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以「鸽子歌」扬名全球的歌之传奇大师与创作诗人卡耶塔诺．费洛索Caetano Veloso可以说是近年来最受推崇的巴西男歌手与世界音乐的代表性人物，拜诸多国际名导如王家卫「春光乍泄」、「爱神」及阿莫多瓦「悄悄告诉她talk to her(他在片中还现场演唱了鸽子歌一曲)」及获奥斯卡主题曲提名的「挥洒烈爱」等几部声震国际的电影之赐，他充满异国情调、迷幻磁性的歌声逐渐在全球及本地传播开来。

身兼诗人、音乐家、製片家与政治运动家多样身份，他的歌唱生涯始於1960年代以bossa nova为始，受Joao Gilberto影响；后来随著披头四的脚步，Veloso开始发展新的音乐态度Tropicalismo，将巴西音乐融入摇滚、前卫音乐，型塑出一种迷幻、社会觉醒的风格。因为在歌曲中批判巴西军政府，他的音乐常被禁甚至因而坐牢，最后被迫流亡海外，1972年才回到巴西。即使如此，他依旧坚持音乐的美乐地 -祖国巴西音乐的根，吸取世界各式各样的音乐元素在创作中，几十张作品创作也以葡萄牙文为主，音乐存在於他的脑海，是他表达情感投射的方式。——诚品网络书店

以前我在博客上介绍过Caetano Veloso，60年代，巴西掀起了一场“热带主义”运动，这是由一帮先锋思想的艺术家，激进的知识分子发起的文化革新运动，他们批评时政，倡导艺术革新，这一点有点像中国80年代中期的文化。Veloso就是在这个时期出现的一个音乐家，他用音乐做武器，抨击时政，被誉为“巴西的鲍勃·迪伦”，在当时真的算一票。2005年，我有机会去巴西大使馆采访巴西文化部长吉尔伯托·吉尔，这家伙当时好像跟Veloso混得挺熟，不过他那时候是一个歌星，后来才当了文化部长，他可能是世界上唯一一个留着小辫子的文化部长，他也不怕有人揪他的辫子。Veloso最为华人熟知的歌曲是《Cucurrucucu Paloma》，因为那个装逼犯王家卫在电影里用过。当然很多艺术青年都没注意这首歌，我也没注意，因为我没看过他的电影。这首歌确实很好听，这一点王家卫还是有判断的。当然，Veloso的歌都很动听，比如《Clarice》。——王晓峰

附西班牙原文歌词和中文翻译： (更多…)

文/陈长林

【按】《送别》和《斯卡布罗集市》两首歌大家耳熟能详，但不一定知道歌曲的来历，前者作曲部分来自美国，后者来自英国民谣，看完本文相信大家就明白了歌曲来由了。

儿时追看露天电影，不惧翻山越岭。记得那时，明明是解放战争题材，非要同小伙伴争辩，坏蛋副官到底是中国人还是美国人。但对于哼唱美国歌曲，却想都没想过，梦也没梦过。白驹倏忽过隙，人生蓦然晚秋。“二十馀年成一梦，此身虽在堪惊”。底事“堪惊”？脑海常浮、耳边常萦、嘴角常涌旋律，竟有两段属于美国！

   吴祖强先生回忆其儿时所唱“学堂乐歌”，曲多从东洋（日本）或西洋（欧美）舶来，词用汉语译配；后来又有本土音乐家同类创作，充当“音乐食粮”。“这些歌后来有几十年不再传唱，只是上世纪八十年代的影片《城南旧事》中选用了此类歌曲中当年由李叔同配词的《送别》，而成为如今年轻人的‘新发现’，重又流传起来。这类歌曲大多优美、流畅，配词情调同一，容易上口，它们原来乃是欧美的流行抒情歌曲。据汪毓和先生告诉我，例如这首《送别》的原作便是一首叫做《梦见家和母亲》的美国歌曲，先是在日本配词《旅愁》传唱，又被李叔同重配传来中国”。（吴祖强《都只为河上的歌唱……》，见《书城》2007年4月号）
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文/陈茂生

今年，美国的肯塔基州（kentucky）特别热闹，除了准备庆祝肯塔基州出生的林肯总统二百岁生日之外（注1），更要庆祝道地的「美国制」作曲家佛斯特（Stephen Collin Foster）的音乐剧五十周年（注2）。

佛斯特（1826-1864）──肯塔基之子

佛斯特的成名曲「喔！苏珊那」（Oh!Susanna）（1848），由于曲风活泼，但歌词却极易触动流浪者的心，一下子竟成了1849年美国加州淘金热潮人群的主题曲，佛斯特因此名满全美国。但是真正奠定了「永远的佛斯特」地位，被肯塔基州人骄傲地称为为「肯塔基之子」的名曲，却是「我的肯塔基老家乡」（My Old Kentucky Home）。 1928年，肯塔基州政府通过了它为「州歌」，数不尽的大小庆典场合，都要以这首歌为开场乐呢（注3）！佛斯特出生于宾州的匹兹堡，却被肯塔基州的人们拥为己有，确是罕见的事。

他出生于美国独立战争英雄之家族，排行老幺，从小惹人怜爱，却令父母头痛，因为他不太喜欢上学，每天只喜欢在野外乡间吹笛、唱歌。虽然完成了Athens Academy的学业，也曾认真地到俄亥俄州的辛辛那堤城，担任他哥哥所经营的事业中的记帐员。只是，音乐的吸引力太强大了，常常灵感一来，他就把分内的工作忘得一干二净。最后，还是他的音乐天赋及内心对于创作的殷切，使他将全力投入了创作之领域。佛斯特是无师自通的小天才，是道地的美国土产的歌乐作曲家。 14岁时，写出了第一首作品（为4支长笛作的华尔滋舞曲）。 16岁时创作出第一首被出版的处女之作“Open Thy Lattice,Love”（王沛纶教授在他的音乐辞典之中，将之译为「恋人啊，打开窗子」）。在他短短的38年岁月中，不但写出了超过200首的原创诗词及乐曲，也改编、收集并翻译了100首以上不同作曲家的作品。 (更多…)

『按』范 莫里森1968年的经典专辑《Astral Weeks》在美国时代杂志「史上百大专辑排行」中荣登季军、在滚石杂志「史上500大专辑」中荣膺Top19、在1995年MOJO杂志「百大专辑」中荣获亚军、在2000年英国Q杂志「史上100大英国专辑」排名Top6，甚至在1988年更获选登上葛莱美专辑名人堂，他的歌曲融合了民谣，爵士，摇滚，蓝调等音乐风格。

文/婉子 收听

一个精神病医生的朋友发誓他经常在戴着耳机听Into the mystic的时候，触摸到某种更高的真理。几天前的一个晚上，一个四十余岁的女人在无意间听到Morrison的名字时，欢呼道，“他是我的男孩。我有他一张专辑《Tupelo Honey》，是三年前买的。”当问及为什么时，她眼眶湿润了：“嗯，它很温暖…是我父亲曾经热爱的那种爵士音乐。”

　　无论这些论证是否就是与他广大的听众的感觉，Van Morrison毫无疑问创作和演出的歌曲具有巨大冲击力。这些歌与他们个人的人生转折点联系在一起。常常是他的声音制造了这个奇迹。

　　Van Morrison的成长中不乏艰辛岁月。1945年8月31日，Van Morrison生于北爱尔兰贝尔法斯特(Belfast)的一个工人家庭，是家中唯一的孩子。那正是欧洲二战后的一片废墟的时代，几乎无法找到工作。他的父亲离开家，去了美国。父亲在底特律当了几年铁路电工。Van Morrison听着父亲收集的爵士和蓝调音乐长大了。他听Leadbelly、John Lee Hooker和Ray Charles，也听Jimmie Rodgers，Hank Williams，Carl Perkins和Elvis Presley。

　　Morrison12岁开始唱歌，13岁开始玩吉他、萨克斯和口琴。他刚上高中时加入了附近的几支乐队，这些乐队的名字更多是纪念塞弗城，而非贝尔法斯特。“我曾参加一个名为Deanie Sands and The Javelins乐队。漂亮的Deanie和我是主唱，我还弹吉他。我们玩country-blues-rock风格的音乐。”离开The Javelins乐队后，Morrison很长时间里都在贝尔法斯特的俱乐部里玩音乐，美国的蓝调音乐人，如Jesse Fuller、John Lee Hooker、Memphis Slim和Champion Jack Dupree等都定期光顾这些俱乐部。 (更多…)

文/钟山 收听

八十年代中，一位黑人女大学生抱着把木吉它，开始在咖啡馆里弹唱她的作品，她用平实饱满的嗓音，以叙事民谣的方式唱出了自己对社会、对下层小人物、对个情感的感受和观点。从此，美国城市民谣在八十年代又有了传人——崔西·查普曼（Tracy Chapman），另一位是苏珊娜·薇格（Suzanne Vega）。

城市民谣这个音乐品种，在美国有长达一百多年的历史。早期的音乐人他们从乡村唱到城市的街道、工厂甚至监狱里，他们被称作“行呤诗人”。到上世纪六十年代，伟大的鲍勃·迪伦横空出世，领导了一种新的城市民谣发展——民谣摇滚，成为六十年代“跨掉一代”精神食粮。这位在大学时热爱欧美现代诗歌，思想左倾，与嚎叫派诗人艾伦·金斯堡称兄道弟的家伙，用他许许多多反传统的，反战的，抨击社会的经典作品使城市民谣深入人心，他也把约翰·列农和米克·贾格尔等人从爱情的无病呻吟中警醒，使他们成为摇滚音乐史上最伟大的名字。鲍勃·迪伦与艾伦·金斯堡成为了美国六十年代文化的象征。

到了七十年代，城市民谣从六十年代的喧嚣中重归宁静，黑人布鲁斯、爵士乐甚至雷吉音乐元素融入了进来。保罗·西蒙和阿特·加芬克尔这个二重唱组，用高超的吉他弹奏，美妙的嗓音让城市民谣进入了和谐的技术的时代。以前民谣中的抗议之声由一种“蓝领摇滚”表达。

薪火相传，进入八十年代，崔西·查普曼在继承七十年代的技术成果的同时，重新找回了城市民谣六十年代的批判精神。崔西·查普曼的歌里，我们可以听到美妙的歌声，又能从歌声中的自我观点中感到力量。乐评人说，崔西·查普曼的歌是“浮华时代值得信赖的声音”；女权主义者则说，崔西·查普曼“以歌声表达女性的尊严与心声”。与苏珊娜·薇格相比，崔西·查普曼城市民谣对传统的回归上走得更远，她更像早期的“行吟诗人”，她的每首歌都像一首短小的叙事诗，把她对社会和人性的观察，通过平实且厚实的情感音质传达出来。很多的歌都用木吉它作主要的伴奏乐器，在她的同名专辑的“Behind The Wall”这首歌，甚至无伴奏清唱。

从八十年到末至今，流行音乐进入了世界性的浮华俗丽时代，麦当娜、惠特妮等话题性女歌手大行其道，艳俗之声风靡，即是这样也掩不住崔西·查普曼的个性光芒。优格男孩（a1）乐队成员本·亚当斯在被问到：如果落难到荒岛，最想要听到的歌手是谁时，他说：崔西·查普曼。

崔西·查普曼简介：
1964年生于美国俄亥俄州的克利夫兰的一个工人家庭， 她从小开始学习弹奏吉他，后尝试创作歌曲。高中毕业后，获取少数民族学生奖学金进入大学深造，主修人类学和非洲人文学。求学期间，迷恋上城市民谣。1988年发行首张同名专辑，当年即获3项格莱美奖。次年推出了第 2张专辑《Crossroads》，1992年发行《Matters of the Hearts》专辑，1996年推出专辑《New Beginning》，2001年专辑《Telling Stories》出炉。

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阿隆·尼维尔是活跃在新奥尔良的节奏布鲁斯家族乐团”尼维尔兄弟”的主唱兼键盘手，他除了与兄弟保持合作之外，并在1990年开始了个人演唱生涯。1991年阿隆·尼维尔的首张个人专辑《温暖你的心》推出后，在排行榜上出尽风头。这张专辑由于请到发烧界大名鼎鼎的道格·沙克斯负责母带后期处理，音效之出色在当年可谓轰动一时，成为发烧友人手一张的试音天碟。姑且不论脱胎换骨更上一层楼的XRCD2新版，旧版CD的音质即使放到如今来衡量，仍然不输于市面上大多数热销的流行音乐天碟。

　　光看阿隆·尼维尔粗豪的外型身材，任何人恐怕都不相信从音箱里传出的那细腻温柔磁性的嗓音是属于他的，而接下来估计也没有谁能够抵挡得了他那装饰性很强的音色，以及他演唱中散发出来的那种感人肺腑的真诚。当然，尼维尔唱的几首赞美女性的歌曲，在他独特的嗓音和感情流露中，乐迷一定能感受到他的信念、他的博爱、他的愿望和他的歌颂的真情。《温暖你的心》是由老牌乡村音乐天后琳达.萝丝塔特任制作人，在专辑中她也与尼维尔合唱《，闭上你的眼睛》、《某处，某人》和《别走，请留下》三首歌。播放这张唱片的重点和难点都是如何还原出录音中既透明又饱满的声音，另外像真度极高的音场、细节等，也是要留意的方面。

对于阿隆.尼维尔的作品，我最喜欢的还是那首：Even if my heart would break（他们都翻译成“也会伤害我的心”，我说不如“心碎了无痕”来的更好，哈哈。。。）我一直很难想象，看起来就那么粗气的一大男人，怎么会有如此的声线，N次从这张大碟面走过，一直没买，突然某天，才知道，自己犯了一个天大的以貌取人的错误！！！

from:《音响世界》

文/ 蓮花有癖
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在葡萄牙诗人眼中，里斯本代表着大海的起点。而葡萄牙的法朵音乐（Fado）就象大海，它包容了爱情、乡愁、人生的无奈、不测的命运及死亡。它有着挥之不去的深沉的悲怅宿命感。这就是为什么法朵音乐听起来那么伤感的原因。当然，法朵音乐不是自怨自哀。只要有了Saudade（指歌者最深沉的灵魂），它就会成为永恒的叹息。
　　
　　　　成立于1986年的圣母合唱团（Madredeus）因为替维姆．文德斯（Wim Wenders）的电影《里斯本故事》（Lisbon Story）配乐而成名。不过，这个叫做圣母合唱团所唱的法朵却没有那么哀伤。他们以里斯本法朵（葡萄牙两大法朵流派之一）的2/4拍旋律为基调，用明快的节奏部分消解了法朵音乐中那股浓浓的哀愁，从而使得圣母合唱团的音乐听起来清澈明亮。这种雕而不失神韵的手法甚是了得，功德无量。
　收听《lisbon stor》原声　
　　　　乐团女主唱特雷萨．萨尔古埃罗（Teresa Salgueiro）的唱腔晶莹剔透，清清爽爽。在她的演唱中，间或会听到意大利美声唱法的影响。还好，她唱得很节制，没有让自己的高音破坏音乐整体的纯净感。两把12弦葡萄牙吉他（Guitarra）的伴奏简单而又贴心。它们带着孔布拉法朵（葡萄牙另一大法朵流派）中节制的情绪，放弃了孔布拉法朵中过度追求技巧的指法。新加入的钢琴、提琴以及合成器都是那么干干净净，一点不拖泥带水。它们吸入的是法朵音乐的lundum节奏和modhina曲调，吐出的是16首晶莹剔透的音乐水晶。

整张专辑如其名称《浮光掠影》（movimento）所展示的那样，进行了一趟美妙的音乐旅行。初听时已经让人心醉神迷。那么撩人的乡愁，那么纯净的音乐。整张专辑犹如晶莹的水底下黑黝黝的鹅卵石，虽然也有点沉重，但是却被水磨得玲珑滑净，看着并不让人觉得哀伤，只感到平静。

　　
　　　　最深得我心的是那首《静止的迷宫》（O Labirinto Parado）。这首献给法朵音乐灵魂Saudade的歌曲旋律动听。钢琴的铺陈流畅，歌者的唱腔深情而又虔诚。我不由想起那首著名的歌曲《所有这些就是法朵》（All This Is Fado）。“挫败的灵魂，失落的夜晚，摩尔区里黑暗的阴影，妓女歌唱，吉他呜咽，灰烬与火光，痛苦与罪恶，这一切的存在，全被娓娓诉说，这全是法朵。”（何颖怡译）不管法朵怎么变，它永远是葡萄牙的音乐之根。

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这是一张反朴归真的唱片。充满了爱尔兰民谣的清新气息。从唱片的名字到其中的部分歌曲及歌词都使用了爱尔兰的文字，让人更清晰地感受到奥康纳的音乐根源与爱尔兰不可分割。传统乐器木吉他、小提琴、古钢琴，爱尔兰风笛和奥康纳纯净的声音为唱片营造了一个全新的美好世界，某些部分甚至让人联想起Enya歌曲中的圣洁气氛。在这张专辑里，奥康纳在每一首歌里都讲述了一个与自己成长有关的故事。

　　阔别我们大概也有两年的她终于回归了自己的内心，完全进入了一种超然的状态。在这张专辑里，我们再也找不到《狮子和眼镜蛇》的冲击，再也找不到《无以伦比的你》的激情，再也找不到《巴比伦的火焰》一样的激烈和炙热，仿佛我们见到的不是以前那个撕毁教皇的相，宣称自己是同性恋的光头愤怒女青年。

　　这是Sinead　O＇Connor最为安静的一张唱片。作为母亲的她回归了自己的母亲的怀抱，那就是爱尔兰的民谣。她在母亲怀抱里发掘出惊人的力量，在古老的故事里焕发了生机。

　　作为音乐，显然这次的O＇Connor是最简单的一次。这十三个传统的爱尔兰民谣采用了最传统的乐器：小提琴，古钢琴，爱尔兰风笛，木吉他，它们带出了专辑的主线，发扬了爱尔兰民谣静谧和谐的一面。而O＇Connor的演唱就是神奇的引线，将这些东西巧妙地串在一起，闪出了最质朴和伟大的光芒。O＇Connor给我们讲述了一个个的故事，让听觉充满了快乐。

　　作为专辑，这次又是最复杂的一次。她在出版前言里详细地告诉了我们为什么她会选用这十三首歌，在每首歌的前面，她又仔细地告诉我们，这首歌是讲述了什么的一个故事。每一首歌都像是养育她的母亲，她都得仔细地告诉我们她们之间的关系。我和她一样，无法说出哪一首是最经典的，因为，每一首歌都那么的动听出色要说最为难忘的细节。

　　这散发着爱尔兰土地气息的专辑，是近期最值得反复聆听的一张。

专辑展现了Sinead O Connor 一贯美妙的爱尔兰嗓音，加上她自己写下文字，主要是关于为什么选取这些爱尔兰传统情歌……她的故事……浪漫、感性……“A DEEPLY PERSONAL CD”（完全的个人CD）她这样称呼这张CD，“它记录了我心灵的历史”。

“Peggy Gordon” 旋律简单，却优美异常。一句 “Her Mantle So Green,” 让你感觉到仿佛在荒野的山坡……她的歌声似乎总能搅动你的灵魂，相比之下，ENYA 就显得俗艳，只能用做《魔戒》的片中曲……SINEAD的歌声中肩负着女人的挣扎，还有爱尔兰的忧伤。如果你看过《THE DEVIL S OWN》 (与魔鬼同行)就知道爱尔兰人的疯狂和悲伤……他们甚至想从纽约运一整船的导弹来战斗。

“Oro Se Do Bheatha Bhaile” 是CD中我本人最喜欢的，简直无法停下来。这是唱给女战士的歌曲，标题和歌词都是凯尔特语，大意是WELCOME HOME。

“Paddy s Lament” SINEAD的低吟和嘶叫达到了极至……还有谁能这样唱歌？
“Lord Baker” Christy Moore 和SINEAD的双重唱也配合的完美无缺。

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【按】美国60年代的音乐是令人激动的，它是美国音乐的一段高峰，影响了以后许多歌手和乐队。而之所以能产生这样伟大的音乐是源于60年代对于美国乃至世界都是一个变革的时代，东西方冷战，黑人运动，越南战争，民权运动等等。影片《阿甘正传》折射了美国60、70、80年代的历史，通过解读这段历史背景从而了解60年代美国音乐产生的基础。

影片《阿甘正传》（ Forrest Gump ） 1994 年由美国派拉蒙电影公司出品。这部根据温斯顿·格鲁姆（ Winston Groom）小说改编，罗伯特·泽米基斯（Bobert Zemeckis ）导演，汤姆·汉克斯（Tom Hanks）主演的影片取得了巨大的成功，获 1995 年第 67 届奥斯卡金像奖最佳男主角，最佳改编剧本，最佳导演，最佳影片，最佳视觉效果，最佳剪辑等 6 项大奖，被《时代周刊》评为近二十年来美国最伟大的电影。影片把美国二战后近三十年的历史文化贯穿于一位憨直可爱的小人物——阿甘的平凡经历中，因此，这部影片作为一本形象的美二战后历史的教科书，在越来越多的英语教学中被采用。然而，对于影片中所反映的美国二战后三十年的历史文化的方方面面，光看电影，或对其中的台词进行简单的译注、解释，是很难意识到的。因此，为满足大学英语教学的目的，对这部影片进行全面、深入的解读，就需要对影片画面之外的文化背景知识的补充。本文作者将从多个层面对这部影片进行剖析，希望对这部影片在英语教学中的使用起到教参的作用。同时对于那些对美国二战后历史感兴趣，以及喜爱这部影片的学生、观众来说，本文同样能够起到一定的指导作用。

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以色列有着丰富的民族音乐遗产，她们吸收了丰富古代希伯来的传统和各种犹太流散地不同文化的传统。1880年到1890年，随着首批锡安主义者把东欧和中欧的民间音乐因素带到巴勒斯坦，有些像意第绪舞蹈音乐如克莱兹默，保留了原始风格，也有许多民歌被重新填词以反映移民所到的新的环境，或者被配上有中东风格的曲调。这些发展标志着人们开始创作“权威的”以色列音乐――把东方的声音与欧洲的传统结合起来。从上个世纪初，用圣经或传统的犹太故事创作了一些新的民歌，有些是反映日常生活的歌词。1918到1948年期间的歌曲作者大都来自基布兹，他们的作品很多反映了那里农业耕作和开荒的内容。

“克莱兹默”的复活

就犹太传统音乐而言，“克莱兹默”是个很有趣的现象。这是一个在英文词典里很难找到的词汇，因为它本来就不属于英语国家的文化――KLEZMER，音译为“克莱兹默”，源于古希伯来语，照字面意思解释就是“歌唱的工具”，这是一种既古老而又年青、既具有城市特色，又具有乡村特征的犹太之音，其集传统与现代、西方与东方、世俗与宗教、欢乐与悲哀、舞蹈与聆听的融合。其实，“克莱兹默”本是犹太音乐家们常用的术语，它指的就是一种音乐，一种古老的犹太音乐，而且是在东欧犹太人社会中代代相传的通常在传统的婚礼与社团聚会场合才演奏的喜庆音乐。
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