中有一位在博洛尼亚大学任教的社会学教授鲁索和我一样是格伦·古尔德迷。他告诉我：“古尔德的巴赫对我来说是信仰和想象力的一部分。“我在博洛尼亚大学鲁索家里住过两天，发现他的古尔德LP和CD收藏颇为全面——从巴赫、莫扎特、贝多芬到斯克里亚宾、勋伯格、欣德米特。我注意到一大堆古尔德CD中夹杂着霍洛维茨、里帕蒂、里赫特、吉列尔斯、施纳贝尔、吉泽金、科尔托等钢琴家的一些CD，但其中没有一张米凯兰杰利。我感到有些纳闷，就问鲁索，是否从来不听米凯兰杰利?他说是的，从不听他的录音。我追问道：难道你觉得他弹得不好吗?鲁索回答我：恰恰相反，我曾在1972年听过他的现场音乐会，当时的感觉真是妙不可言——不过从那以后，米凯兰杰利就成了绝响，因为我从任何他的录音制品中再也找不到那种现场感受了。“别的钢琴家或许能在录音里听，可米凯兰杰利不行，他属于那种你要么别听，要么亲临现场去听的钢琴家。”鲁索这么说。

　　但到哪儿去听米凯兰杰利的现场音乐会呢?恐怕只有到天堂去听。我猜米凯兰杰利会在天堂继续他的钢琴音乐会，但却拿不准假如上帝去听他的现场演奏，而那天又正好赶上下雨，米凯兰杰利会不会随时取消音乐会，一点不给上帝面子?米凯兰杰利生前就以不顾观众的感受，喜欢即兴取消演奏而闻名于世。我在一篇文章中读到过，有一次米凯兰杰利因试奏时感到琴声有些潮湿就独断地取消了当晚的音乐会，弄得身边的人不知所措，过了很长时间才有人想起三天前本地曾下过一场雨。难道三天的太阳还不足以晒乾一场雨吗?是米凯兰杰利过于怪癖，过于我行我素，以使自己神秘化吗？对我们这些被消费时尚宠坏了的听众来说，米凯兰杰利的存在显得像是一个冒犯。在他的身上，同时活着一个艺术至上的完美主义者、一个拉丁贵族和一个现代隐士。他拒绝成为那种花上几十美元买张门票或是买几张C0就能一次性消费掉的表演者。

　　依我的看法，米凯兰杰利与格伦·古尔德构成了20世纪钢琴演奏史上最极端的两个出发点。他们两人的身上都具有那种被推到极致的专注精神，不仅专注于钢琴演奏者与作曲家的种种关联，而且能使围绕这种专注所聚敛起来的内涵和能量抵达钢琴本身——我指的是作为一个物的钢琴。考虑并尽可能穷尽钢琴的可能性，是一件让古尔德和米凯兰杰利感兴趣的事情，但他们两个人做出的努力正好相反：古尔德以具有极少主义倾向的削减手法对待钢琴演奏，通过做出限制来增加钢琴的信息量和精神性；而米凯兰杰利却格钢琴所能发出的各种美妙声音全都释放出来，达到了柏拉图所说的“杂于一”境界。如果说古尔德是以“不”来定义钢琴的，米凯兰杰利则用“是”在定义钢琴，不过，这是那种把“不”字也包括进来的“是”。

（肖邦第1号叙事曲，G小调）
古尔德的巴赫是一个左手得到特殊强调的巴游，一个令当代西方知识分子感到迷狂的、洋溢着发明精神的、近乎左派的巴赫，这个巴赫的确立是以限制右手、剔除巴罗克时代的宫廷情调为前提的。米凯兰杰利早年弹奏巴赫的《意大利协奏曲》时，将德奥血统的巴赫拉丁化了，尤其是第二乐章，弹得销魂之至，仿佛演奏者是置身于对托斯卡那一带的典型意大利乡村景物的印象和感受中在演奏，所以巴赫听上去像是撩起乡愁的斯卡拉蒂。二战结束后米凯兰杰利就再也没弹过这首曲子了，但他弹过另一首由布索尼改缠的巴赫作品《恰空》。他将该曲的内在建筑(这种内在建筑所揭示的空间恐惧与空间信赖之间的复杂关系乃巴罗克音乐的神镶之所在)完整地呈现出来。遗憾的是古尔德从未弹过巴赫的这首《恰空》。以古尔德弹奏巴赫《创意曲》时所显示出来的对复调空间结构的想象力和精确程度来看，如若他弹奏《恰空》，必将为听者带来与米凯兰杰利的《恰空》全然不同的另一种阐释的乐趣。两种乐趣都是高级的，两个《恰空》交相辉映，两个巴赫相互证实，但又相互分离。如果古尔德当年弹奏过《恰空》就好了。 (更多…)

文/焦元溥 台湾乐评人 收听专辑

古老的传说里，法力无边的魔术师－梅林，一生睿智出群，洞悉古今，却爱上了一个不该爱的女子，将所学法术倾囊相授…最后，他被自己的法力钳困，被锁在没有围墙，没有铁链的幻象魔狱，被锁在一片幽幽茫茫，不知边际的绿色光环境里…米凯兰杰利，纵横世界乐坛四分之三个世纪，哲学家的言论，谜也似的技巧，完美主义的自我要求和神出鬼没的隐世行迹‥一切引人入胜的的传说和惊叹，带给他尊荣的声名和不朽的地位，竟也带给世人七十五年的空白和一个不详的死因，留下许许多多的疑问和不解之谜，在绿色光环里相聚相生，诉说无尽的神秘…

年少轻狂的新李斯特

　　如果说我们能对阿尔图罗·贝内代托·米凯兰杰利（Arturo·Benedetti·Michelangeli ）能有详尽的了解，大概只是仅于他早年的学习演奏生涯。一九二○年一月六日和七日凌晨之间，米凯兰杰利诞生于​​布雷西亚（Brescia）的一个律师家庭里。年仅三岁的他便开始了初次钢琴课程，但是令人讶异的，是此时米开兰杰利所钟情的并不是钢琴，而是小提琴。又由于家族属于佛兰西斯修道会的一员，小小年纪的米凯兰杰利，耳濡目染下，对管风琴的喜爱亦是不在话下。一直迟至十岁以前，米开兰杰利可说没有「认真」学习过钢琴，话虽如此，米凯兰杰利专心起来依然进步神速，以十三岁稚龄毕业于米兰的威尔第音乐院（Conservatorio Giuseppe Verdi）。他的老师是安佛西（Giovanni Anfossi），承继着Beniamino Cesi的意大利琴艺。如果我们细心追踪，由Cesi又可追溯至Giuseppe Martucci，更进一步又可回到陶西格（S. Thalberg）和李斯特的华丽名技学派，安佛西强化了米凯兰杰利的指法，也将意大利钢琴乐派最精华独到的技艺－清澄干净的音色，完全教给米凯兰杰利，让他原本就与众不同的触键更添透明水晶般的光彩。

（德彪西 L117 No. 8 亚麻色头发的少女）

自音乐院毕业后的时光里，米凯兰杰利也没有浪费他的少年青春，他习医（专攻外科），且成为格的赛车选手。他也参加许多欧洲的个人钢琴赛，已然展开他的初步演奏事业，成名之早更甚阿格丽希。甚至，以他的年纪，竟然还能受到Bolongna马汀尼音乐院（MartiniConserratory）的聘请，而接下钢琴教授的职位，真是令人不得不为米凯兰杰利的「小时了了」感到惊讶！在三○年代后半，米凯兰杰利更出人意表的进入Laverna修道院中，希望能够成为修士！当然，米开兰杰利终突未突现他的梦想─一九三九年七月八日，米凯兰杰利在日内瓦国际大赛上赢得首奖和柯尔托特别奖。当时柯尔托还当面称许米凯兰杰利为「李斯特再世」！似乎也因为得到这个特别的殊荣和国际性的声名，米开兰杰利自此放下一切，专心从事于他的钢琴演奏生涯和与EMI的录音工作。一九四○年，年方二十岁的米开兰杰利在米兰斯卡拉歌剧院首次登台，一曲李斯特「死之舞」令在场同胞们瞠目结舌，一开眼界─他们看到了昔日布梭尼横扫全欧的无上荣光，他们听到了日内瓦大赛上的「新李斯特」是如此名不虚传！「新古典的浪漫！」意大利听众们毫不吝情地给予这个布梭尼专有的封号，希望弱冠之龄的米开兰杰利能日日精进、更上层楼。 (更多…)

文/欧头 台湾媒体人，乐评人

若请古典乐迷票选「小提琴协奏曲之王」，那麽肯定十个人中有七、八人会选这首贝多芬的D大调！一来，因为此曲是用小提琴「王者之调」的D大调写成，二来，第一乐章开头动机定音鼓的连续五槌，不仅展现了帝王豋场的气势，也为乐曲的恢弘结构写下注脚、发出先声。

贝多芬这首被马勒称为「与众不同的小提琴协奏曲」，与布拉姆斯、柴可夫斯基的同类作品并列为「小提琴协奏曲3D」，是「乐圣」一生中唯一的《小提琴协奏曲》，创作于1806年。这个阶段史家称为他创作中期的「杰作森林」，包括《第三号英雄》、《第四号》、《第五号命运》等交响曲，以及《华德斯坦》、《热情》等钢琴奏鸣曲，还有《拉兹莫夫斯基弦楽四重奏》、《第四号钢琴协奏曲》等知名作品，都在这个阶段完成。

(小提琴独奏： 格吕米欧)
其中，《第四号交响曲》以及《第四号钢琴协奏曲》与这首小提琴协奏曲，可说同时进行谱曲，且这三曲都有着浓郁的抒情、阴柔性格，与贝多芬过去粗旷豪迈曲风大异其趣。

有人说，这是贝多芬与他的学生匈牙利贵族约瑟芬‧冯‧布朗斯维克伯爵夫人（Josephine von Brunsvik）陷入爱河所致。这位贵妇有一段不美满的婚姻，她嫁给了比自己老三十岁的伯爵，而且在1806年又刚死了老公。贝多芬曾在1805年的几个月中写给她不少情书，贵妇也明确回应，「我对你的爱无法言喻，正如一个温柔的灵魂对另一个的爱。你不能接受这样的约定吗？」终究两人没有修成正果，1810年贵妇再嫁。 (更多…)

这绝对是一支具有传奇性的乐队，他们在摇滚乐的历史上拥有着极其重要的地位；他们是上世纪七十年代最受欢迎的摇滚乐队之一，同时不仅像六、七十年代的一些常青乐队一样活跃至今，他们还是其中极少数仍然拥有非常好的商业成绩的乐队之一；他们发行过超过20张的既叫好又叫卖的白金专辑，在全世界拥有超过1亿张的唱片销售纪录；他们还曾经四次获得格莱美最佳摇滚乐队奖；虽然乐队的核心成员曾经几次因为各种矛盾而各奔东西，但是又几次尽弃前嫌再度携手；他们深受布鲁斯摇滚乐影响，却又在乐队的发展历程中成为了包括Motley Crue，Guns N’ Roses，Bon Jovi，Poison，Tesla等无数后生乐队们的偶像；甚至是他们在1975年一首不经意间创作的单曲《Walk This Way》，在十多年以后也被公认为是说唱金属的鼻祖单曲，对了，这就是世界著名的史密斯飞船乐队(Aerosmith)。

提起史密斯飞船乐队，人们不禁会立刻想到乐队主唱Steven Tyler那张鳄鱼般可以吞噬一切的大嘴，以及Joe Perry一袭黑衣如同铁塔般巍然屹立的吉他英雄形象。不可否认，史密斯飞船乐队是对80年代美国摇滚乐队影响最大的乐队之一，他们华丽而怪异的舞台表演风格，Steven Tyler多变的演唱，长丝巾服装围着麦克风不停的舞动，Joe Perry冷峻的表情和突出的吉他演奏方式都成为了后来者的模仿对象。在三十年的时间里无论时间如何变化，摇滚乐的环境如何变化，史密斯飞船乐队虽然也向布鲁斯摇滚基础的流行金属方向发展，但是仍然都一直坚持着自己的演唱方式和舞台表演风格，并始终能够吸引无数的歌迷为之疯狂。在当今摇滚乐坛，Metallica，Guns N’ Roses等曾经广受世界歌迷欢迎的乐队都为了适应新环境而在风格上做出了非常令人失望的改变，史密斯飞船乐队的这种华丽风格的坚持更是凸显出他们的魅力。

　　同时，史密斯飞船乐队还是将真正纯粹的、完全的柔情歌曲应用于硬摇滚乐之中，并将之演绎的最好的乐队。从上世纪七十年代开始，史密斯飞船乐队就能够经常的在音乐的硬以及内容上的柔中得心应手的随意切换，他们可以将最柔情感人的内容轻而易举的融入最硬的摇滚乐曲中，而且从来不是用简单或者粗劣的语言来填词。硬摇滚情歌是他们最擅长的作品形式之一。

　　史密斯飞船乐队综合了老一代的布鲁斯摇滚乐队的曲风，滚石乐队(Rolling Stones)的特色造型，并将这些发展而形成了自己的特点，加上在舞台上以及音乐录影带中华丽甚至有些“变态”的奇异而饱富创意的表演，还有极其富有个性的唱片封面设计，让史密斯飞船乐队成为了美国乃至世界上风格最为独特的乐队之一。虽然史密斯飞船乐队在七十年代末到八十年代初曾经由于严重的吸毒等各种问题而分裂并且陷入了空前的低谷，但是随后经历了一个摇滚乐历史上令人吃惊的完美的复出以及在此后取得了超越了七十年代的辉煌之后，使得史密斯飞船乐队更进一步的巩固了他们在摇滚乐历史上的地位。 (更多…)

游园惊梦，汤显祖《牡丹亭》一折，原作统称《惊梦》，其中“观之不足由他缱……”那支曲牌，也不叫[尾声]，而叫[隔尾]，戏至此未完。在乾隆年间《缀白裘》里已分为游园和惊梦两折，[隔尾]也改成[尾声]了。
　　我来解释一下。

　　先谈《游园》。
　 〔绕地游〕，杜丽娘上唱：“梦回莺啭，乱煞年光遍。人立小庭深院。”
　　这三句是剧作者介绍杜丽娘在一个春天的早晨起床后，站在幽静的庭院里，听到黄莺的叫声。一上场就写出她独居深闺，闷闷无聊的心情。

　　杜在小锣里出场，九龙口站住，开始唱“梦回莺啭”，再慢慢地边唱边走，唱完“院”字，转身向里走去，接着春香就上场了。她刚出场，披着斗篷，不能多做戏，所以身段不多，只是唱到“莺啭”向高处一指，“深院”平着一指，唱完坐下。

　　春香上唱：“炷尽沉烟，抛残绣线，恁今春关情似去年？”
　　春香用轻快的步子上场，边唱边走，“尽”字已到台口，“沉烟”穿手、蹲身，“抛残绣线”做理线式，“恁今春关情似去年”进门，转身蹲下，向外一指。

　　杜、春二人同样都是旦角，而春香唱的尺寸，应该比杜丽娘快些，动作也要活泼些，否则就分不出她们之间的年龄和身份了。因此，昆曲里把她们分别叫“五旦”“六旦”。 (更多…)

文/成春

在二十世纪中外名曲的大回响中,谁能忘得了独具魅力的《瑶族舞曲》呢？作曲家茅沅在给艺术节的贺信中深情地写道:“……该曲虽是我和刘铁山依据瑶族民歌曲调加工发展而成的一首管弦乐曲,但归根结底首先要归功于瑶族同胞悠久的音乐文化传统提供了美妙动人的音乐素材,否则《瑶族舞曲》也无从产生了。现在全世界都欣赏到瑶族美妙的音乐文化,这是全体瑶族人民的骄傲,我们也感到了万分的荣幸和庆幸……”毋容置疑,经典的《瑶族舞曲》是中国民族音乐的骄傲,也是世界民族音乐的骄傲。

　　而鲜为人知的是,当年《瑶族舞曲》的创作,却有着动人的插曲。1951年作曲家刘铁山参加中央民族慰问团,到广东和云南的少数民族地区采风创作。而在连南看了原汁原味的瑶族歌舞表演后,灵感这只美丽的精灵蓦地飞临他的心空。
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比起钢琴奏鸣曲，莫扎特的小提琴奏鸣曲更能陈述他的灵魂状态，那层层迭迭、起伏波澜，真是慷慨悲歌，性情毕露。不是对小提琴有深刻了解和怀有深厚感情，能写出这些奏鸣曲吗？

赵鑫珊、周玉明/著

他的小提琴奏鸣曲会叫我们落泪，为其中的风兼残雪起，河带断冰流而流泪的心当感激生命。

莫扎特写出这样的小提琴奏鸣曲原是不奇怪的。因为他来自社会的底层，一生多艰，饱经内心磨难。而古来忠烈士，多出贫贱门。

要是一个人的日子过得太舒适，内外两界没有任何什么艰苦和忧思，那么，莫扎特的小提琴奏鸣曲于他就是多余的，不会激起共鸣。

三十多年来，笔者同他的小提琴奏鸣曲发生深深共鸣的日子，正是登临思不已，何处得销愁的困惑时候。而莫扎特创作这些曲子的时候，也是他无限秋风思，多病道心生的岁月。

莫扎特一生总共写过35首小提琴奏鸣曲。最早4首（作品第6至第9号）创作于巴黎，时1763年冬。当时莫扎特年仅7岁。在巴黎，莫扎特一家呆了五个月，然后经加莱过海峡赴伦敦。 (更多…)