纳京高的成名从1940年代后期开始，自此成为美国家喻户晓红星，直至1965年他因肺癌过世前，纳京高都是极受欢迎的歌者，发表的唱片少有不是金唱片的。在他如日中天的时期，纳京高在1956年开始受邀至古巴哈瓦纳的饭店演唱，演唱以西班牙文歌曲为主，当时是卡斯特罗展开革命的前夕，也是古巴观光业如火如荼发展的时期。纳京高在哈瓦纳的演唱受欢迎的程度不下他在美国，也因此促成他在1958年录製第一张西班牙文唱片「Cole Español」。

「Cole Español」推出之后，在美国与拉丁美洲都极受欢迎，因此1959年乘胜追击录了「A Mis Amigos」（当中甚至有葡萄牙文歌曲），1962年还有「More Cole Español 」专辑。不过，纳京高其实不会讲西班牙文，他是靠硬记发音来演唱，就像我们有时候唱英文歌曲，虽然字都会唸，但不一定懂得歌词的意思。

製作「Cole Español」专辑时，是製作人先在哈瓦纳录好伴奏，然后纳京高在好莱坞完成配唱。这张专辑登上美国20大排行唱片，在国际上的销量也相当好。紧接着推出的「A Mis Amigos」，则是1959年纳京高进行他的南美洲行程时，在巴西里约热内卢录製，并完全由巴西乐手参与伴奏，虽然他的西班牙文（这次还有葡萄牙文）仍然不俐落，但更具有南美洲风情。

聆听「In Spanish」，我感受到的是不一样的纳京高，像是他从都会浪漫的温柔情人，摇身一变为舞台投射灯光聚焦的巨星，哈瓦纳的纸醉金迷，50年代古巴的繁华富丽，还有教父电影中黑手党赌场饭店的场景，好像都开始在脑中浮现。当然，你还可以一次收录纳京高以西班牙文演唱的精华歌曲，更是不应错过「In Spanish」的原因。

注：作者是为专辑《Nat King Cole：In Spanish》写的文章，共16首歌曲，我将此文转帖过来，配图是专辑《Canta Espanol 26 Grandes Exitos》，共26首西班牙语歌曲，推荐给网友。

文章摘自：音响共和国

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文/东方早报记者杨静 梁佳 收听

不需要纯净与优雅，而是沙哑得略带忧伤，能听得出岁月的痕迹，听得出哀伤的命运……这种被称为Fado（法朵）的音乐来自葡萄牙的传统民谣，其地位相当于西班牙著名的弗拉明戈舞蹈。今日，被誉为葡萄牙“Fado女王”的Mariza将在世博园吟唱伴随她成长的Fado，为观众献唱其心中的故事，而特殊的吉他乐声与独唱者的特有腔调，将空灵而动人地缭绕于听者的耳畔。

　　“通过音乐了解自己”

　　作为具有一百五十年历史的葡萄牙音乐，Fado在大街小巷的酒馆、都会里的咖啡室和会所都可听得到。它总是满怀激情、哀怨、失落和伤痛，用音乐和独特的嗓音将其情怀表达得淋漓尽致，而诗意的歌词是Fado音乐的精髓——“你又扬帆去远方，何时才归？我天天眼望大海，期盼你早回……”从中世纪传唱到今天，不外乎生死相恋。

　　此次前来献唱的Mariza则将在吉他和曼陀铃的伴奏下叙说音乐的故事。“她的作品使她超过了一半的新Fado歌唱家，因为她将葡萄牙和巴西的音乐融合在了一起，使它变得更为国际化。她的声线如同水晶一般透明、干净，就好像修剪掉了所有毛边的丝绸。虽然她的歌曲很短，最多不过三分半钟，但好像将听者的耳朵打开了一样。”乐评人ChrisNickson曾这样评价Mariza的作品。实际上，Mariza是莫桑比克人，但她的灵魂却诞生在葡萄牙的里斯本老区。她说：“我住在一个传统的里斯本街道里，我一直唱Fado，通过它我了解了自己。”的确如此，在那里，她聆听了太多的Fado歌手歌唱，尽管他们的名字和面孔已被渐渐淡忘，但对他们的回忆却驻留在Mariza的音乐里。因此在她的专辑中，常常能发现她对一些Fado歌唱家的敬意。

（电影《伊莎贝拉》片尾曲 Oh gente da minha terra）

　　Mariza自2001年发行第一张专辑《我的Fado》后，就被推上国际音乐舞台。这张专辑的销量达到白金唱片的四倍，媒体毫不遮掩地称她为“明星”。值得一提的是，这张专辑收录了一首著名的歌曲——《啊，我的人民》（ Oh gente da minha terra），许多听众在聆听她演唱这首歌时，常常会情不自禁同她一起流泪。有人这样评价：“作为一个远离祖国和亲人的游子，这首歌触及了我灵魂深处那个最敏感的故乡情结。”

　　个人风格演绎传统曲风

　　Mariza作为一位Fado歌星，以声线凄楚动人著称，俨然已经成为Fado传奇歌后AmaliaRodrigues的接班人。在她幼年时期，她就在出生地莫桑比克学习传统形式的Fado，小Mariza5岁起就开始在父母经营的餐馆演唱。至于后来举家迁至葡萄牙，Fado已经成为她生活中的一部分了。

　　长大后的Mariza在外形上俊朗靓丽，成名很快。在第一张专辑发行之后，Mariza可以说是佳作不断、成绩斐然。其中，她于2006年发行的、在其2005年演唱会现场录制的《里斯本演唱会》专辑，CD和DVD销量都突破了白金销量的三倍。Mariza的国际认可程度是显而易见的，其专辑在第八届拉丁格莱美最佳民谣专辑奖被提名，她是第一位在拉丁格莱美奖被提名的葡萄牙艺术家。Mariza的专辑得到世界各地听众的认可，其在各大洲的演出也是场场爆满。在葡萄牙里斯本的RockinRio音乐节，两万人为Mariza热情鼓掌，而在葡萄牙的阿维罗，这个人数则达到三万。她曾与洛杉矶爱乐乐团在迪士尼音乐厅演出；她在纽约的卡耐基音乐厅，在法兰克福老歌剧院，在巴塞罗那的音乐厅用心灵歌唱；她还在伦敦的皇家爱尔伯特音乐厅，在悉尼歌剧院表演。

　　Mariza始终认为，Fado是一种充满情感的音乐，但她还是为这个古老的表演形式注入了新概念，演出充满了个人色彩，并具有戏剧般的魅力。Mariza将全新的第四张葡萄牙文专辑定名为《Terra》（地球），专辑概念是要唱出在这片人们所生活的土地上，每个人所发生的简单故事。人们总能从她的歌里听出爱与乡情。

　　“Fado”溯源

　　在葡萄牙，许多人上餐厅不为了吃菜，而是为了听Fado。Fado是葡萄牙特有的民族音乐形式，堪称葡萄牙的“蓝调歌曲”。原先只是在民间流传，经过众多艺术家的努力，今天Fado已经以它丰富的艺术内涵和哀伤优美的旋律征服了全世界。Fado可以说是葡萄牙的国宝，又称为悲歌，实际上它是由歌曲和器乐两部分组成的，歌声充满悲切、哀怨之情。高音的葡萄牙吉他和中音的西班牙吉他在一起合奏，创造出独特的抒情气氛。Fado之意和英语的Fate（命运）相同。歌词充满了悲剧性的宿命观，曲调也偏向哀怨伤感。其基本表现形式与弗拉明戈类似，是人声与吉他等原音乐器伴奏的叙事风格演唱，但Fado比西班牙音乐的旋律更丰富优美，情感流露虽然相对内敛含蓄，却仍不失对生命的热情回应。在过去，还有游唱诗人的时代，出海的水手中也许也会在旅途中唱出远离家乡和爱人的苦闷；回到故土，用歌声叙述冒险的经历和刺激。随着殖民者的炮舰和运奴船，它传遍了非洲及南美，直接影响了后来的各种非洲及南美民间歌谣。19世纪Fado开始在都会区的餐馆中逐渐茁壮，但较不强调舞蹈部分。近代Fado受了流行音乐的影响，在乐器编制上加入小提琴、大提琴、手风琴和钢琴甚至弦乐四重奏的音色，情感诉求也有显著的改变。 (本文来源：东方早报 )

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以「鸽子歌」扬名全球的歌之传奇大师与创作诗人卡耶塔诺．费洛索Caetano Veloso可以说是近年来最受推崇的巴西男歌手与世界音乐的代表性人物，拜诸多国际名导如王家卫「春光乍泄」、「爱神」及阿莫多瓦「悄悄告诉她talk to her(他在片中还现场演唱了鸽子歌一曲)」及获奥斯卡主题曲提名的「挥洒烈爱」等几部声震国际的电影之赐，他充满异国情调、迷幻磁性的歌声逐渐在全球及本地传播开来。

身兼诗人、音乐家、製片家与政治运动家多样身份，他的歌唱生涯始於1960年代以bossa nova为始，受Joao Gilberto影响；后来随著披头四的脚步，Veloso开始发展新的音乐态度Tropicalismo，将巴西音乐融入摇滚、前卫音乐，型塑出一种迷幻、社会觉醒的风格。因为在歌曲中批判巴西军政府，他的音乐常被禁甚至因而坐牢，最后被迫流亡海外，1972年才回到巴西。即使如此，他依旧坚持音乐的美乐地 -祖国巴西音乐的根，吸取世界各式各样的音乐元素在创作中，几十张作品创作也以葡萄牙文为主，音乐存在於他的脑海，是他表达情感投射的方式。——诚品网络书店

以前我在博客上介绍过Caetano Veloso，60年代，巴西掀起了一场“热带主义”运动，这是由一帮先锋思想的艺术家，激进的知识分子发起的文化革新运动，他们批评时政，倡导艺术革新，这一点有点像中国80年代中期的文化。Veloso就是在这个时期出现的一个音乐家，他用音乐做武器，抨击时政，被誉为“巴西的鲍勃·迪伦”，在当时真的算一票。2005年，我有机会去巴西大使馆采访巴西文化部长吉尔伯托·吉尔，这家伙当时好像跟Veloso混得挺熟，不过他那时候是一个歌星，后来才当了文化部长，他可能是世界上唯一一个留着小辫子的文化部长，他也不怕有人揪他的辫子。Veloso最为华人熟知的歌曲是《Cucurrucucu Paloma》，因为那个装逼犯王家卫在电影里用过。当然很多艺术青年都没注意这首歌，我也没注意，因为我没看过他的电影。这首歌确实很好听，这一点王家卫还是有判断的。当然，Veloso的歌都很动听，比如《Clarice》。——王晓峰

附西班牙原文歌词和中文翻译：
Dicen que por las noches
　　Nomas se le iba en puro llorar,
　　Dicen que no comia,
　　Nomas se le iba en puro tomar,
　　Juran que el mismo cielo
　　Se estremecia al oir su llanto;
　　Como sufrio por ella,
　　Que hasta en su muerte la fue llamando
　　Ay, ay, ay, ay, ay,… cantaba,
　　Ay, ay, ay, ay, ay,… gemia,
　　Ay, ay, ay, ay, ay,… cantaba,
　　De pasión mortal… moria
　　Que una paloma triste
　　Muy de manana le va a cantar,
　　A la casita sola,
　　Con sus puertitas de par en par,
　　Juran que esa paloma
　　No es otra cosa mas que su alma,
　　Que todavia la espera
　　A que regrese la desdichada
　　Cucurrucucu… paloma,
　　Cucurrucucu… no llores,
　　Las piedras jamas, paloma
　　Ique van a saber de amores!
　　Cucurrucucu… cucurrucucu…
　　Cucurrucucu… paloma, ya no llores
鸽子歌
　　他们说每当夜晚来临 他总是哭着走了
　　他们说他什么都不吃 总是醉着离去
　　相信这个天空撼动了
　　当听到他的泣声 一同为他难过
　　直到他死前都还在叫着那个女孩子
　　哎呀呀呀呀,… 唱着歌啊 哎呀呀呀呀…..呜咽着啊
　　哎呀呀呀呀…..唱着歌啊 逝去的热情…..已死了啊
　　一只伤心的鸽 一大早起来唱歌
　　到一栋寂寞的小屋 敞开的一扇小门
　　他们相信这只鸽子 有着坚定不移的灵魂
　　仍然期待着 那个女孩回来
　　咕咕咕噜咕.…. 鸽子啊 咕咕咕噜咕…别哭啊
　　鸽子啊,石头不懂得 石头不懂得爱情
　　咕咕咕噜咕.…咕咕咕噜咕. 咕咕咕噜咕.…鸽子啊
　　你别再为她哭了

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内容提要：本文拟透过上世纪末到本世纪初全世界范围内出现的皮亚佐拉热这一现象，让我们来感悟阿斯多尔.皮亚佐拉这位阿根廷伟大的作曲家、班多纽(Bandoneon)手风琴演奏家的精神世界和留给后人一首首美妙绝伦的探戈音乐。

关键词：阿斯多尔.皮亚佐拉(Astor Piazzolla) 探戈音乐 班多钮(Bandoneon)手风琴 阿根廷 布宜诺斯艾利斯

(皮亚佐拉&马友友《自由探戈Libertango》)

前 言
记得1997年元月某一天的上午，成都初冬早晨的天气始终是那样阴沉沉的。我无意中打开电视机，成都电视有线频道正在播放美国国家地理杂志拍摄的一部近一小时的电视音乐片《手风琴人生》。在当今这个被流行、时尚、娱乐占满各个电视频道的年代里，我们几乎已很难听到手风琴音乐了。而《手风琴人生》这部电视音乐纪录片重点介绍了五位有成就的法国手风演奏家。当介绍到得尚（他是“世界杯”，克林根塔尔和卡斯特罗菲达尔多等多项国际比赛的冠军）用键纽手风琴与另两位音乐家（一位贝司，一位打击乐）共同演奏的乐曲时，我立即被这首富有激情与创造性的音乐深深吸引住了。这首乐曲是探戈音乐但又不是我们以前演奏过或听到过的那种传统意义上的探戈音乐，这种全新的探戈音乐如同清晨从雾中透出的霞光，从荒漠中涌出的甘泉，它是那样的让我激动不已，我感受到了心脏的跳动和血液的流淌，那种精神上得到的快感和满足感很久很久都不曾有过了。仅管我叫不出这首探戈音乐的曲名，但就是在那一刻我记住了一个伟大音乐家的名字–阿斯多尔·皮亚佐拉。

“我创作是为了让岁月的流逝使我心安理得。”这是阿根廷大作家博尔赫斯的一句名言。用这句话来概括生前并没有在世界范围内得到应有声誉（阿根廷除外）的皮亚佐拉一生是恰如其分的。为什么生前并不为人所知的皮亚佐拉在他去世后能够在全世界引起那么多人的关注呢？因为他创作的探戈音乐如同他的灵魂–深遂、热情、欢快和自由；因为他创作的探戈音乐如同他的胸怀–充满了人性，自觉不自觉的渗透进了这个狭隘、自私的世界之中并改变着这个世界；因为他创作的探戈音乐如同足球–就是阿根廷的缩写。总之，是皮亚佐拉使手风琴音乐和探戈音乐从法国到欧洲、南美洲甚至整个世界得到了复苏。

(《遗忘》Oblivion)

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一、 关于阿斯多尔.皮亚佐拉(Astor Piazzolla) （1921—1992）

多年前我就听说过在意大利那不勒斯踢球的新球王马拉多纳为了一位同胞–皮亚佐拉的生日专程包机从意大利飞回阿根廷为这位探戈之王祝生。但在中国大多数的音乐爱好者中，当我们问起皮亚佐拉是谁，十有八九大家会说不知道。我甚至无数次的问起国内很多专业的手风琴工作者，想和他们谈谈皮亚佐拉，但是同行们总是告诉我只略知一二或者根本就没有听过皮亚佐拉的音乐，这让我失望之极。反过来，如果当你去问任何一个阿根廷人，在南美洲的文化名人中，谁能与诺贝尔文学奖获得者博尔赫斯、大诗人聂鲁达、大作家马尔克斯相提并论，他一定会自豪的告诉你：“当然是皮亚佐拉！”

阿斯多尔·皮亚佐拉(A.Piazzolla)于1921年3月11日在阿根廷的MAR DEL PLATA出生。他是家中的独子，父亲名叫VICENTE NONINO（罗里罗） PIAZZOLLA，母亲叫ASUNTA MAIWETTI。1925年皮亚佐拉随家人来到美国并在纽约长大。和大多数移民一样，初到美国的皮亚佐拉家境非常一般，如果大家看过《教父》《美国往事》这些电影的话，就会知道当时移民的生活是何等的艰难。虽然自由女神耸立在大西洋的岸边，迎接整船整船从世界各地涌入美国的移民。但在二三十年代的美国，这些移民的孩子只能流落街头，而皮亚佐拉童年时一起玩耍的伙伴很多都进了看守所或监狱。
1929年，8岁的皮亚佐拉得到了父亲送给他的第一架手风琴。这架手风琴是父亲在当铺花十九美元买来的。当时的皮亚佐拉并没有用手风琴演奏探戈音乐。是探戈之父，男中音歌唱家加得尔唤起了皮亚佐拉对探戈音乐的热爱。

加德尔1890年出生于法国巴黎。而立之年成为“探戈歌曲大师”。他一生录有一千多首探戈歌曲并拍摄了多部电影。是加德尔让低贱的探戈歌曲提升为了艺术歌曲。这样，在阿根廷加德尔成了众人皆知的人物。加德尔于1945年在巡演中遇空难逝世，成千上万的阿根廷人参加了加德尔的葬礼。加德尔的去世代表一个探戈时代的结束。

1934年，在纽约拍摄的电影的加德尔需要一位演奏手风琴的孩子在电影中担任配角和伴奏，于是13岁的皮亚佐拉来到了大师身边，正是与加德尔共度的这段美好时光使皮亚佐拉体会到了探戈音乐的魅力。于是皮亚佐开始发奋苦练手风琴。

1936年皮亚佐拉回到阿根廷PLATA老家并加入了数个探戈乐团的演出。一次偶然的机会，皮亚佐拉在收音机里听到了瓦达洛乐团六重奏的演出，这引起了他第二次大的探索与思考。（第一次是1933年向拉赫玛尼诺夫的学生威达学习钢琴，皮亚佐拉热爱上了巴赫）瓦达洛乐团在探戈音乐的风格与形式上的表演深深打动了皮亚佐拉。1938年，皮亚佐拉鼓足勇气去首都布宜诺斯艾利斯寻求新的发展，当时他只有17岁。

初到布宜诺斯艾利斯的皮亚佐拉一开始只能加入一些二流乐团在小酒吧以演奏手风琴为生。但他同时也开始了一些传统探戈音乐的创作。1939年，皮亚佐拉实现了他人生中最大的梦想–进入了当时一流的最伟大的托伊洛探戈乐团担任手风琴演奏和编曲。PICHUCO是当时阿根廷最杰出的手风琴演奏家，皮亚佐拉将他作为自己学习的榜样。

1949年，皮亚佐拉毛遂自荐地见到了当时住在布宜诺斯艾利斯的钢琴大师鲁宾斯坦并将自己的作品片段演奏给了鲁宾斯坦听，于是，鲁宾斯坦大师打电话给阿根廷作曲家吉纳史特拉（GINASETRA）叫他教一教皮亚佐拉作曲。这样，GINASETRA成了皮亚佐拉的第一位作曲老师。GINASETRA教皮亚佐拉作曲法，管弦乐法并要求皮亚佐拉一个音符一个音符地去分析斯特拉文斯基的《春之祭》。1942年皮亚佐拉与沃尔夫结婚并于她育有二子。1944年皮亚佐拉离开托伊洛乐团并开始创作一些古典音乐。

1946年皮亚佐拉成立自己的乐团–1946乐团并带领该团初次登台演奏。同年，他创作的《EI DESBANDE》被视为皮亚佐拉第一首真正意义上的探戈作品。不久之后，他开始为电影配乐。

1949年，28岁的皮亚佐拉解散了自己的乐团，他几乎完全放弃了探戈和手风琴。他开始怀疑他所热爱过的探戈，他试图寻找新的音乐表达形式。他继续研究斯特拉文斯基和巴托克，并跟随HERMAN SCHERCHER学习指挥，他还大量的听爵士乐，他强迫自己创作出与探戈音乐完全无关的音乐风格。1950年至1954年，皮亚佐拉创作了包括《PARA CUCIRSE》，《TANGUANGO》等音乐作品。

1953年，皮亚佐拉带着他于1951年创作的交响乐小品《布宜诺斯艾利斯》报名参加了在阿根廷举行的塞维兹基青年作曲家比赛。这首加入了两架手风琴的交响作品征服了所有评委并获“年度最佳作品大奖”。同时，皮亚佐拉还获得了法国政府颁发的留学法国的奖学金。这部作品获奖后还有一个小插曲，由于一部分偏执的观众认为在管玄乐队中加入了手风琴有损古典音乐的尊严，在发奖音乐会结束后，发生了轰动性的听众暴力事件。

1954年，33岁的皮亚佐拉做出了改变他一生命运的决定–到巴黎找法国传奇教育家、钢琴大师布郎热学习。

娜达·布郎热（1887-1979）是音乐史上最杰出的教师。她对美国音乐的影响我们至今都可以看到。在上世纪20至40年代，几乎所有美国重要的作曲家都受益于她。布郎热的祖辈是法国的中产阶级，父亲是音乐学院的作曲教授、合唱指挥并获得过荣誉骑士称号。布郎热的母亲是俄国人。布郎热从小就在父母的严厉管教下学习钢琴。1904年，布郎热在巴黎音乐学院得到了最高奖励，她囊括了和声、对位、赋格、管风琴和伴奏的第一名。这样，她以后得以有机会在巴黎音乐学院任教。她的学生中有勋伯格、斯特拉文斯基、柯普兰这些大作曲家，拉威尔、普罗柯菲耶夫等作曲家和毕加索等艺术家都是她的朋友。

就是这样一位传奇人物改变了皮亚佐拉音乐生活的道路，是布郎热教会了皮亚佐拉如何创作。可以说，不是遇到布郎热，也许皮亚佐拉只是一个演奏班多纽(Bandoneon)手风琴的乐手或者是一个不入流的作曲家，是布郎热大师让皮亚佐拉明白了根置于阿根廷探戈音乐进行创作才是唯一出路这一道理，因此皮亚佐拉下决心要用阿根廷民间的探戈音乐去表现“人类难解的困惑”。

第一次见到布郎热皮亚佐拉怎么都不敢告诉老师他在阿根廷是一位演奏班多纽(Bandoneon)手风琴的乐手，因为在那个年代，欧洲人眼中的探戈几乎与妓院、赌场是同意词，当时大多数的探戈音乐只能出入这些风月场所，根本就登不了大雅之堂。布郎热听了一些皮亚佐拉创作的音乐后直摇头，说他的音乐有拉威尔、斯特拉文斯基甚至欣德米特，就是没有皮亚佐拉自己。因为这个世界并不缺少好的音乐和音乐家，缺少的是说自己话的音乐家。皮亚佐拉回忆道，是布郎热鼓励我在钢琴上演奏探戈，于是演奏了自己创作的《TRIUNFAL》。听了皮亚佐拉的探戈，布郎热睁大双眼，握着皮亚佐拉的手说：“你这个笨蛋，难道你不知道？这才是皮亚佐拉！你应该把其它音乐甩到一边去！！”所以，见到布郎热，皮亚佐拉做的最重要的事就是把过去十年的创作完全抛弃，重新创作一种全新的探戈音乐。

首先，皮亚佐拉在他的探戈音乐里加入了古典音乐的严谨和爵士音乐的即兴等要素。（布郎热教了皮亚佐拉18个月的四声部对位）也就是说他是在用探戈音乐的激情来创作结构复杂与严肃的古典音乐与探戈。其次，皮亚佐拉为了打破传统探戈音乐一成不变的旋律和不断重复的节奏，他勇于使自己的旋律更标新立异，节奏更加复杂，内容更加深刻，形式更加丰富，同时扩张了探戈音乐的表现幅度。

1958年，皮亚佐拉回到阿根廷成立了布宜诺斯艾利斯八重奏乐团。所谓当代探戈的新纪元由此开始。乐团由两部手风琴、两把小提琴、倍大提琴、大提琴、钢琴与电吉他组成。这时的皮亚佐拉以开始站立演奏手风琴：一只脚踩在凳子上，这是他独树一帜的演奏方法。（之前的手风琴演奏都是坐着拉琴）。1958年至1960年皮亚佐拉回到纽约从事“爵士探戈”的实验工作。1959年十月，皮亚佐拉的父亲NONINO去世，他因此而创作出了他最有名的《再会罗里罗》（ADIOS NONINON）。之后，皮亚佐拉又回到阿根廷成立了五重奏乐团，专门演奏新探戈（NEW TANGO）。乐团所用乐器包括：一架手风琴、一把小提琴、钢琴、倍大提琴和电吉他。五重奏是是皮亚佐拉最喜爱的演奏形式也是最能表达他音乐理念的演奏形式。1963年，克雷克基指挥了他的获奖作品《三首交响小品–布宜诺斯艾利斯》的首次公演。1966年皮亚佐拉结束了自己的第一次婚姻并与芭尔塔约会交往。1968年与诗人费瑞尔合作创作了历史上第一部探戈音乐剧，也是皮亚佐拉唯一的一部探戈歌剧——《布宜诺斯艾利斯的玛利亚》。1969年，他与费瑞尔合作的《狂人诗人》在“IBEROAMERICAN”音乐节上获奖，并由皮亚佐拉第二任妻子芭尔塔演唱录制唱片，成为他的首支畅销单曲。

当皮亚佐拉在他的音乐中不断探索，勇于进取时，当时的阿根廷军政府却认为他篡改了探戈音乐，太形式，太幻想，简直是大逆不到。但是阿根廷军政府对皮业佐拉的音乐越排挤他的音乐就越得到大众的喜欢。就这样皮亚佐拉使传统的探戈音乐从呆板的形式中解放了出来，在音乐的旋律、色彩、和声、节奏、编配上都发生了革命性的变化，使探戈音乐在思想性和艺术性上的表现达到了一个前所未有的高度。皮亚佐拉说到：“我从不为过去的人写作我只为活着的年青的未来的人写作……因为我的音乐欢乐进取，新鲜浪漫。在这个孤独和迷惘的世界里，我始终是个快乐的人”。

1970年，皮亚佐拉重回巴黎并与费瑞尔合作完成了歌剧《年轻的国家》。1971年，他成立了九人合奏团，该乐团在阿根廷和国外演出时RAI公司录制了许多现场演出实况。该乐团具有他梦寐以求的室内乐探戈的清新风格。皮亚佐拉许多最经典的作品都是为该乐团创作的。

1973年，皮亚佐拉搬到意大利开始了长达五年的录音计划。最著名的作品《自由探戈》就是这期间完成的。这部作品在欧洲被广为接受。1974年，皮亚佐拉第二次婚姻结束。1976年皮亚佐拉遇见最后一任妻子艾斯卡拉达。

1978年再次组建五重奏乐团并开始了长达十年之久的世界巡演。

1983年6月，他在布宜诺斯艾利斯哥伦布剧院举行了他一生中最重要的演出“皮亚佐拉作品专场音乐会”。音乐会曲目中包括《管弦乐队与手风琴的协奏曲》。

1984年，他创作了大提琴与钢琴的作品《伟大的探戈》，并以此作品献给俄罗斯大提琴大师罗斯托波维奇。

1985年，阿根廷政府授予他布宜诺斯艾利斯“荣誉市民称号”。

1986年，他为电影“EI EXICIO DE GARDEL”创作的音乐获法国电影恺撒大奖。1987年在纽约中央公园举办了音乐会，他在纽约这座度过了他童年的城市举办的音乐会显示出了他新的生命活力。

1990年，在新奥尔良与大提琴大师罗斯托波维奇合作演出了《伟大的探戈》。同年8月4日，伟大的皮亚佐拉因心脏病发作停止了一切音乐活动。两年后，于1992年7月4日在阿根廷首都布宜诺斯艾利斯去世 。

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二：关于阿斯多尔.皮亚佐拉的探戈音乐

探戈（TANGO）一种带有附点和切分音节奏的舞蹈音乐。据说探戈源于非洲，由黑奴带到南美洲和中北美洲的阿根廷、乌拉圭、海地、墨西哥等国。上世纪初，探戈开始在阿根廷各大城市中流行，以后又传到欧洲。探戈的标准节奏是四分之二或四分之四拍。第一个音通常为 附点八分音符，节奏与西班牙的哈巴涅拉舞曲相似（速度比哈巴涅拉舞曲快）。近代一些大作曲家亨得米特、斯特拉文斯基等都写过探戈。斯特拉文斯基在歌剧《士兵的的故事》里就有一首非常著名的探戈。

皮亚佐拉一生中究竟写过多少首探戈至今几乎已很难考证。但是单就在音乐史上的地位而言，当今的音乐史学家与音乐评论家已把用阿根廷探戈音乐创作的皮亚佐拉与用美国爵士乐创作的格什温、用匈牙利民族音乐创作的巴托克相提并论。人们称他的音乐是“探戈音乐的圣经”，是具有“心灵美学价值的音乐”。（THE AESTNETICS OF A MUSICALATATE OF MIND）。也许有人会提出这样的疑问：探戈与桑巴、爵士、恰恰、莲巴达等音乐形式一样，都属流行音乐范畴，皮亚佐拉写的“探戈”再怎么写也脱离不了“流行”这两个字。但是，大家一定要记住，在艺术音乐（ART MUSIC）中的浪漫主义运动走到尽头并逐渐枯竭的上个世纪后半叶，艺术音乐中涌出了两股不可抗拒的活水，一股是爵士，另一股就是探戈。这两种音乐虽然没有出生于欧洲的主流音乐，但是他们音乐中释放出的生命活力和艺术感染力是不言而喻的。因此，在向大家介绍皮亚佐拉的音乐之前，我们可以把皮亚佐拉定义为一个用流行的探戈音乐元素进行严肃创作的古典艺术音乐作曲家，他是推动失去动力的艺术音乐继续前进的代表人物之一。

皮亚佐拉的探戈音乐有以下几个特点：

首先，皮亚佐拉的音乐中很少去描写重大的历史题材和事件，他尽可能去写他身边的一些小人物和一些不经意的事情。《再会罗里罗》就是为纪念他父亲去世而写的，他的探戈歌剧《布宜诺斯艾利斯的玛利亚》剧中的主人公是一个妓女，他最有名的乐曲《自由探戈》《遗忘》《夏季的圣玛利亚港》《三个在港口跳舞的妓女》等，从这些曲名中我们不难看出，他的音乐中尽可能的关注现实中的人和事，这种现实有时是与幻想交错进行的。探戈出生卑微，手风琴出身也不高贵，但是，皮亚佐拉的音乐使探戈和手风琴因为他的卑微而变得崇高。“堕落即飞翔，在天空的另一面。”这是诗人，音乐评论家欧阳江河在二十年前听了我用手风琴演奏的格什温的《兰色狂想曲》后写的诗歌中的一句名句，读读这句话，也许你更能听懂和热爱皮亚佐拉的探戈音乐。

其次，皮亚佐拉的音乐是听的探戈而不是舞的探戈。皮亚佐拉自己认为：探戈音乐中耳朵接受的感动胜过了肢体舞蹈语言的抒发。因此，皮亚佐拉于1955年回到阿根廷后成立了布宜诺斯艾利斯八重奏乐团，在乐团的形式上和音乐语汇上，皮亚佐拉完全打破了传统探戈乐团的表演形式。取消了歌手和舞者，取而代之的是室内乐的表演形式。新探戈音乐的新纪元由此而诞生，他的这种探戈音乐具有划时代意义的开创性。

再有，由于皮亚佐拉受过良好的古典音乐训练，因此他也能写出按古典协奏曲要求而创作的三个乐章的《班多钮手风琴与管弦乐队的协奏曲》和作曲技法十分复杂的《赋格》。（FUGATA是由手风琴 、钢琴、大提琴、小提琴四件乐器演奏的四声部赋格）。总之，皮亚佐拉的音乐超越了国家、种族、性别，他的音乐具有独一无二的特性，其音乐元素与表现形式的独到之处你一听就知道“这就是皮亚佐拉”！

从皮亚佐拉的创作道路上看，他也有过曲折与反复。从他创作出第一首他自己真正意义上的探戈作品《EI DESBANDE》到他放弃探戈音乐的创作这期间经历了四年时间（1946年-1949年）。

1950年他开始创作织体庞大的交响乐作品，（这些作品今天已经很少有人演奏了）。正是交响乐作品《布宜诺斯艾利斯》使他在阿根廷获奖并小有名气，同时得到了法国政府颁发的奖学金得以有机会留学法国师从布郎热。奇怪的是布郎热并没有让雄心勃勃的皮亚佐拉跟她学习写交响乐，而是让皮亚佐拉放弃交响乐的写作而回到了他曾热爱的探戈和手风琴上。这期间经历了五年时间（1950-1954）。

1955年皮亚佐拉重拾手风琴，这预示着探戈音乐将进入一个崭新的时代。

1956年，皮亚佐拉为八重奏乐团写了《探戈霓虹》。这首乐曲共有六个乐章：引子，大街，相遇，歌舞，孤独，结局。皮亚佐拉先创作了音乐，然后录音，后由伊特尔曼设计芭蕾动作，最后由导演罗萨斯拍成电影。在一个电影节上，皮亚佐拉的音乐光芒四射，得到了观众的狂热欢迎。这首音乐热烈中带有忧郁，亢奋中充满孤独，其中歌舞一段是纯探戈，他表达了皮亚佐拉探戈精神的个性。在这次电影节上，皮亚佐拉音乐的光芒盖过了电影本身。

1959年，皮亚佐拉为缅怀父亲去世写下了不朽的《再会罗里罗》（ADIOS NANINO）。这首乐曲有手风琴独奏的版本，也有手风琴与其他乐器以室内乐形式演奏的版本，同时也有手风琴与管弦乐队协奏的版本。这是一首单乐章乐曲。在这首乐曲里我们很难听到失去父亲的那种悲恸与哭诉，但实实在在的整个音乐又充满了眼泪。（我第一次听这首乐曲是在98’成都美视杯国际手风琴比赛第二轮，俄罗斯参赛选手ALEXSANDER MATWEV演奏了这首乐曲，尽管那首乐曲已被改编得支离破碎，但是我还是听得几乎掉下了热泪）。

整个60年代是皮亚佐拉作品成果最丰硕的年代。在皮亚佐拉不计其数的作品中，最杰出的有《天使系列》，它围绕一个天使主题展开：《探戈天使》（TANGO DEL ANGEL）（1957）《天使之路》（INTRODUCTION AL ANGEL）（1962）《天使之死》（DEATH OF THE ANGEL）（1962）《天使的MILONGA》（THE ANGEL’S MILONGA）（1965）以及《天使复活》（RESARRECTION DEL ADGEL）（1965）。

1965年，皮亚佐拉录制了他一生中最重要的两部作品：一部是《皮亚佐拉在纽约爱乐音乐厅》，这是皮亚佐拉与他的五重奏乐团1965年5月在此音乐厅的演奏录音.另一部作品是皮亚佐拉与著名诗人，作家，诺贝尔文学奖获得者博尔赫斯合作完的极具历史价值的《探戈》（EL Tango）.这部作品是一部以探戈音乐作伴奏的诗歌朗诵。在这部作品里，诗歌与音乐的关系是平等的，你听后很难分清两者关系的主次，因为皮亚佐拉的音乐决不是为诗歌朗诵作背景和陪衬。皮亚佐拉与南美洲魔幻现实主义作家的代表人物博尔赫斯的合作可以说是天作之合，听后让人折服。（我在1983年大学毕业后不久就读过博尔赫斯的 《交叉小径的花园》短篇小说集。当时就被这位读过老子、庄子著作，拄着中国竹制拐杖，一生都崇尚中国文化并向往中国阿根廷老人的作品所深深打动。那种感动就象第一次听皮亚佐拉的音乐一样。）

1968年，皮亚佐拉与乌拉圭诗人、戏剧作家欧拉蒂沃·费雷一起完成了他唯一一部探戈歌剧，也是历史上第一部探戈歌剧《布宜诺斯艾利斯的玛利亚》。费雷与许多南美洲作家一样，从小就喜欢探戈，也学习过手风琴。1955年费雷与皮亚佐拉相识并迷恋皮亚佐拉的探戈音乐。1967年费雷与朋友录制的诗集《浪漫探戈》引起了皮亚佐拉的赞赏，认为费雷在文学上做的事也是他音乐上想做的事。于是皮亚佐拉建议两人合作，共同构思一部文学与音乐共同表演的探戈歌剧。很快，费雷就写出了《布宜诺斯艾利斯的玛利亚》一剧。该剧描写了一位在酒店和妓院度过一生的女子，她病逝后在冥府徘徊，最后由一位同情她的幽灵将获得新生的玛利亚带回人间。玛利亚是“神”饮醉时创造的女子，她不同于圣母玛利亚，她被“神”遗忘了。重生的玛利亚融合了善与恶，爱与恨，象征每一个人的命运，使这部戏剧达到了一个 形而上的高度。费雷在该剧中应用了南美洲作家特有的魔幻现实主义手法，在幻想与现实中将观众带至一个特殊的世界。费雷还建议皮亚佐拉采用各种探戈作曲技法（包括传统，现代，浪漫探戈），并加上了华尔兹，米隆伽舞等形式。另外，皮亚佐拉还延用了古典音乐的曲式，如叙事曲，赋格，奏鸣曲，咏叹调，弥撒曲，浪漫曲等等，使整部歌剧展现了多层次的丰富风格。配器上，皮亚佐拉采用了手风琴 、弦乐、钢琴、长笛、打击乐器，音响华丽透明，声部立体分明。有趣的是剧中出现了幽灵咒骂手风琴手的情节，说手风琴手引诱、糟蹋、伤害了玛利亚，使她成为了堕落的天使。手风琴手气愤地将手风琴摔成两半。这里，它不光隐喻了玛利亚的一生，还暗示着手风琴与探戈音乐的命运。《布宜诺斯艾利斯的玛利亚》是一部反叛精神十足的歌剧，它说明皮亚佐拉不光会写器乐曲，同时也能写探戈歌曲，一些并不接受皮亚佐拉新探戈的传统探戈护卫者，此时才完全承认皮亚佐拉掌握了探戈音乐的精髓。总之，这部歌剧奠定了皮亚佐拉在探戈历史上的地位。

1972年皮亚佐拉为他的九重奏乐团写了《前奏曲9》《赋格曲9》和《嬉游曲9》。

1979年皮亚佐拉为班多钮手风琴写了《手风琴与管弦乐队的协奏曲》。这部协奏曲的乐队部分皮亚佐拉没有用铜管乐器与《再会罗里罗》的整个乐队编配一样，由弦乐和钢琴 、竖琴、打击乐器组成。这样的乐队编制与交响乐和室内乐的编制有所不同，它的组合更类似皮亚佐拉探戈乐队即兴、零散的编制。在阿根廷的音乐史上，这部协奏曲应该是一部西方作曲技法与民族意识进行深层次交融的代表作。它和皮亚佐拉的其他作品一样，都具有皮亚佐拉式的独特性格，同时这部协奏曲又遵循了古典协奏曲的规则，全曲由三个乐章构成。第一乐章“快板”要求“清晰的”。乐曲一开始乐队由弦乐和打击乐队以亢奋、激昂、强劲的节奏全奏进入，音乐激烈的盲目、丰盛的颓靡。音乐的基调发人深思，耐人寻味。独奏手风琴的旋律凸现，使音乐更加孤独，幽怨，放纵。第二乐章“中板”，这个乐章从弦乐凄冷优美的独奏开始 ，像回忆、怀念。第三乐章“急板”是整个协奏曲的高潮，在打击乐器有力的拍点中，整个协奏曲在嘈杂喧闹直至人声鼎沸的集体狂欢中结束。这部协奏曲你能从中体会到手风琴簧片发出的声音带给你的那种世俗力量的震撼同样感人肺腑。

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三：关于阿斯多尔.皮亚佐拉探戈音乐的影响

著名诗人聂鲁达这样评价皮亚佐拉：“他的音乐气质就是探戈音乐所特有的气质——混合着汗水与烤烟的气味，百合花的芬芳与小便的骚味。它勾起我们游移于法律约束之外的所有欲望……皮亚佐拉的音乐是一个复杂体，包含着：羞耻 、直觉、爱恋、诗意、冲动、震撼、怀疑、仇恨、信仰、肯定、否定……”

著名作曲家亚当斯这样评价皮亚佐拉：“他的艺术与马尔克斯、略萨、博尔赫斯等生活在南美洲的文学家的艺术一起，在全世界掀起了巨浪，极大地改变了世界各国人们对南美洲文化的看法。他们艺术中的残忍、迷幻、感性、以及发自内心的诚实，给人们带来了强烈的震撼。他们生命中奔放的活力，宽广的情怀，对人性的直视，在经济与政治的重 压下表现出的幽默等，都给人们全新的感受。在这其中，皮亚佐拉的音乐如同一把双刃剑，在带来迷幻与兴奋的同时，又引起人们真切的悔恨。”

大提琴大师马友友这样评价皮亚佐拉：“突然间，他的音乐打动了我，抓住我不放，象发烧一样。还能有什么比演奏皮亚佐拉的音乐更美好的事情呢？……探戈构成了布宜诺斯艾利斯的种种意向：思念中充满了期待，自由中充满了热情与欢快。阿根廷立国的经历使探戈成为了阿根廷的灵魂。在禁止人们自我表达的年代，音乐从来都是人们表达自我的另外一种方式。皮亚佐拉的探戈音乐具有真实声音的伟大力量 ……我最大的遗憾就是没有见过皮亚佐拉。”

从上面这些文学家、音乐家、演奏大师对皮亚佐拉的评价中，我们不难看出：虽然这些评论只是对皮亚佐拉和他的探戈音乐评价极少的一部分，但是他们已经把用手风琴演奏探戈音乐的皮亚佐拉提升到了一个前所未有的高度，这个高度已远远超过了手风琴和探戈音乐本身。就象提起钢琴人们就会想起萧邦 、李斯特，提起小提琴人们就会想起帕格尼尼一样，当人们提起手风琴和探戈就一定会想起皮亚佐拉。

1999年，我如获至宝的得到了皮亚佐拉本人演奏的两张CD，我第一次听到了《天使之死》、《前奏曲9》、《神秘的赋格》等以前没有听到过的皮亚佐拉的音乐。以后我又得到了马友友演奏的皮亚佐拉专集《探戈之魂》和克莱默尔演奏的皮亚佐拉专集《向探戈大师皮亚佐拉致敬》以及迪图瓦指挥蒙特利尔交响乐团演奏的皮亚佐拉专集《TANGO》。克莱默尔，这位当今世界上最伟大的小提琴演奏家除录有 《向皮亚佐拉致敬》外，还录有《布宜诺斯艾利斯的月海》（皮亚佐拉作品集）《探戈芭蕾-天使协奏曲》（皮亚佐拉作品集）以及《八季》（维瓦尔第的四季加皮亚佐拉的四季）等多张CD。《向皮亚佐拉致敬》一共录有皮亚佐拉的十一首作品，包括 1、D 大调米隆伽舞 2、瓦达利拉 3、遗忘 4、艾斯库罗 5、1930年的咖啡（选自探戈的历史）6、五重奏协奏曲 7、孤独 8、零点的布宜诺斯艾利斯 9、嫉妒 10、太阳梦（向皮亚佐拉致敬）11、伟大的探戈（献给罗斯托波维奇）。这十一首作品承载着一个梦想：一位伟大的艺术家向拥有同样心灵的伟大艺术家的敬意——“克莱默尔向皮亚佐拉致敬”。世界著名的德意志唱片公司出版有《PIAZZOLLA FOR TWO》、《爱之探戈·再会罗里罗》（这张唱片由多明戈演唱男高音，郑明勋指挥）。通过这些世界上最大的唱片公司发行的皮亚佐拉的唱片（皮亚佐拉的很多唱片都是DG、EMI、SONY、华纳等发行古典音乐闻名的大唱片公司出版的）和大师们争相演奏皮亚佐拉探戈，我们不难看出皮亚佐拉在古典音乐界的影响和他在大师们心中的地位。

我们不得不承认，皮亚佐拉本人和他的探戈音乐是性感的，他的探戈音乐不知不觉地渗透进了现实生活的各个角落。从“足球之夜”中远对申花德比大战的背景音乐到帕萨特、诺基亚的广告音乐，从巴伦博依姆与柏林爱乐乐团的新年音乐会“南美之魂”（这场音乐会巴伦博依姆与柏林爱乐乐团演奏了钢琴与管弦乐队的《再见罗里罗》以及另一首皮亚佐拉的作品）到巴黎、米兰时装周的T型舞台，到处都能听到皮亚佐拉的探戈音乐。夏罡还告诉过我这样一件事，在圣彼得堡的音像店你如果想要买一张巴扬手风琴的CD，店里老板找了又找，最后会遗憾的告诉你没有。但是如果你说要一张皮亚佐拉的CD，他马上会给你抱出一大叠。

2001年出版的第六期“爱乐”的封面人物和前面的主题文章是皮亚佐拉。（“爱乐”是一本在国内非常有影响的古典音乐杂志，2001年第四期的封面人物是帕瓦罗蒂，第五期是歌唱大师西诺波利）皮亚佐拉能上第六期“爱乐”的封面，足以说明他在古典音乐迷和音乐评论家心中的份量有多重。可以说整个2001年的北京几乎成了皮亚佐拉年：先是以色列国家芭蕾舞团在北京公演了皮亚佐拉的《探戈霓虹》，接着格拉奇率莫斯科室内乐团在世纪剧院演出了皮亚佐拉的《四季》，美国保罗·泰勒现代舞团的压轴节目是皮亚佐拉，年末，音乐剧《激情探戈》在北京进行了两场公演。

当然，皮亚佐拉的探戈也是手风琴演奏家的保留曲目。李普斯在他五十岁生日的庆祝音乐会上，后半场全部演出的是皮亚佐拉。加里亚诺97’北京国际爵士周的压轴节目是皮亚佐拉的《自由探戈》。（据说加里亚诺大师的这场音乐会吸引了包括吴祖强在内的著名音乐家以及爵士、摇滚、流行音乐的圈内人士，反而没有引起手风琴界的重视，几乎没有一位手风琴界的圈内人士到现场听加里亚诺大师的音乐会）。祖宾斯基改编了《回忆皮亚佐拉》。李普斯、彼特、米卡、PITOCCO等手风琴大师和演奏家都录有皮亚佐拉的唱片专集。现在，世界上还有皮亚佐拉的国际音乐比赛。

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后记：2002年8月，夏罡带回了皮亚佐拉4场音乐会的实况录象，（据说得米特里耶夫保留的那盘录象带是皮亚佐拉心脏病发作之前最精彩的演出之一）。我怀着虔诚与崇敬的心情打开电视机；班多钮发出的蚀骨销魂的声音使我陶醉，音乐中光怪陆离的色彩摧毁了我的神经，我激动得不能自拔。从《再会罗里罗》到《手风琴协奏曲》，从《自由探戈》到《遗忘》，每一首曲子都充满了诱惑和梦的芬芳。舞台上的皮亚佐拉不时还要走到钢琴旁拿起啤酒瓶喝上几口，在演奏《循环探戈》时，不时还要与小提琴手说上几句俏皮话。那种舞台上的机智与幽默是皮亚佐拉式的，我是在那一天通过电视第一次看到了留着精致小胡子、大腿上放着班多钮的小老头——皮亚佐拉，他的目光咄咄逼人的同时也充满了善良和真诚。近四个小时的录象带我是一口气看完的，我看得喘不过气来，当时我脑海中只有一个想法：一定要让全国的手风琴同行都能看到皮亚佐拉音乐会的录象，让大家与我一起分享这份感动。不，除了手风琴同行，应该让更多不是拉手风琴的人去听听皮亚佐拉，他们也一定会热爱皮亚佐拉的音乐；热爱手风琴音乐。

就要开学了，走在熙熙攘攘人群中的大街上，到处都放着周杰伦、孙燕姿、S.H.E.的流行曲……整个都市在繁荣的背后也显得浮躁和不安。（现代都市的生活与皮亚佐拉的音乐有着惊人的相似之处）我时常在梦中梦见我崇敬的皮亚佐拉，我也时常告戒我的学生们：静下心来，听听那皮亚佐拉，你们一定会感到充实、幸福！因为他的音乐如同他的灵魂一样宽广无边！！

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参考书目：
《皮亚佐拉传》 原著：纳塔里奥（NATALIO GORIN）
《皮亚佐拉之革命年代记》 原著：（JORGE PESSINIS & CARLOS KURI） 翻译：黄哲钦
《传访皮亚佐拉 》 沙维卓（智利）（GONZALO SUAVEDRA）
《扑面而来的皮亚佐拉》 刘越溪
《阿斯多尔.皮亚佐拉–一个笔记》原著：约瀚·亚当斯 翻译：周辉荣
《尘世间流浪的手风琴 》 田艺苗
《布郎热–音乐史上非凡的女性》 韩斌
《外国音乐曲名词典 》 郑显全（编） 钱仁康（校）

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收听专辑

这张专辑是西班牙吉他高手Jaime Valle荣获1992年SDMA（San Diego Music Awards）大奖的畅销大碟，Jaime Valle在这些爵士乐迷耳熟能详的经典标准曲，加入多样的拉丁风味以及大量的南美洲打击乐器，再加上多位技巧高超的乐手，如Ernie Watts与Esteban Favela两位萨克斯风手，Alex Acua、Dave Garibaldi与Nelson Ortiz三位打击乐手，Allan Phillips与Carl Evans Jr.等的键盘合成乐器演出，Brian Wright、Kevin Delgado与Dwight Stone三位贝斯手等人的助阵，让这张专辑呈现出多变丰富的音乐面貌，只能用精彩万分来形容！

曲目：

1. Cry Me A River (4:48)
2. Here With You (3:56)
3. ‘Round Midnight (4:21)
4. Over The Rainbow (3:45)
5. Smoke Gets In Your Eyes (3:18)
6. Equinoz (Sax Solo-Esteban Favela) (5:18)
7. Angel Eyes (4:09)
8. Tapachula (3:59)
9. Mambo Zero (4:10)

来源：joy audio

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2000年9月13日在洛杉矶举办了第一届拉丁葛莱美奖时，就足以说明拉丁音乐已具有国际品牌的实力。想想拉丁音乐这段漫长之路，不知有多少艺人的戮力，让这原本是所谓的地域性音乐，或说是特定族群的音乐，现在堂而皇之进入全世界的眼帘，不同国籍亦能分享交融的好音乐。

任何一种可长可久的音乐，都必须要有大牌的人物支撑，流行音乐亦不例外。拉丁流行乐进军国际，也不过是近这一、二十年的事，但在此之前Carlos Santana已称得上是一位颇具知名的传奇人物。Carlos以他原有的摇滚底子，再加上他一脉相承的拉丁乐风，逐渐形成自己品牌，当迈阿密的拉丁流行风在Miami Sound Machine的激活下，拉丁音乐俨然成为时下的一种风潮时，若再加上Santana的摇滚，岂不让拉丁音乐黄袍加身，更受瞩目。

以美国市场而言，投入拉丁流行乐的艺人很多，从资深的Julio Iglesias、Gloria Estefan、Willie Chirino到近期的Jon Secada、Luis Muguel、Ricky Martin、Enrique Iglesias、Marc Anthony，以及热力四射的Jennifer Lopez、Christine Aguilera、Shakira等皆为横跨流行乐界的当红歌手，可是细观他们的音乐质感，似乎无法与Santana相提并论，因此当拉丁音乐这几年风行国际时，这不得不令我们更深层体会出任何一种音乐形式，绝不可缺少的是大师级的风范压轴，Santana逾30年来的创作，不仅增添了摇滚的内涵，也让拉丁裔的后起新秀有个音乐典范可循。

拉丁音乐的调性本来就充满热情，若加上节奏那更是煽情至极，若我们还记得Bryan Adams所演唱的一首排行冠军单曲Have You Ever Really Love A Woman?就是采用了拉丁的音乐曲风，使这首歌听来性感动人，再往前看流行百变女王玛当娜（Madonna）的二张经典专辑《True Blue》、《Like A Prayer》中分别有两首歌La Isla Bonita、Spanish Eyes以非常精致的拉丁曲调编曲，使得整张专辑鲜活不少，Madonna本身又很能掌握Caribbean的风情特色，自然流露出少女浪漫的梦幻，若再往前追溯到70年代中晚期，更想象不到的是纽约出身的Barry Manilow，这位唱遍了都会流行及百老汇的艺人，在他演艺生涯如日中天，竟然也唱了一首拉丁味颇重的Copacabana (At The Copa)，这首歌似乎已成为Barry Manilow所有的畅销曲中最尽兴欢唱，令人印象深刻的一首欢愉之作，从前面几个代表例子，显示出70年代以后，拉丁市场迟早会发展成属于他们自己的体系，且愈发活跃在美国这块肥沃的音乐版图上。

一以贯之、引领拉丁风潮

就美国这个大熔炉，多元音乐势必无法避免，摇滚乐形成于60年代，又为白人所把持的强势音乐，即使大批古巴、墨西哥的移民进入美国，也需时间的酝酿、落地生根之后才会发展出他们自有的拉丁文化。Santana崛起于1966年时，就是依附在白人的摇滚，Carlos擅长于电吉他的演奏，而他本身深知无法胜任主唱，而Blues的即兴演奏刚好可以让他发挥，因此1966年底组成了一个六人乐团叫The Santana Blues Band。

从Blues Rock再融入拉丁节奏，一路走下来30余寒暑，Santana以他拉丁乐的根，渐次融合并发展出多种音乐的风貌，早期的R&B、Latin、Jazz完美地呈现在前三张原创性极高的专辑《Santana》(1969)、《Abraxas》(1970)、《Santana III》(1971)，后来又可听到Rumba热闹的舞曲，并加入欢乐的人声，这可从他们70年代中晚期的作品得知，代表作有《Festival》(1976)。另外又受到New Age、World Music的吹拂下，Santana也尝试类似的风格在80年代前后期的作品中。

综观80、90年代的Santana处于多元色彩的时期，与早期的创作相比，似乎纯度不足，若Santana固守城池，又岂能确保既有的音乐市场？又如何面对新一代的听众？其实音乐也是一种语言，如何运用语言并言之有物，那才重要呢！

尤其对一个非常资深的艺人来说，面对新旧交替的压力，“接轨”是件不可忽视的作法，成功的接轨不仅意味著作者有自省、再突破的能力，成功的接轨也象征着掳获不同世代的心。Carlos Santana的接轨就是一个非常成功的例子，千禧年之前他推出了《Supernatural》(超自然力量)
，赢得音乐界极高的推崇与赞誉，一口气抱得九座葛莱美奖，打破了Michael Jackson于1984年所拿下的八座纪录。《Supernatural》因为结合各领域要角，如：Lauryn Hill、Rob Thomas、Eric Clapton、Dave Matthew及Everlast，所呈现的音乐风格横跨了老、中、青三代，不仅是风云际会、音乐交流，也表现出薪传的意义。

延续上一张专辑的精神，2002年Santana又推出精采大作《Shaman》，Santana延揽了年轻才女Dido及Michelle Branch，或许是与大师同在，这些客串演出的男女歌手表现的令人激赏，尤其小女子Michelle Branch初生之犊不畏虎的尽情演出，在Santana指间穿梭的微妙灵俏、搭配的天衣无缝，令人刮目相看，颇有大将之风。

大师风采，众望士林

骋驰乐坛30多年的Santana，创作源源不断外，与乐迷始终保持良好的互动，Santana非常清楚自个儿的魅力，Carlos以Jam Session起家，摇滚史上几个重要的音乐季Festival，都少不了Santana的现场莅临，最受瞩目的是1969年超过50万人次的Woodstock，以及后来在达拉斯举办该年第三大的Texas International Pop Festival，1973年Rolling Stone定期访美巡回表演，亦邀请Santana助兴，1978年在第二届California Jam贵为上宾，1982年的音乐盛事US Festival ，盛邀几个重量级的乐团参与，Santana想当然尔的在应邀之列，1985年7月为援非而在英美同步举办超大型的Live Aid， 1991年远赴巴西参加年度盛会Rock Rio II，以及91年为追悼BillGraham所举办的35万人音乐会，都少不了Santana的身影，Santana在国际乐坛所受到的瞩目，让不同国度的乐迷都引颈期盼，恭迎其盛。

大师级在舞台上举手投足从容潇洒、斯文淡定，指间行云流水，流畅自若，其音色之富丽、多变、以及层次，在不同节奏快慢之间，让我们经历到凄美与喜泣，偶尔Santana快速拨弦又急切停顿时，借着电音的回授，令人有荡气回肠之慨，音弦与心弦可谓一脉相连。好的吉他手弹出的音色宛如人的美声，而伟大的吉他手所弹出的音色，扣人心弦、教人心醉。

像Carlos Santana这样带领乐团，本身又不是主唱而能声名大噪的人物，在摇滚乐坛倒是不常见，我们熟悉的有Alan Parsons、Mike Oldfield、Steve Miller、Robert Fripp(King Crimson)、Jerry Garcia(Grateful Dead)、Richie Blackmore(Rainbow)、Steve Vai、Yngwie J. Malmasteen、Jeff Beck等都是，若再继续探究这些风云人物中超过35年，又享誉国际的，可能非Carlos Santana一人莫属了。

试想Carlos Santana这样的角色在一个乐团里，确有其为难之处，巧妇难为无米之炊，主唱在乐团中的角色非同小可，何况Carlos并不是词曲全包，主唱的控制与拿捏就格外谨慎。若我们反过来看，是罩门的地方也许会变成致胜的窍门，退一步海阔天空，Carlos从过去专聘主唱，到现在与知名艺人携手合作的模式，在歌坛上算是少有，何况他在《Supernatural》与《Shaman》运用的如此成功，着实令人佩服，特别是他邀请素有Slow Hand的吉他之神Eric Clapton两手联弹The Calling，其胸襟与美意确实贵为摇滚乐坛佳话一桩。

如前所述，Carlos Santana的音乐生命是那么的富饶，横跨五个年代依然风流倜傥，相随多年且一手培植的哥伦比亚新力唱片公司顺势推出此《The Essential》专辑，按时间排序共推荐了33首经典名曲，这33首作品谱出了Carlos Santana的音乐生命，细听每一首歌可了解Santana对音乐的执着，更清楚Santana的音乐不是单纯的技术层面而已，他是一位道地的艺术家，无论就其音乐的广度、深度，甚或近期的作品，已超脱了既有的拉丁框框，迈出更广的视野，与男高音Domingo的合作，就让人为之一亮、欣喜不已

San Francisco Sound的先锋

Carlos Santana一开始就很顺遂，是因为碰上了贵人Bill Graham，Bill是摇滚乐界非常著名的幕后推手及经纪人，摇滚史上几个重大活动他都参与策划，60年代的San Francisco Sound就是由他带头激活，并在美国东、西两岸开设Fillmore剧场，提供场地、带动风潮，特别值得一提的是，Bill是第一位引荐有色人种出来唱摇滚的人，像Miles Davis、Muddy Waters、印度国宝级的西塔琴大师Ravi Shanker。当Bill Graham听到Santana的拉丁摇滚，信心十足，主动找上他们到Fillmore West演出，果然不同凡响。Santana于1969年推出唱片之前，也因为Bill Graham的赏识而活跃于旧金山，参加许多大大小小的户外音乐会，在Woodstock 表演的一曲Soul Sacrifice(后来收录在SONY重新发行的《Santana》里)，演奏长达11分39秒，在场观众听得如痴如狂，这种不费吹灰之力的宣传，让他们的首张专辑《Santana》销售成绩表现的相当优异，光在美国就卖了200万张，主打歌是Evil Ways，曲名有一点耸动，内容叙述的是变调的爱情。

隔年Santana推出第二张颇受好评的专辑《Abraxas》，由于受到前张专辑成名之累，Santana付出更大的心力，果然拿下专辑榜的冠军宝座，并卖出高达400万张的优异成绩。专辑畅销单曲Black Magic woman是出自Fleetwood Mac的元老Peter Green的笔下，Santana的诠释的确有别于原作，此曲已成为Santana的招牌经典。另外以西文演唱的作品Oye Como Va，歌词虽然简短，曲势却十分昂扬，尤其打击乐器Conga表现的铿锵有力，是另一项特色。快节奏之后的慢板作品Samba Pa Ti是Carlos的得意之作，有一点抒情，又带一点幽怨，跟着吉他solo走，不一会转为嘹喨，情绪变的明朗舒畅，颇有柳暗花明般的惊喜。

嬉皮文化、恒久至今

生于墨西哥的Carlos Santana，1962年来到加州，完成高中学业后就一脑子栽进摇滚乐里，长时间沉浸于加州嬉皮文化，耳濡目染之下可发现Santana大部份专辑封面，都有浓浓的嬉皮色彩，手绘插画、颜色鲜明、字体很有创意，第一张及第二张专辑封面就很嬉皮，可是到了第三张专辑《Santana III》改采虚幻诡奇设计，似乎显露Santana隐含着幻觉Psychedelic的意含，听Santana的音乐的确充满亢奋、又有摇头晃脑的冲动。

Santana的主唱Gregg Rolie认为，到了第三张专辑已经走到World Beat与Latin Rock的一种结合，而且还很难去为这样的音乐型态下一个定义，但是Santana的音乐已到无人取代，可见Santana乐风之特立独行，绝对是摇滚乐坛里的少数。No One To Depend On、Everybody’s Everything应是专辑中的佼佼之作，Carlos的吉他几乎可以和任何乐器合作无间，甚至包括合声。让我们难以想象的是，Santana的团员编制有七人，若再加上外聘的乐手人数竟高达12人！Carlos Santana越搞越大，之后他又另请一位享誉乐界的吉他高手Neal Schon参与，两人各展其技，颇有较劲意味，可惜一山难容二虎，Neal Schon后来求去，并与原主唱Gregg Rolie共组知名乐团Journey。

Santana的前三张专辑公认为该团的重要经典，其最大原因是因为人和，那是Carlos从66年带出来的人，长时间一起打拼，默契早已养成。1972年Santana重新改组，推出《Caravanserai》专辑，风格又偏向于爵士，新的键盘手Tom Coster取代了Gregg Rolie，成为Carlos得意助手，原鼓手Mike Shrieve此次与Carlos挑起大梁共同录制La Fuente Del Ritmo，由于曲风带有爵士，因此在编曲上钢琴的份量增加不少。

Carlos除了忙于推出Santana的专辑外，自己也不忘发行个人的专辑，他之所以会想要有自己的专辑，纯是为了个人的兴趣，而且与同好一起玩玩，第一张是与Buddy Miles合作《Live Carlos Santana & Buddy Miles》，而1973年《Love Devotion Surrender》则是全新的创作，这是与John McLaughlin两人联手吉他，一起玩JAZZ-FUSSION，实验意味浓厚。同年底，Santana第五张专辑《Welcome》上市，专辑中所挑出的对口唱Love Devotion & Surrender，与之前Carlos Santana个人专辑标题是一样的，或许歌词是Carlos写的，主观上较偏爱这个标题吧！1974年Carlos第三张个人专辑《Illuminations》则是与竖琴手Alice Coltrane共同演奏其亡夫John的遗作。

起伏不定、终至高峰

1975年Carlos Santana在英国，Eric Clapton带他去Disco舞厅，当场听到他第一支发行的单曲Jingo，歌曲已改编成舞曲形式，舞池里跳的十分high，Carlos不禁在想，为何前面几张专辑花了这么多心思，也有实验性的创作，可是唱片卖的就是不好，对他而言岂不困惑？

为解决心中的疑难，Carlos决定放弃制作唱片，另聘David Rubinson担任，上任后先从旋律与主唱着手，1976年顺利推出《Amigo》销售成绩确有起色，结果促成Santana 70年代中晚期的作品，较偏重于市场的考量，我们从 Let The Children Play、Dance Sister Dance、Stormy、Well All Right(Buddy Holly的作品)的曲风清楚得知。其实Carlos处理调性慢的纯演奏曲还不错，就像Europa这种类似所谓Slow Hand的方式，即使以相同的手法再次表现在《Shaman》中的Victory Is Won，依然动听如昔。

80年代初，World Music与New Age业已风行全球时，Carlos Santana亦不落人后的与时并进，在《Marathon》中浅尝一下New Age，完成了Aqua Marine，在《Zebop!》中又拾回以往的拉丁雄风，American Gypsy、Primera Invasion似乎回到70年代剽悍的气势，另外改编了Cat Stevens的Changes亦风味独特，倒是唱自Russ Ballard的创作Winning市场反应不错，10年来仅见的TOP 20。

Santana重拾对市场的信心，82年《Shango》的口味又添加了Afro-Cuban，Hold On及Nowhere To Run再度挤进排行榜。久未合作的昔日征战伙伴Gregg Rolie难得回老东家共谱了三首歌曲，气份颇佳，Gregg当时虽然已经离开一手创立的Journey，但是他并没有重回Santana的打算。

1983年的Carlos的第6张个人专辑《Havana Moon》更集结了Booker T & The MG’s、Willie Nelson、Fabulous Thunderbirds等多位艺人助阵，比起自己的乐团搞的还要大，Carlos对音乐的玩趣未曾衰减。

1987年Santana的专辑名为《Freedom》，那是因为Carlos又再找回过去多位旗下乐友，共同完成了这张大碟，情谊大于音乐本质，市场销售仍然不见起色。

积蓄了一段长时间的能量之后，Santana于1999年再度出击推出《Supernatural》，与其合作的不是他人，正是与Carlos签下第一纸合约的Clive Davis，后来Clive成为哥伦比亚唱片的老板，当Clive转移阵地自组J. Records之后，仍不忘老友Carlos，两人首次共同制作唱片，没想到鱼帮水、水帮鱼，三十年后Santana的事业再创前所未有的高峰，Carlos Santana这么多年来，即使是低潮，也从未离开音乐，唱了30几年，乐音不断、节奏倒是越来乐猛，视野也愈加宽阔，不论拉丁乐，或纯摇滚，表现的依然亮丽，《Shaman》的精湛演出，有目共睹。当然Carlos有此成就并非凭空得来，没有过去的用心，就不会有目前的成就，Sony Columbia如今推出Santana的音乐史辑，与歌迷共享Santana的音乐生命，我们共同期待Carlos Santana的音乐乐章可长、可久、可远。

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文/国鹏 音乐主持人和策划

提到FLAMENCO艺术，就必须要先说他的背景所在地——西班牙。这是整个欧洲非常边缘化的一个国家，他的文化艺术之所以独特首先因为他的多元性：从地形上看，它位于欧洲最西南端的伊比利亚半岛，成为欧洲和美洲交流的桥梁。东北部的比利牛斯山脉又把她和欧洲大陆阻隔开来，但是南部直布罗陀海峡最窄处离北非只有13公里。

历史上，由于战略位置的特殊，西班牙离美洲和非洲都要比英国近，公元前19年，罗马帝国皇帝屋大维完全征服西班牙，公元415年蛮族在西班牙建立了西哥特王国，欧洲早期的历史我们不多说，因为希腊罗马是欧洲文化的共同先祖，但是从公元8世纪一直到1492年格拉纳达最后的撤退，阿拉伯人却是扎扎实实的统治了西班牙南部长达八百年之久，而这是欧洲其他国家都没有的情况，就是这八百年才造就了西班牙在整个欧洲的独特性。历次战乱导致的多元的民族血统已经在这片50万平方公里的土地上衍生出了多元的的文化艺术地带，西北部的巴斯克产生了恐怖组织埃塔ETA，中部高地的荒凉造就了塞万提斯这位理想主义骑士和伟大的现实主义画家戈雅，东北部海派的浪漫幻想在20世纪为世界现代主义美术贡献了毕加索和达利，而西班牙南部也就是当年阿拉伯实力最强大的地方贡献给整个世界的就是FLAMENCO弗拉门戈艺术！

FLAMENCO和西班牙一样，是一个艺术上的混血。西班牙音乐家法雅(Manuel de Falla)归纳出佛拉门戈的三大起源，即：阿拉伯人的入侵、拜占庭的教堂音乐、及吉普赛人的迁入。其实在FLAMENCO的音乐还受到了古代印度音乐，波西米亚音乐和犹太音乐的影响，以上这些音乐的碎片一批历经流浪，后来定居在西班牙南部的吉普赛人被携带，又和当地安达卢西亚ANDALUCIA的音乐交织在一起，历经多年的发展，终于形成了今天的FLAMENCO。

不过，在所有的影响当中，最重要的因素，我赞成张承志的说法：那就是阿拉伯，如果FLAMENCO受到其他的东方影响，那也是经过阿拉伯传播吸收过来的东方音乐，因为欧洲很多国家都有吉普赛人，唯独在西班牙的才产生了这种全欧洲独一份的艺术形式“说吉普赛、印度，都是一种中性暧昧的说法。它可以在弗拉门戈的东方特质上虚晃一枪，然后再甩开纠缠不已的阿拉伯文化。吉普赛至少还算基督徒，印度至少不是穆斯林——如是煞费苦心的观点，遮掩不住西班牙的官方学术，面对八百年安达卢西亚穆斯林文明时的，那种深刻的自卑。” 张承志曾经写过一篇关于FLAMENCO很深刻的文章-《把心撕碎了唱》，大家可以参看他的书籍《鲜花的废墟》。

其实真正算起来，FLAMENCO距今只有200多年的历史，不过一开始，那种社会底层的流浪气质就在整个音乐的调性上起了决定性作用，在18-19世纪，西班牙南部吉普赛人聚居地区，每逢节日庆典，大家便聚在一起，载歌载舞。19世纪中叶，咖啡馆的出现，转移了FLAMENCO的表演场所，歌手开始获得商业利益，随后的剧场巡演曾一度使这种艺术失去了他的根基，1956年在露天举办的第一届全国弗拉门戈艺术大赛的成功举办使得她在“最大程度上接近了大众，同时又不失其精髓。”，20世纪后期，弗拉门戈从最底层的民间歌舞逐步成为社会的主流艺术，与斗牛并称为西班牙两大国粹。

FLAMENCO是一种集吉他演奏，舞蹈和歌唱三位一体的综合表演艺术。我们分开仔细来谈。

吉他来源于公元前两三千年前的埃及巴比伦和波斯地区的一种古老的弹拨乐器，1536年,在西班牙出版了历史上最早的吉他曲集，从此这种乐器在近几个世纪的发展中和这个国家密不可分！世界最顶尖的大师一直到今天大多都来自于西班牙。不同于后来进入欧洲古典音乐体系的古典吉他那种典雅格式化的正统刻板，也缺少葡萄牙FADO 吉他那种明亮欢愉抑或哀而不伤的荡漾感觉。（关于这一点，大家可以参见我以前写的关于葡萄牙FADO音乐的介绍评论文章） FLAMENCO艺术当中的吉他和世界其他地区的吉他演奏都不太一样，充满了粗狂豪放和社会底层血统。他首先有一种冷峻的色调，即使火热快速的演奏也难以掩饰他来自内心深处的冷酷与漠视；其次是它的粗旷，不仅体现在演奏的音色上，也体现在他对吉他乐器的一种粗暴对待上面，不仅弹拨速度如疾风骤雨一般，乐手还经常会敲击面板的各个部位用以发泄情绪，经过这么一折腾，FLAMENCO吉他的寿命就应该不会很长，鲜有如斯特拉底瓦里小提琴一般的传世古琴！第三具有男性气概，这是因为它的演奏者绝大部分都是男性，这可不像民谣吉他一样，男女都可以怀抱吟唱，他有一种挑衅比拼似的味道，充满了令人亢奋男性荷尔蒙，音色也偏尖锐，主要倾向于现场的炫技，即使出现比较平静流畅的抒情段落也基本上是为下一次高潮做起承转合似的铺垫。

Flamenco 的舞蹈最突出的颜色就是红与黑这两个充满了对比的颜色，在整个舞蹈中最大的看点是具有双刃剑效果的踢踏脚步，踢踏让舞蹈充满了冲突和紧张，但同时也因为人体平衡性的局限，脚步急速运动时人体的上身便无法使用各种丰富的肢体。在以不主要体现脚步踢踏的舞蹈的片断，你会发现舞者们大多采用色彩华丽的拖地褶皱蓬裙，而且手持扇子，盖覆披肩，优雅高贵的遵循欧洲宫廷舞的感觉，当然这时候的音乐也会随之圆润起来。除此之外大部分的时候，这个舞蹈的正是因为牺牲了上半身的发展才造就了他脚步的效果，舞者的上半身一般的做法基本只有手腕的转动，拍巴掌捻手指，双手竖起，撂裙子，原地转身和一些并不协调甚至看起来有些笨拙的动作。

这种舞蹈并不像现代发展起来的爱尔兰踢踏舞那样在动作上整齐划一，以此达到某种军队般的雄壮气势，或者具有家族娱乐团体的其乐融融；也不像美国踢踏舞一样的随意俏皮气氛活跃，讲求黑人节奏上的多样复杂性，它主要体现的是一种野性的发泄，并不要求在技术上作过多复杂的处理。演员跳舞的时候基本都会昂首挺胸。即使贫苦，也要抬着高贵的头颅。提到FLAMENCO舞蹈在腿部的踢踏，为大家推荐网上一篇文章，写得比较全面，专门比较世界上三种主要的踢踏舞TAP DANCING,-美国踢踏舞，爱尔兰踢踏舞，和FLAMENCO。

歌唱CANTE是弗拉门戈的灵魂所在,FLAMENCO音乐的总体色调是属于悲凉的，歌词的主要主题是痛苦 爱情 仇恨 死亡，歌曲的演唱方法在韵味上受到东方因素的影响，如果你比较一下阿拉伯的人声演唱方法就可以马上发现他的根源，你甚至会发现很多新疆艺术的表现形式和FLAMENCO有着一脉相通的感觉，在北京的新疆风格餐厅比如阿凡提，阿拉木汗，红玫瑰餐厅等 会有很多乐队表演，他们为自己的宣传语就是西班牙FLAMENCO和新疆音乐的结合，而其实在我看来，这就像是说，某某某的演唱方式融合了京剧和昆曲的演唱方法如出一辙，这本是同根生的音乐艺术形式，新疆艺术家拿起来当然是非常顺手的事情，但是就演唱而言，FLAMENCO不以阿拉伯那种绕梁三日的尾音为主，声音刺激幅度相似于中国秦腔的那种痛苦慷慨，（顺便说一句，中国秦腔那种洒狗血唱法从很多程度上完全可以媲美美国当代音乐中的后摇滚POST-ROCK,和情绪朋克EMO-PUNK），最典型的男声女声都是用这种强烈的方式来表达他们对于生活和爱情的看法，而且演唱者大多为经历沧桑，年龄较大的长者，这种歌声经过他们饱经风霜的脸孔唱来更有冲击力。

FLAMENCO综合了吉他舞蹈和歌唱三种艺术形式于一身，相互之间的互动关系非常紧密，这种吉他 吟唱 响指 拍手踢踏之间的结合，是和FLAMENCO的民间根源是分不开的！如果你有机会到西班牙南部的塞维利亚Sevilla的小酒馆，你就可以充分的感受到这种音乐的生存环境，西班牙人的性格直接，喜形于色，有时候甚至近乎野蛮，酒过三巡以后，便会有人边唱边跳，站上桌子上与吉他手互动，著名的歌曲卡门CARMEN里面的情景就是真实的写照！我们在看演出时经常听到的VALE!在西班牙语里是好的意思! 舞台上经会出现不同演员之间的叫好和鼓励，而且这些完全是发自内心的即兴行为，吉他手经常敲击面板为歌者助兴，唱爽的时候，舞者也会在地板上根据节奏踏两拍，坐着的演员会打响指，拍巴掌形成新的节奏与吉他手呼应！所以大部分时候，你会感觉舞台上的演员们就像自带拉拉队一样，这和一般艺术形态中舞台上下演员和观众的互动关系完全不同，他们在舞台上就已经把互动环节很自然的做好了，永不冷场！这种人类原始的激情是可以超过语言和文化的界限的，即使在性格最为保守的中国，每一次看演出的时候，台下的观众都会很自然而然的被调动起来跟着节奏鼓掌。

写到这里，我不禁感叹，我们原本是一个能歌善舞的民族，孔子非常欣赏的就是“风乎舞雩，咏而归”的生活态度，刘邦动辄“大风起兮”，慷慨而歌，唐诗宋词无一不可入曲演唱，而到了近现代，受到宋明理学和各种专制主义的压榨，我们却变成了世界上最不喜欢也最不善于唱歌跳舞的民族了，大部分中国人的音乐舞蹈艺术素养相当低下！这不得不说是一大遗憾。连朱光潜先生都说“（中国）最显著的是乐歌的灭亡，乐歌是生气的最真切的表现，世界上没有一个民族不喜欢唱歌奏乐的”，卡拉OK，手机彩铃和夜店的畸形发展也难以掩饰中国当代原创音乐的颓势，而且在很多时候我们正在和传统越走越远！

来源;http://blog.sina.com.cn/s/blog_452eda880100by6s.html

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伊比利亚半岛的两个兄弟曾经共同开创了西方殖民大航海时代，他们以区区西南欧一角竟然垄断了大半个世界的海外贸易，现如今，经过历史的冲刷和洗牌，他们曾经的辉煌早已演变成了一种末日黄花，沦为欧洲的二流国家。政治历史的车轮一去不复返，但是整个伊比利亚在文化方面却成了整个欧洲最有异国风情的变种之一，FADO和FLAMENCO就是伊比利亚半岛上的两朵音乐奇葩。从整体来讲，FADO在情绪表达上面相比于后者是一种乐而不淫，哀而不伤的感觉，无论是主要伴奏乐器吉他还是从人声来讲，对于感情波荡的幅度控制得很好。在FLAMENCO音乐里面你可以听到吉他奔放明亮，欢快节拍，无比炫技的明显表情，要是再加上响板的催促，你甚至可以说西班牙人“乐”的表达方式竟是非常具有侵略性的野蛮方式！激越无比！但是他们在表达深刻痛苦的时候，又居然是完全极端的反面，无论男声还是女声，我们都可以看得到他们在黑色或暗红的衣着下那种撕心裂肺的痛苦，这种感觉你可以在中国的秦腔音乐里面找到这种近乎原始不计后果的“哀”情流露！

FADO音乐对比起来就大相径庭。首先来说吉他这个主要伴奏乐器。FADO音乐在伴奏乐器的使用上面有层次的区分，第一主音吉他叫做GUITARRA PORTUGUESA ——葡萄牙吉他，外表看起来像长颈的鲁特琴（LONG-NECK-LUTE），琴身为梨形，六组钢弦，一共十二根，联合传统的六弦吉他或者重音吉他为FADO伴奏，这种只用在FADO当中的乐器听起来要比普通吉他铿锵有力，而且很有一种水波荡漾的味道，不知是否和里斯本的水手们在甲板弹琴吟唱有着某种象征意义，这种不规则的荡漾和坚强的感觉使得FADO的吉他直接区别于FLAMENCO那种直来直去的节奏，这就像FLAMENCO吉他正是因为其奔放与尖锐的音色区别于古典吉他圆润低沉一样！第二，从人声角度，FLAMENCO的人声演唱基本都很痛苦，而且以撕裂的叫嚷低沉的沙哑为美，无论男女，都很直接。而FADO音乐的感情表达力度和对比伸缩性没有这么明显，这就好比FLAMENCO 的声音是在50-100这个范围内浮动表达情感，而FADO只在30-70这个范围内浮动，请注意这个数值的起始点，FADO细腻有余，但粗旷不足！

在我拥有的40多场唱片之中，我发现FADO的几位代表大师声音无论男女都大部分都有一种圆润的感觉，当然这不是说他们的声音不能沙哑，这个沙哑是一种漫漫的倾诉，绝对不同于FLAMENCO那种被痛苦压迫得无法喘气的反抗式的爆发，这个圆润的极致应该送给声音如天空一般干净和纯洁里斯本的圣母合唱团MADREDEUS,(她同时也是我初识FADO的启蒙)。FADO也经常表达小欢快和小愉悦的感情，但是不像FLAMENCO那样的毫无保留的激烈和吵闹，这可能也和语言有着直接的关系，在下大学主修西班牙语四年，养成了很是奔放与夸张的性格，高兴的时候说话从来高声大语，可是葡语听多了，慢慢也品出了几分细腻的味道，说起来，葡语是那种比较介于西班牙语和法语之间的一种感觉，为什么BOSSA NOVA 只能用葡语来演唱，连那么优雅和装蒜的法语都表达不出那种慵散味道，与这样的一种语言配合的音乐又怎能如此直接和张扬呢！说到这里正好有一比，在整个拉美的节奏里面，从讲葡萄牙语的巴西孕育出来的BOSSA NOVA与从讲西班牙语的加勒比海里培育出来的SALSA和MERENGUE等热带节奏的区别 正像FADO和FLAMENCO一样！

说到这里，不得不提的是，国人对于FADO 了解FADO的渠道实在是很少，除了网络下载与走私盘以外，很少能够直接欣赏到这样一种音乐艺术形式！ 所以能否找得到只能看各位运气了！今天简单提几个先是一些入门级别的，会让你对葡萄牙音乐产生好感！

MADRDEUS(圣母合唱团) ——即使不管她唱的是否FADO，这种声音即使听不懂也绝对值得拥有！
收听专辑
电影伊莎贝拉的原声大碟- 香港著名音乐人金培达凭梁洛施、杜汶泽主演、彭浩翔执导的新片《伊莎贝拉》获柏林影展最佳电影音乐银熊奖。

António Chainho.A Guitarra e Outras Mulheres
《当吉他遇到女伶们:葡萄牙吉他大师法朵音乐辑》——很有味道的葡萄牙吉他与FADO女声演唱。专辑电驴都可以下载，而且其它网站也多有介绍。

如果这三张专辑没有一个可以打动你，那么就当您与FADO无缘吧！

之后是一些现代艺术家 MARIZA,DULCE PONTES,MISIA,CRISTINA BRANCO等为代表的融合传统与现代元素。听到最后就是一些纯粹的老艺术家了，当中的代表人物是AMALIA RODRIGUES，Fernando Machado Soares当然还有很多老艺术家的合集，比如说法国世界音乐厂牌PLAYA SOUND 出品的六张全集

《UN PARFUM DE FADO-PORTUGAL ,A SPIRIT OF FADO》其中依次收录了CARLOS DO CARMO,ALEXSANDRA, LUCILIA DO CARMO等老艺术家以及纯FADO吉他大师 ARMENIO DE MELO ,JOSE MARIA NOBREGA的纯器乐合奏作品！

另外还有 Portugal- The Story of Fado 这个来自于HEMISPHERE世界音乐厂牌下的大师合集，有20多位老艺人的录音！

来源：http://blog.sina.com.cn/s/print_452eda8801000ehs.html

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Fado在葡萄牙的独特性相等于佛兰明高之于西班牙，二者都以灵魂传递情感，重歌者的亲身感受和经历。 Fado的特色是大部份歌词和调子哀怨(虽也有欢愉之调)，内容多与海或生命苦困相连。在Fado的演唱术语里有Saudade一词，它意指渴望，和佛兰明高的Duende一样，它也指歌者最深处的灵魂。缺少了Saudade，Fado便沦为自怨自艾；有了Saudade，Fado便成为永恒叹息。在精神上，它和美国的蓝调音乐、希腊的Rebetika接近，都在描绘都市贫民的心声；在器乐表现上，它和Rebetika一样大量使用弦乐器；在歌词内容上，则缺少Rebetika的叛逆，更多是哀伤地接受宿命。

最古老的城市民歌？

曾有争议指Fado是世上最古老的城市民歌。它的起源有几种说法：有说它源自摩尔人(Moorish)的音乐，摩尔人自基督徒占领葡萄牙后，便定居于里斯本，他们的音乐伤感哀愁，与Fado有相似之处；有说是由中世纪的吟唱歌者流传而来。较可信的说法是源自Lundum音乐。十九世纪初期，葡萄牙前殖民地巴西的许多混血人种与非洲人大批移入里斯本的Alfama区，带进了Lundum音乐，此种双人舞蹈音乐的节奏便成为今日Fado音乐的雏形。除了Lundum的节奏外，Fado音乐的旋律则来自传统抒情曲(Modhina)，歌词则严格遵守Quatrain押韵对句的格律，它是葡萄牙民间文学的传统。莫论起源，命运、死亡、思乡、爱情一直是Fado的核心主题。

Fado可分为Lisbon(里斯本） Fado和Coimbra Fado两种。 Lisbon Fado在十九世初已盛行于里斯本的酒馆、妓院甚至街角，是工人阶级的娱乐。主要乐器是葡萄牙结他(12弦)和传统结他，时至今天，不少演出亦会视情─加上小提琴、钢琴甚至以乐团伴奏。 Coimbra Fado源于科英布拉大学，流行于学生圈子，题材主要环绕友谊、爱情和对城市的热爱。主要乐器─葡萄牙结他或传统结他，但Coimbra Fado的葡萄牙结他外型跟Lisbon Fado的略有分别，后者的结他音色较前者光亮。

黑衣歌者歌咏蓝调

演唱Fado的歌者，葡萄牙文称之为Fadista，男的一律穿黑衣，女的还要盖上黑披肩，演奏者位于歌者身后，歌者通过手势、表情与伴奏者沟通。 Coimbra地区的乐手除了身穿黑衣，身上还披 着斗篷。据说，这种穿法是纪念唱出Fado雏形的第一代歌者Maria Severa，她演唱时总是穿着黑衣与黑披肩，死时年仅二十六岁。另一位重要歌者是Amalia Rodrigues，其名声在1950与1960年代登上巅峰，Rodrigues宽广的音域，深沉的情感和完美的控制，使她成为里斯本Fado的标志，99年辞世至今仍被誉为是Fado天后。

来源：http://www.iatc.com.hk/medifestival/medifestival2007_preview08.html

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时隔很久再次看完这部电影后，立刻又把原声碟听了一遍。哈瓦那街头斑驳陆离的墙壁,各种老式的汽车以及不太平整的路面，画面配上这群古巴国宝级大师演奏的乐曲，以及被誉为古巴纳京高（Ibrahim Ferrer)的歌声，听着老头们述说着各自的往事，时光仿佛把我带到了60年代的古巴，一切似乎没变，我感受到了一种特别的温暖和纯粹，无法用语言表达。

现在这些国宝级古巴音乐家已经陆续走了五位，歌手Ibrahim Ferrer、Pio Leyva、Compay Segundo、和钢琴手Ruben Gonzalez都先后去世。我们只能从他们的专辑中重温这份感动，在此真的要感谢ry cooder 和 wim wenders，正是他们发掘抢救了这批瑰宝，使得古巴音乐重新让世人了解，重现了一度被遗忘了的60年代古巴音乐，让我们还能听到他们的歌声和看到他们的风采。（by wang lu)

《乐士浮生录》
本专辑得到98年葛莱美最佳拉丁音乐奖

以Ry Cooder为首的‘Buena Vista Social Club’看似消失昵迹已久无人过问。 然而，从这张唱片不但获得葛莱美奖甚至享誉国际便知他们在乐坛地位始终屹岦不摇。

先来谈谈Buena Vista Social Club的历史:

所谓的Buena Vista Social Club本是于1949年在古巴首都哈瓦那开张营业的社交会所，舞台上有大乐队演出，台下则是舞池，是年轻男女热门谈情说爱听歌跳舞之地。 这种社交俱乐部在1959年古巴革命之后就消失了。 《乐士浮生录》中一开始寻找的social club，已经变成私人的住宅。 1959年之后，古巴在政治、历史、经济上，都面临新的局面。 音乐方面，古巴政府鼓励「传统诗谣之家」，取代有阶级意味的social club。 诗谣之家多半演唱传统的经典古巴歌谣，通常乐团编制很简单，包括吉他、Maracas（沙锤）、Congas (一种手鼓)等，较少用到大编制的乐团形式。 一般古巴人晚上皆可走进诗谣之家，听这些传统歌谣。 而现在大家在市面上看到的录音作品，包括五大录音厂牌，或是ＥＣＭ发行的古巴音乐，许多就是在诗谣之家录的。 1996年，监制Ry Cooder（莱·库德）来到哈瓦那，寻回当年基本音乐班底，灌录唱片《Buena Vista Social Club》，于1997年推出，当即荣获美国格莱美音乐大奖。

很有意思的是，当初Buena Vista Social Club的录音计划，并不是要做成现在我们听到的风格。 这个计划是由英国的World Circuit唱片公司主持，World Circuit大概有十年的历史，擅长于拉丁美洲及非洲音乐，制作的专辑包括过去古巴音乐史上一些重要的乐手。 当时World Circuit是想要将非洲及古巴的乐手放在一起演出，从中找出历史上这两种音乐相互辉映的关系。 他们本来找了两位非洲乐手来古巴，但这两位乐手却没有出现，当时已经到了哈瓦那的Ry Cooder和唱片公司人员只好开始找当地的一些老乐手来录音，才成就了这张Buena Vista Social Club。 也因为这样，改写了今天整个拉丁音乐的乐史。

虽然不是在顶尖录音室录制，质量也不是最优。 不过透过Ruben Gonzalez（鲁本·冈萨雷斯）感性的钢琴声、Omara Portuondo（奥玛拉·佩多昂多）充满磁性的低音和Ibrahim Ferrer（伊布拉西姆·法瑞尔）浑厚的歌喉将带领听众一同感受拉丁音乐风情。(Ibrahim Ferrer)

乐队成员：(Compay Segundo)
1927年出生的Ibrahim Ferrer 、1930年出生Omara Portuondo (这也是唯一的女性)、钢琴师Ruben Gonzalez……而1908年出生的吉他手和歌手Compay Segundo更是古巴全民族的骄傲。 2003年老人因肾衰竭去世，享年九十五岁。 古巴国民为此感到十分悲痛，在Compay的棺木上更盖上国旗，整个哈瓦那都高唱着Compay Segundo写下的那首经典的《Chan chan》……

专辑制作人Ry Cooder（莱·库德）简介：
出生于圣塔摩尼卡的Ry Cooder（莱·库德），四岁时在一场意外事故中一只眼睛瞎了，从此远离人潮而变得自闭，专注吉他的演习，结果练就了一身好功夫成为吉他高手，他被音乐界人士视为当今最伟大的吉他手之一。 他深受这些音乐人士的影响，包括盲人乐手Willie Johnson、Blake、Joseph Spence及Curtis Mayfield，也与著名的滚石乐团等灌制了好几张专辑。 他有一子Joachim继承衣钵，会玩好几种乐器。 莱库德的音乐多与现实结合，不像一般人爱玩弄花俏的技巧，他尤其喜欢探讨及灌制第三世界及另类的音乐。

关于同名电影：

获奖记录：欧洲电影奖（最佳纪录片）；纽约影评人奖；洛杉叽影评奖；爱丁堡国际电影节观众奖； National Board of Review大奖；西雅图电影节最佳纪录片

这是一部令人感动的音乐记录片，片中一群快乐的老乐手向世界展示了古巴音乐伟大的根源。 令世界掀起古巴音乐热潮。

这部记录片是《德州巴黎》，《柏林苍穹下》的著名导演文德斯拍摄的，源于他的音乐伙伴莱德库的一次古巴旅行，莱德库在旅行中发现了当地一支乐队背后感人的故事，在他的力劝下，文温德斯在1988年率领浩浩荡荡的摄影队伍来到古巴，开始了这次著名的拍摄。

他用记实的手法拍下了这部电影，于是早被人遗忘及冷落的这群古巴艺人，随着电影的热卖及专辑CD的出版，重新被人提起，世人仿佛自睡眠中苏醒，再次看见、听见古巴。 这是古巴革命四十年中的难忘的一次经历，世人从中了解了古巴音乐动人的魅力。

这群古巴老乐士用音乐跨越了政治的藩篱，破例获邀进入美国的音乐圣坛“卡内基音乐厅”演奏。 演奏完毕，与会者一致起立鼓掌，让这些老乐士们感动流泪。 事后当他们在美国想打电话回古巴报喜，却怎样都打不通，原来两国无邦交……

他们的纯真、可爱，都被文德斯生动捕捉。 影片一经问世，受到绝大多数人的肯定，尤其在国际大小影展上共获得13座最佳记录片奖，包括欧洲影展、金球奖、美国国家影评人协会、纽约、洛杉矶影评人协会、西雅图、入围奥斯卡最佳记录片等，可说是近年来国际知名度最高的一部音乐片。

by 佚名（来源于网络却又不知道作者是谁，大家互相转载却没有作者的信息）

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