导言

就从这里开始，从Leadbelly开始，从“铅肚”开始。20世纪美国民谣的第一个名人是一名黑人，是一个流浪汉，是一个罪犯。美国文化是混血的文化，美国民谣是混血的民谣。黑人弹着吉他，黑人唱着白人的歌谣，这就是“铅肚”。“铅肚”用他黑人的暗嗓唱出流传了100年或更长时间的民歌，与其他“国会图书馆民歌文献”一起，成为20世纪美国民歌复兴运动最大的一笔资源。这股民谣风从1930年代吹起，吹过1960年代，一直吹到今天，它吹过了美国，吹过了欧洲，吹过了北美、南美、非洲、亚洲，最后整个世界都被它激荡、席卷、波及。

(唱片中可以追寻的第一批布鲁斯艺人大多活动于密西西比河流域的乡野大地，一把吉他一张嘴，虽然简单，却有比后来的布鲁斯更为刻骨铭心的悲伤。这是约翰·李·胡克的乡村布鲁斯唱片。谈历史，他真还不够老，却是我们能找到的类似最好的声音，录制于1959年。)

毫不夸张地说，今日中国的民谣音乐，也流着一部分“铅肚”的血。

布鲁斯就是黑人民歌，你听到的蓝调、黑人怨曲、节奏布鲁斯甚至周杰伦的什么R&B，都是它。非洲黑奴贩运有多久，布鲁斯的历史就有多久。针对于布鲁斯起源时间的莫衷一是，或可以简单化地说：1619年荷兰人首次贩运黑人到北美的时间，就是布鲁斯的民歌纪念日。

布鲁斯有一把饱经苦难的老男人老女人歌喉，有凄厉的吉他、后来变成世界上最玩味儿的吉他，有随口编唱的传统，有像说话似的曲调。还有什么？还有演变。不夸张地说，以它为根茎为动力，它演化出了今天流行乐的几乎一切。

布鲁斯总论（1）

今天被我们称为布鲁斯的东西，实际上是美国黑人一种古老的民歌。在英文原词中，它被叫做the Blues。Blues的原意是“蓝”，引申意是“忧郁”。所以，the Blues到了中国，就有了各种各样的叫法——蓝调、怨曲、布鲁斯、黑人悲歌……译名不同，所指却都是同一个东西。

布鲁斯是从哪一天诞生的？不知道。没有人知道。这正像世界上任何一个民族的任何一种民间艺术，它默默地酝酿，在文化人所垄断的正统艺术史之外恣意生长，不形诸文字，亦不为历史所察。直到有一天，这个民间的浪子偶然地同时又是必然地与正统文化发生了关系，人们才恍然发现，一种巨大的、全新的、传奇性的新艺术诞生了。

对布鲁斯而言，这神奇的一天大约出现在1865年。这一年，经历过南北战争的洗礼，美国的黑人奴隶终获解放。然而他们终于赢得的自由，到头来不过是一点十分可怜的自由迁徙的权力——种族歧视的巨大阴影仍无形地存在，黑人依然生活在社会的最底层，这种底层的生活，和他们当初做奴隶时没有太大不同：黑人依然受穷、失业，没有体面的住房，没有平等受教育的权利。不过他们自由了，他们的歌唱不再受白人庄园主的监视，并且由于他们四处迁徙，这些歌唱迅速从南方传到美国各地。

这些歌唱至少存在已经200年了，只是从这一天开始， 人们把它叫做布鲁斯。在这之前，它是做工歌、田间号子和黑人祈祷时的圣歌。从1619年荷兰人首次将黑人仓储式地贩卖到英殖民地北美以来，这些悲哀的歌曲就一直在孕育、在发展、在变化，在陪伴着这群黑色的、苦难的人们。它代替了哭喊，比哭喊更锥心。这些歌曲鲜明地延续了黑人们的家乡传统，正像非洲的音乐一样，它的歌唱中掺杂了颤抖的嗥叫和假声，并经常采用强烈的节奏和应答轮唱的传统。随着远离家乡之后一代代人的繁衍，传统保存了，同时又发生着演变，它日益经受着新的文化环境的侵染——白人从欧洲带去的传统音乐：天主教堂的唱诗，英伦三岛和爱尔兰的民谣，法兰西的民间舞曲，古典主义的器乐弹奏……这些东西，无形地，在给黑人以影响；虽然黑人们并未意识到， 但潜移默化中已在不知不觉地使用欧洲的和声体系。在奴隶时期，黑人们只能在干活时唱、在做礼拜时唱，唱的内容局限于劳动、助兴、宗教，否则弄不好会惹上杀身之祸。但1865年以后的变化，使黑人终于可以无遮拦地抒己之情了。就黑人的歌唱而言，这个时候它获得了作为艺术创作最不可缺少的一个条件——自由。况且，它业已先天地拥有了作为艺术最深刻的创作之源——压抑和苦闷。所以，19世纪下半叶，黑人音乐空前地发展起来，这个时期通常被人们认为是布鲁斯的第一个发展时期，也是它的始创时期；此前的美国黑人音乐，如田间号子、做工歌等等，仅仅被视为布鲁斯的前奏。因为从这个时候，黑人的民间歌曲的的确确面貌变了，并且更大的一个变化在于：由于在公众场合演唱及稍后灌制唱片， 它开始进入正常的文化流通领域。

布鲁斯的发展大致经历了这样几个先后时期和不同风格：
原始布鲁斯：原始布鲁斯只是作为一个假定的过渡时期， 用以区别看待爵士乐与布鲁斯的不同起源，其实从根子上来说，两者的初态是同一个东西。爵士乐在发端初期即表现出城市艺术的特征，而布鲁斯则首先涌现于乡间——17至19世纪，北美洲的南部是一望无际的广阔田野，这就是老黑奴们念念不忘的深情的密西西比河流域，三百年间，先后有近一百万黑奴开垦耕作于此。这里既是美国黑人的发源地，也是美国黑人布鲁斯的发源地。大量的、已经不可能留下名字的民间艺术家，开挖出布鲁斯最早的源流，这就是所谓的原始布鲁斯。这其中，既包括一些早期的著名黑人民谣，也包括黑人以打击乐手法演奏的弹拨舞曲。原始布鲁斯一度获得的最显著的发展是在密西西比、得克萨斯和路易斯安那的伐木区，那里周末夜小酒馆的聚会，为黑人歌手和吉它演奏家提供了演出和谋生的空间；再就是19世纪下半叶黑人游吟歌手的演出。正是从这两个出处，分化出最早的黑人艺人——他们从劳动中分离，专门以弹唱谋生，并且不同之间的艺人可以在一起交流、合作、凑乐、厮混。原始布鲁斯的艺人大多失传，到今天尚能寻索到名字的，大概仅剩下巴科·怀特（Bukka White），和一位外号叫“魔鬼的女婿”的歌手皮提·麦草（Peetie Wheatstraw）了。

原始布鲁斯只是作为一个假定的过渡阶段， 用以区别看待爵士乐与布鲁斯的不同起源，其实从根子上来说，两者的初态是同一物。即使在布鲁斯和爵士乐高度发展之后，二者经常还是搅和在一起，令人难以区分。其情形就像图中这张唱片，城市布鲁斯的大师“浑水”与现代爵士乐的大师“晕眩”格莱斯皮竟也能搞到一块儿。

乡村布鲁斯：大概从19世纪末开始， 当布鲁斯以鲜明的类别特征首次在历史上出现时，它的演奏和演唱者多集中活动于密西西比河流域的乡野大地，这个时期的布鲁斯被称作乡村布鲁斯。乡村布鲁斯的特征是：单纯的形式、质朴的音色、歌中的呻吟和大量的不协和音。乡村布鲁斯虽然简单，却有比后来的布鲁斯更为直截和刻骨铭心的悲伤。乡村布鲁斯的大师有查理·帕顿（Charley Patton）、桑·豪斯（Son House）、罗伯特·约翰逊（Robert Johnson）等。在黑白关系远不是那么紧张的得克萨斯，则有风格较为软调、舒缓的另一支乡村布鲁斯存在，这一支更接近后来的美国民谣，盲人莱蒙·杰佛逊（Blind Lemon Jefferson）、“铅肚”（Leadbelly）等是这类风格最杰出的代表。

乡村布鲁斯的两翼，一翼出吉他大师，一翼出黑人民谣大师。图为黑人民谣界的密西西比·约翰·赫特。他用轻柔的、令人信任的声音，轻柔的、迷人的手指型匹克弹法，展示了与帕顿、桑·豪斯迥异的格调。赫特的出现同时表明，黑人音乐家在20年代的最早录音，是那种更古老的欧式民谣类型，而不是经黑人发展过的乡村布鲁斯。据袁越在《来自美国的叛逆》一书中介绍：赫特在1963年被重新“发现”时已经有71岁，当他突然出现在新港艺术节的舞台上，“全场的人惊讶得像是见了鬼！那情景就像是有一只活恐龙突然出现在舞台上。”

城市布鲁斯：两次世界大战期间（20世纪20至40年代）， 经济形势发生了巨变，由于劳动力需求剧增，黑人们开始成群结队从祖居的南方农村移民到工业较发达的北方城市。短短30年间，竟有数百万黑人成为“农转非”的新城市人口。大规模的移民，生存环境的巨变，使他们的音乐迅速脱离乡村布鲁斯的原有风貌： 泥土气息渐褪，乐器开始通电，乐队形式渐渐确立，并发展出最早的录音技巧和制作技术。乡村布鲁斯的弹奏者是个人，通常通篇是一个人自弹自唱，即兴、随意、无拘无束，没有编曲、乐谱也不严格遵守拍子的规范，仅仅是参加较大型的户外活动时才出现两三人的临时合作。而城市布鲁斯的弹奏者首先是一个乐队，通常有一至两把吉它，一把贝斯、一架钢琴，一套鼓，有时还加上吹奏乐器如口琴、小号、萨克管等；由于乐手之间加强了配合，布鲁斯的规范性增强了，出现了较固定的乐曲结构形式，布鲁斯从原先的独奏艺术转变为一门小乐队艺术。形式的变化之外，还蕴藏着更深刻的内容上的变化：这时候，黑人乐手已不再是田野大地上孤独的行吟者和漂泊不定的卖唱艺人，而变成城市娱乐场所中的固定表演团体，是下层市民欣赏的对象，代表了城市底层备受歧视的社群。城市布鲁斯一部分转向平缓、文雅、松弛、流畅，洗去了不协和音、尖锐的非洲印记和乡巴佬气；另一部分趋向更响亮、更激烈、更粗犷、更紧张的乐风，包括激情勃发、有撕裂效果的口琴，强拍如潮的电声合奏，粗嘎的、喊叫式的演唱。城市布鲁斯的代表，粗犷一路有“浑水”（Muddy Waters）、“啸狼”（Howlin’ Wolf）、威利·迪克逊（Willie Dixon）、小沃尔特（Little Walter），软调一路有T. B. 沃克尔1、B. B. 金（B. B. King）、艾特·詹姆斯（Etta James），还有介乎两者之间的大比尔·布隆兹（Big Bill Broonzy）、布·迪德里（Bo Diddley）、吉米·里德（Jimmy Reed）等。这一风格二战后达到高潮，一直活跃到今天。

无论是原始布鲁斯、乡村布鲁斯还是城市布鲁斯，除了一把饱经风霜的老男人歌喉，与这种黑人民间音乐最脱不了干系的，就是吉它的弹奏了。布鲁斯吉它从极少受到欧洲音乐旋律与和声的地方起步，在百年的时间里繁衍了也许是历史上最蔚为壮观的一支吉它演奏家族。早期的布鲁斯通过吉它琴弦滑音使音符走调发出酷似人声哭泣的效果，同时以打击乐的方式演奏拨弦乐器，突出节奏，这种音响技巧的完善形成布鲁斯最显著的技术特征。我们上面提到的布鲁斯艺人，一个个不仅是响当当的民间歌唱家，大多还同时兼为卓越的布鲁斯吉它演奏家，他们融合非洲音阶和欧洲民谣音阶的重复音部分，刻意压低曲调，第三、第五、第七音降半音，以十二小节、三和弦和受正统音乐影响的三行式歌词旋律的模式，创造了既不同于非洲更不同于欧洲的美洲黑人自己的歌谣。

《民谣流域》：布鲁斯总论（2）

而不同地理环境跟时代背景，又构成地域性的风格差异。这种以地域划分的风格迥异的各派布鲁斯风格包括：

——得克萨斯布鲁斯（Texas Blues）。乡村布鲁斯的一支，名气最大的歌手包括盲人莱蒙·杰佛逊、“铅肚”；其后期延续构成城市布鲁斯的重要分支，最著名的代表人物是T. B. 沃克尔。由于得州的白人数量大大超过黑人，黑白彼此之间的冲突不那么剧烈，因此从这里发展出一支较受欧洲风格影响的、松弛而缓慢、非洲韵味不甚浓厚的布鲁斯。

——三角洲布鲁斯（Delta Blues）。乡村布鲁斯的主体，三角洲指的是密西西比河三角洲。 此间艺人惯用瓶颈吉它技术，乐句短小反复，音色粗朴、原始、低暗。代表人物是查理·帕顿、桑·豪斯、罗伯特·约翰逊。

——芝加哥布鲁斯（Chicaco Blues）。城市布鲁斯的代表风格。一战后大量从三角洲地区涌入的新移民促成这一风格的诞生，因此其早期可视为三角洲布鲁斯的延续，代表人物有“浑水”、“啸狼”、威利·迪克逊（Willie Dixon）、小瓦尔特（Little Walter）。“布鲁斯之王”B. B. 金（B. B. King）的登台使这里的布鲁斯背离前述诸人风格，出现了由粗野到温和、由紧张到舒缓、由压抑到雅致的转换，这时音乐的融合杂糅程度更高，与爵士乐掺杂到了一起，产生了布迪·盖伊（Buddy Guy）、奥蒂斯·拉什（Otis Rush）等后期代表。

——东岸布鲁斯（East Coast Blues）。乡村布鲁斯的一支，以乔治亚、南卡罗莱那为中心，代表人物中有一支引人注目的盲人群体，包括瞎孩子富勒（Blind Boy Fuller）2、盲人威利·麦克泰尔（Blind Willie McTell）、桑尼·特里（Sonny Terry）、盲人布莱克（Blind Blake）、盲人加里·戴维斯（Blind Gary Davis）等，该派布鲁斯节奏轻松活泼，和声复杂考究，带有明显的拉格泰姆爵士韵味。

——西岸奥克兰布鲁斯；和布鲁斯中较欧洲化的凯郡布鲁斯（Cajun Blues）。 后者以法国移民较多的路易斯安那州为中心，手风琴和提琴的组合是其最重要的特征，最终汇入了民谣，代表人物有阿莫迪·布霍（Amédée Breanx）、约瑟夫·法勒孔（Joseph Falcon）及其妻克莱玛（Cleoma Falcon），“胡同男孩”（Alley Boys）、西德尼·盖伊垂（Sidney Guidry）等。除凯郡布鲁斯是严重受到欧洲民谣影响或曰严格继承了以欧洲民谣为代表的白人根源音乐，其他地区的布鲁斯都起源于原始布鲁斯。

在以吉他为中心的布鲁斯的演化过程之外，同时还有另一支布鲁斯风格在显赫发展着，它以专事歌唱的超级歌星为中心，与乡村布鲁斯勃兴的同时在城镇崛起，20年代曾风光一时。人们把它叫做——城镇布鲁斯（Town Blues）。

城镇布鲁斯在吉它布鲁斯之外并行发展，乍听起来，几乎和布鲁斯毫无相像之处。城镇布鲁斯的歌手都是职业的演员，不停来往于各城镇之间进行商业性演出；他（她）的伴奏队伍往往不是布鲁斯乐手，而是巡回演出的爵士乐队。与乡村布鲁斯相比，他们的歌曲更加定型化，很接近当时城市中流行的爵士歌曲：旋律常常由作曲家谱写， 而不按布鲁斯传统由歌手即兴演唱。如果不是因为这些歌唱具有强烈的布鲁斯味，清一色的大嗓门具有绝对不含糊的布鲁斯色彩，那么它早就不会叫布鲁斯了；并且在历史教科书中，城镇布鲁斯常常被叫做经典布鲁斯（Classic Blues）。

虽然城镇布鲁斯经常采用爵士伴奏，但还是与布鲁斯渊源甚深，在曲式编排、演奏的规范化方面，城镇布鲁斯深刻地影响了后来城市布鲁斯的发展。

城镇布鲁斯是随着杂技团、歌舞团的巡回演出而兴起的，演唱形式上为吸引更多听众（听众范围不单是黑人，还有拉丁裔甚至白人），变得较优雅工整，因而极富号召力。这导致一些唱片商人关注并投资于布鲁斯，着手开拓白人听众市场。因此，在将布鲁斯从种族音乐推向全社会的工作中，城镇布鲁斯功不可没。名气最大的城镇布鲁斯歌手，大多是一些极具专业演唱水准的黑人女歌手，如杰出的艺人玛·雷尼（Ma Rainey，1886－1939）、贝西·史密斯（Bessie Smith，1898－1937）。前者演唱生涯开始于一些沙龙和微型舞台剧，一生致力于改变白人公众的欣赏口味，生平纪录被搬上百老汇舞台剧《玛·雷尼的黑人之根》（Ma Rainey’s Black Bottom）；后者被誉为布鲁斯歌后，20年代开始随团巡演，合作者包括大名鼎鼎的黑人小号手路易斯·阿姆斯特朗。贝西·史密斯曾主演电影《圣路易斯布鲁斯》（St. Louis Blues），获得成功。她的另一盛举是1935年在纽约阿波罗剧院举行盛大演出，以此为标志，布鲁斯同爵士乐一道，成了登大雅之堂的严肃创作。

与女歌手专事演唱不同，城镇布鲁斯中擅长演唱这些经典腔调的男性，都是些多才多艺之辈。隆尼·约翰逊（Lonnie Johnson，1899？－1970）3往往既拉小提琴又弹吉它，大乔·威廉斯（Big Joe Williams，1903－1982）也组织过一些大乐团。经过这些人的传播，布鲁斯走向了全美国，不仅仅只限于被下层黑人赏识。

《民谣流域》：布鲁斯总论（3）

在布鲁斯这片由美国黑人一手缔造的音乐国度里，不久就出现了白人艺人。参差与黑人们弹唱起乡村布鲁斯同时同地，一个叫白人乡村布鲁斯（White Country Blues）的圈子也同样活跃着。作为早期白人布鲁斯，它和基于法国民谣的凯郡布鲁斯一样，并没有在布鲁斯的艺术型态里顽强地演义多久，很快就遁入白人音乐的主流形式中去了。白人乡村布鲁斯最终演变为我们所熟知的山地民歌（Hillbilly）、乡村与西部歌曲（Country & Western）；凯郡布鲁斯最终与民谣（Folk）合流。在白人乡村布鲁斯的旗帜下，大多数名字到今天都烟消云散了，而深厚的名作更是寥寥。我们尚能追忆到的几乎只剩下这些名字本身，如弗兰克·哈奇森（Frank Hutchison）、查理·普尔（Charlie Poole）、“考利一家”（Cauley Family）、“汤姆·达比和吉米·塔尔顿”（Tom Darby & Jimmie Tarlton）、克拉伦斯·阿什利（Clarence Ashley），他们唱了些什么、唱得怎么样，今天除了音乐研究家，已很少再有人还有探究的冲动。

30、40年代“铅肚”、路易斯·乔丹（Louis Jordan）的风行，和50年代查克·贝里（Chuck Berry）的崛起，使白人学习布鲁斯的风气一时蔚然。60年代初，白人布鲁斯的盛景首先在大洋彼岸的英国出现了，从中诞生出光彩熠熠的白人布鲁斯摇滚队伍“约翰·梅耶尔和布鲁斯开拓者”乐队（John Mayall & the Bluesbreakers）、“弗利特伍德·迈克”乐队（Fleetwood Mac）、“新兵”乐队（the Yardbirds）；而影响摇滚乐坛长达30年之久的众多吉它大师，亦在此时由布鲁斯滋养，拾级走上摇滚乐历史的舞台，粗略一数，即有埃里克·克莱普顿（Eric Clapton）、吉米·佩奇（Jimmy Page）、米克·泰勒（Mick Taylar）、彼得·格林（Peter Green）、杰夫·贝克（Jeff Beck）、阿尔伯特·李（Albert Lee）等在今天的吉它界依然是最响亮的名字。60年代，当“滚石”乐队以布鲁斯风格侵入它的诞生地美国时，鲍勃·迪伦正以他深具布鲁斯色彩的嗓音征服整整一代人，由此导致一场布鲁斯音乐在美国的复兴。这时，唱片公司不仅抬出久已销声匿迹的桑·豪斯、巴科·怀特、密西西比·约翰·赫特（Mississippi John Hurt）、斯奇普·詹姆斯（Skip James）、罗伯特·威尔金斯牧师（Rev. Robert Wilkins），以及当时在纽约以教吉它为生的加里·戴维斯等黑人布鲁斯巨匠（桑·豪斯这时已是62岁高龄），美国白人中也出现了一些出名的布鲁斯艺人：“罐热”乐队（Canned Heat）、约翰尼·温特（Johnny Winter）、艾德加·温特（Edgar Winter）等作为伴奏乐手，开始出现在著名黑人布鲁斯歌手的乐队中；“保罗·巴特菲尔德布鲁斯乐队”（Paul Butterfield Blues Band）、“杰佛逊飞机”乐团（Jefferson Airplane）、歌手詹尼斯·乔普林（Janis Joplin）、吉它手瑞·库德（Ry Cooder）等白人布鲁斯风格的摇滚艺人或乐队，则先后出现在一些著名艺术节的舞台上，成为60年代摇滚乐的中坚力量。

又十年（80年代），新一轮白人布鲁斯摇滚乐队诞生，从中产生了新一代吉它演奏名家史蒂夫·雷·沃恩（Stevie Ray Vaughan）、加里·摩尔（Gary Moore）、小约翰·哈门德（John Hammond Jr.）、吉米·沃恩（Jimmy Vaughan）。约翰尼·温特摆脱“浑水”的盛名笼罩自立门户；非常活跃的乐队则有“祸不单行”（the Double Troubles）、“小村”（Little Village）、BBM 4、“传说中的雷鸟”（the Fabulous Thurderbirds）等。

又十年（90年代），乐坛沉浮三十载的巨人埃里克·克莱普顿现出回归迹象。纯净的、返朴归真的布鲁斯音乐再度在世界乐坛回荡。三十年起起伏伏，无论在民谣、灵歌、爵士、摇滚还是舞曲领域，布鲁斯音乐始终是其中蕴藏着无穷动力的创作源泉之一，没有布鲁斯就不会有现在的流行音乐。我们感到奇怪的是，在布鲁斯蓝色的天空上，熠熠生辉的始终是本世纪60年代之前的那些星星；当白人接过布鲁斯并把它发展为摇滚乐之后，一些白人的名字开始为众人瞩目，而新一代的黑人布鲁斯明星如阿尔伯特·柯林斯（Albert Collins）、罗伯特·克雷（Robert Cray）、阿尔伯特·金（Albert King）、艾克·特纳（Ike Turner）、泰德·霍金斯（Ted Hawkins）等，都只能作为吉它名手扬名于世，而不复拥有黑色的先人们对整个世界文化的巨大影响力。

《民谣流域》，李皖 史文华著，凤凰出版传媒集团 江苏人民出版社 2008年1月第1版，2008年1月第1次印刷，定价48元

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自从上个世纪60年代布鲁斯摇滚乐以及布鲁斯吉他演奏成为了主流摇滚风格之后，在这种来源于黑人音乐的吉他演奏中，在所有除黑色外其他肤色的布鲁斯吉他演奏家之中，传奇人物Eric Clapton毫无疑问是其中最杰出的一位。在与Eric Clapton同时代的所有艺术家纷纷的离开人世，或者失去了原有的歌迷号召力之后，Eric Clapton是所有当年这些艺术家中为数不多的既然保持着自己高超的演奏技术以及强大的市场号召力的艺术家。

　　Eric Clapton为人谦逊，在与其他出色的吉他演奏者比如Jimi Hendrix，B.B. King，Duane Allman，甚至后辈Stevie Ray Vaughan相比较的时候他总是非常谦恭，在与B.B. King以及Bob Dylan等人同台的时候他总是举止非常礼让，他是最有绅士风度的流行音乐家之一。同时，作为世界上最著名的吉他大师，Eric Clapton还经常热心的帮助包括英国著名流行音乐家Sting，Bon Jovi乐队主音吉他手Richie Sambora在内的其他一些音乐家去录制专辑或者拍摄音乐录影带，并且经常为一些音乐家担任吉他手作伴奏。Eric Clapton曾经协助过Bob Dylan，Aretha Franklin，Joe Cocker，Ringo Starr，Freddie King，Roger Waters等等近百位艺术家的专辑录制。

　　虽然电吉他演奏是Eric Clapton的最成功之处，但是当他于1992年3月在MTV电视台进行了不插电的现场演出节目之后，这位昔日以电吉他技术服众的艺术大师的原声吉他水平同样无人出其右。Eric Clapton的不插电现场专辑和涅磐乐队(Nirvana)的不插电现场专辑是MTV台不插电节目历史上销售成绩最好的两张专辑。

　　Eric Clapton作为最杰出的吉他演奏者，深刻的影响了后来涌现的非常大量的吉他乐手，其中包括著名的吉他演奏家Eric Johnson，Van Halen，Joe Walsh，以及不久前随深紫乐队来华巡演的深紫乐队吉他手Steve Morse等人。在美国《滚石》杂志评选的史上最伟大的100名吉他手中，Eric Clapton仅仅名列Jimi Hendrix，Duane Allman两位英年早逝的天才以及布鲁斯元老B.B. King之后排名第四位，是排名最高的仍然经常举办个人巡演的吉他演奏大师。

　　英国是这个世界上最盛产流行音乐天才的地方，这一点就算一向自大的美国音乐界也自愧不如，Eric Clapton同样是来自英国。

人生与成长：

1、克莱普顿早期经历

在第二次世界大战结束的前夕，1945年3月30日，Eric Clapton出生英国英格兰萨里的里普利Ripley，原名Eric Patrick Clapp，是年仅16岁的帕特里夏·莫利·克莱普顿和24岁的加拿大士兵爱德华·瓦特·弗赖尔的私生子。弗赖尔在小克莱普顿出生前就上了战场，之后回到了加拿大。

克莱普顿由他的祖母罗斯和她的第二个丈夫杰克一起抚养，并相信他们就是他的父母，而他的亲身母亲是他的姐姐（所以他姓克莱普顿）。几年以后，他的母亲和另一个加拿大士兵结婚了，搬到了加拿大，将埃里克留给了他的祖父母。在克莱普顿9岁的时候，他发现了自己身世的秘密，毫无疑问，这是他人生的一个转折点。

他在瑟比顿的一所中学就读。他的第一份工作是邮递员。
在13岁生日的时候，他收到了一份礼物－一把钢弦吉他。他努力地跟着卡带机练习，然而他发现演奏这件乐器是如此困难，以致他几乎放弃。
由于受到了祖母的熏陶，Eric Clapton从小就与布鲁斯音乐结下了不解之缘，不过与其他一些很小的时候就开始练习演奏吉他的吉他演奏家相比，15岁才开始弹奏吉他的Eric Clapton的起步年龄似乎要晚很多，但是很明显，Eric Clapton是所有吉他演奏家中成长最为迅速的一位。

1962年在中学毕业后，年仅17岁的他在金斯顿艺术学院（Kingston College of Art，金斯顿大学的前身）学习了艺术基础课程。
一年后，他并没有坚持完成学业，而离开学校。在那个时期，他开始在泰晤士河边的金斯顿区、里士满区等地区进行街头表演，在英国当地的大小酒馆里演出养活自己。随后不久为了自己更远大的音乐理想，Eric Clapton前往伦敦寻梦。

2、新兵乐队&约翰·梅奥尔和布鲁斯破坏者乐队
The Roosters（公鸡乐队）是Eric Clapton效力的第一个乐队，当时由于Eric Clapton初到伦敦，难于维持生计，因而加盟这支乐队来保证生活，此时的Eric Clapton只有18岁。

很快一个重大的转折出现在了Eric Clapton面前，在如今看来名声显赫的新兵乐队（The Yardbirds）乐队需要一名吉他手，尽管年龄很小但是已然拥有惊人技术的Eric Clapton成功的成为了该乐队吉他手，他们开始在滚石乐队(Rolling Stones)的起点Crawdaddy俱乐部开始演出，由于Eric Clapton这名青年才俊的加盟新兵乐队（The Yardbirds）乐队很快在英国名声鹊起。1964年和1965年，The Yardbirds乐队分别发行了两张非常成功的专辑《Five Live Yardbirds》以及《For Your Love》。克莱普顿继续在布鲁斯音乐上探索，但是他对新兵乐队转向流行音乐发展有所不满，部分原因是因为「为了你的爱」是由流行歌曲作者格兰姆·古尔德曼创作的。克莱普顿向乐队推荐吉他手吉米·佩奇（Jimmy Page ）接替他的位置，但是当时的佩奇不愿意放弃他的独立音乐人的发展前景，因此他推荐了杰夫·贝克（Jeff Beck），后来佩奇也加入了该乐队。当杰夫和佩奇加入乐队后，和克莱普顿的三重奏总是不和谐。1965年，当乐队的名声越来越大的时候，克莱普顿选择了离开。Jimmy Page在几年后把这支乐队重新组建为重金属音乐开山鼻祖之一的齐柏林飞船乐队（Led Zeppelin）。

1965年4月加入了约翰·梅奥尔和布鲁斯破坏者乐队（John Mayall & the Bluesbreakers）。在这支英国布鲁斯乐队，Eric Clapton的才华第一次得到了最大限度的发挥，只有20岁的Eric Clapton的吉他演奏迅速征服了整个英国，Eric Clapton开始被人们称作是上帝，并且被歌迷们送了一个“慢手Slowhand”的绰号。在那个披头士乐队(Beatles)的时代里，John Mayall的Bluesbreakers乐队发行的专辑曾经达到了英国排行榜的第三名。 Clapton在夜总会的火爆演出和影响巨大的唱片《布鲁斯破坏者》（Blues Breakers）使他成为举世闻名的布鲁斯吉他手。

3、奶油乐队

1966年夏天，由于受不了John Mayall的横行霸道，Eric Clapton与乐队的贝斯手 杰克·布鲁斯Jack Bruce 以及鼓手 金格·贝克Ginger Baker 一起离开了Bluesbreakers乐队，另组了后来非常著名的奶油乐队(Cream)。 在奶油乐队时期，除了继续担任吉他手的角色，他开始向歌手和歌曲作者方向发展，以布鲁斯音乐为主，他的大部分作品的歌词作者是佩特·布朗（Pete Brown）。奶油乐队于1966年7月29日在曼切斯特举行了第一次小规模公演，之后在首次在“温莎爵士和布鲁斯音乐节”正式登台演出。奶油乐队在原来的摇滚上加以变化和革新，他们高水平的现场演出掀起了全场观众的激情。

作为英国最天才的吉他手，Eric Clapton的这只乐队虽然成立不久但是已经吸引了无数歌迷的注意。在流行迷幻的60年代中期，Eric Clapton带领Cream乐队发行了一张迷幻布鲁斯摇滚乐专辑《Fresh Cream》，而这张专辑让他的名字以及他杰出的吉他演奏技术在大西洋彼岸的美国也广为人知。再接着发行了两张成功的专辑《Disraeli Gears》和《Wheel of Fire》之后。

　　奶油乐队的演出曲目风格多样，不管是流行音乐「我感受自由」（I Feel Free）还是冗长的布鲁斯音乐「满勺」（Spoonful），都有克莱普顿精彩热辣的吉他旋律、布鲁斯优美流畅的低音贝斯和贝克强劲有力的鼓声。

Cream乐队成为了世界上最著名的乐队之一，年轻的Eric Clapton成为了世界上最出色的吉他演奏家之一。仅仅三年时间，奶油乐队就获得了巨大的成功，销售了1500万张唱片并且在欧洲和美国巡回演出，获得成功。他们革新了摇滚音乐，成为既具备音乐艺术性，又广受听众欢迎乐队之一。他们在美国的热门单曲包括「爱的阳光」（Sunshine Of Your Love）、「白色房间」（White Room）和「十字路口 (歌曲)」（Crossroads）。

　　1967年初，随着吉米·亨德里克斯的到来，克莱普顿在英国第一吉他手的地位受到了挑战。亨德里克斯参加了奶油乐队1966年10月1日在威斯敏斯特大学举行的一场演出。虽然克莱普顿仍然被认为是英国音乐界最好的吉他手，亨德里克斯的到来对克莱普顿的下一步计划有很深的影响。克莱普顿和亨德里克斯的友谊一直维持到1970年亨德里克斯逝世。

　　尽管奶油乐队在当时广受欢迎，是最成功的几支乐队之一，同时对于克莱普顿的赞誉也达到了一个新的高度，但是乐队维持的时间并不长。布鲁斯和贝克之间持续的加深的矛盾导致乐队的解体。另一个因素是滚石杂志 批评了乐队在美国的音乐会，大大打击了克莱普顿。当时「The Band乐队」发行了一张名为《粉红的音乐》（Music from Big Pink）的唱片，被舆论界认为将摇滚乐带到了新的方向。克莱普顿对他们的音乐大为着迷甚至要求加入他们，可惜被拒绝了。

Cream乐队于1969年初在伦敦宣告解散，告别大碟，《再见》（Goodbye），是1968年10月19日在美国洛杉矶举行的现场演唱会的录音，（其主打曲是「徽章」（Badge），由克莱普顿和乔治·哈里森联手创作，哈里森是克莱普顿在新兵乐队期间结识的朋友。）即便在乐队解散之后，乐队的最后一张专辑《Goodbye》仍然在美国的专辑榜上稳坐亚军。

（1993年，奶油乐队的成员再度聚首，为纪念他们载入摇滚音乐名人堂而演出。另一次克莱普顿、布鲁斯和贝克三重奏的完美演出是在2005年5月伦敦皇家艾伯特大厅，连演4场，门票销售一空。之后同年10月在纽约麦迪逊广场花园演出3场。2005年5月发行了演唱会现场录音大碟。）

4、盲目诺言乐队&德莱尼和邦妮和朋友们乐队

　　1969年5月，在离开Cream乐队之后，刚刚24岁的Eric Clapton与鼓手 金格·贝克Ginger Baker，贝斯手 吕克·格雷奇Rick Grech以及键盘手 史蒂夫·温伍德Steve Winwood一起组建了新乐队“盲目诺言乐队”Blind Faith。

1969年夏天，在著名的伦敦海德公园，Blind Faith乐队举行了第一场现场演唱会，凭借Eric Clapton的强大号召力以及前Cream乐队成员的班底，Blind Faith乐队的这场演出吸引了超过十万名歌迷前往现场观看，同年7月在美国举行演出。

之后，这支乐队的第一张也是唯一一张唱片《盲目诺言》（Blind Faith）正式发行。这张唱片准备仓促，第二面只收录了两首歌曲，其中一首是长达15分钟的「做你想做的」（Do What You Like）。唱片有两首经典之作：温伍德的「找不到回家的路」（Can’t Find My Way Home）和克莱普顿的「贵族的出场」（Presence of the Lord）。

不论是在英国还是美国，其实这支乐队成为了1969年披头士乐队末期时在美国最受欢迎的英国乐队之一，但是这支乐队并没有能够保持多少时间，《Blind Faith》是他们唯一的一张专辑。成立仅仅半年之后，在乐队第一次美国巡演的计划落空之后，1969年11月，Blind Faith乐队就已经不覆存在了。当时克莱普顿已经厌倦了聚光灯，他希望能做一些类似「The Band乐队」的音乐。

　　就如同当今足球市场上的自由球员一样，刚刚离开乐队的Eric Clapton成为了各大乐队以及艺术家争相追逐的对象，最后，Eric Clapton首先临时参加了渐渐从披头士乐队中独立出来的约翰.列侬(John Lennon)的Plastic Ono Band乐队，在列侬的乐队里，Eric Clapton先后参加了乐队在多伦多以及伦敦的演出并且作为吉他手参与了部分唱片的录制。

　　克莱普顿决定转向幕后一段时间，为美国的布朗姆莱特（Bramlett)夫妇的德莱尼和邦妮和朋友们乐队（Delaney and Bonnie and Friends）伴奏。1969年末他搬到了纽约，和乐队一起工作到1970年初。他与德莱尼·布朗姆莱特（Delaney Bramlett）结为好友，布朗姆莱特鼓励他继续唱歌和写作。

　　在布朗姆莱特的乐队和其它好友的伴奏下，1970年克莱普顿的第一张独唱大碟发行，大碟以他的名字《Eric Clapton埃里克·克莱普顿》命名。其中收录了布朗姆莱特的作品「红酒瓶」（Bottle Of Red Wine）和其它克莱普顿精选曲目，如「让它下雨」（Let It Rain）。大碟中由J·J·卡尔（J.J. Cale）创作的歌曲「午夜之后」（After Midnight）还出人意料地登上了美国歌曲排行榜冠军。

　　这段时期克莱普顿还经常出现在其它艺术家的大碟里作为伴奏，如乔治·哈里森的《万物必将消逝》专辑和约翰博士（Dr John）的《太阳月亮和香草》专辑。

5、德雷克和多米诺乐队

　　克莱普顿接管了德莱尼和邦妮乐队的节奏部门，键盘手鲍比·惠特洛克（Bobby Whitlock）、贝司手卡尔·雷德尔和鼓手吉姆·高登（Jim Gordon），组建了一个新的乐队，很快吸引了大群歌迷。起初乐队没有正式命名，只是简单地叫做「埃里克·克莱普顿和朋友们乐队」（Eric Clapton and Friends）。乐队正式名称「德雷克和多米诺乐队」（Derek and the Dominos）的产生只是一个偶然。乐队成员惠特洛克解释是由于乐队前成员托尼·艾什顿（Tony Ashton）误读了临时名称「埃里克和多米诺」（Eric and the Dynamos）而来。而在克莱普顿的传记中有另外一个解释：艾什顿建议将乐队为「德尔和多米诺乐队」（Del and the Dominos），德尔是克莱普顿的昵称。德尔和埃里克组合在一起，就成了最后的名字「德雷克和多米诺乐队」。

　　克莱普顿和乔治·哈里森关系密切，因而结识了哈里森（George Harrison）的妻子帕蒂·伯伊德（Patti Harrison）。Eric Clapton从这时开始深深的爱上了George Harrison的结发妻子Patti Harrison！而遭到拒绝，或许Eric Clapton知道这份爱情是矛盾的，因而25岁的一向洁身自好的Eric Clapton在这之后开始吸食海洛因，并且这种致命嗜好日益的严重。之后，克莱普顿发行了多米诺乐队的最重要的唱片《莱拉和其他情歌》（Layla and Other Assorted Love Songs），其中歌曲「莱拉」（Layla）登上了排行榜冠军。歌曲来源于12世纪阿塞拜疆诗人尼扎米·甘伽维（Nizami Ganjavi）的巨作《莱拉和摩君》（《Layla and Majnun》），讲诉一个年轻男子爱上一个美丽的女子，他由于不能娶到她而几乎疯狂。克莱普顿被这个故事深深感动，他觉得自己和贝蒂就是故事里的莱拉和摩君。

(clapton演绎乔治·哈里森的老歌While My Guitar Gently Weeps表示对他的致敬和怀念）
　　这张精彩的唱片是乐队在迈阿密的一个音乐工作室和大西洋唱片传奇制作人汤姆·唐德（Tom Dowd）一起录制的，现在被认为是克莱普顿的巅峰之作。「莱拉」一共录制了两次，第一次录制的是吉他伴奏部分，几个月后，第二次录制的是鼓手吉姆·高登的编曲并弹奏的哀伤的钢琴部分。

　 「莱拉」录制期间，唐德邀请克莱普顿参加「奥曼兄弟乐队」（The Allman Brothers Band）在迈阿密举行的室外音乐会。演唱会结束后，克莱普顿在后台认识了杜恩·奥曼（Duane Allman），两位吉他手以前就相互慕名以久，认识后更是相见恨晚。两人一起弹奏了整整一夜，成为密友。克莱普顿马上邀请奥曼加入多米诺乐队，成为第五位成员。

　　在克莱普顿和奥曼认识之前多米诺乐队已经录制了3首歌曲：分别是「我望向远方」（I Looked Away）、「Bell Bottom Blues」和「继续成长」（Keep On Growing）。奥曼从第四首歌曲「没有人知道什么时候你会失败」（Nobody Knows You When You’re Down And Out）开始加入唱片的录制，他弹奏的滑棒吉他（slide-guitar）热烈奔放，技巧高超。这张唱片有浓重的布鲁斯风格，双吉他伴奏完美无瑕。批评家后来发现，在双吉他的乐队里，克莱普顿演奏得最好，他和奥曼的合作就是一个经典的例子。

　　在乐队短暂的生涯中，灾难不断。在那段时期，克莱普顿得知好友吉米·亨德里克斯（Jimi Hendrix）逝世，痛不欲生。8天后乐队录制了快速版「小翅膀」（Little Wing）来纪念亨德里克斯。一年后，在乐队第一场美国演唱会前夕，命运在1971年再次和深陷爱情深渊不能自救的Eric Clapton开了一个残酷的玩笑，不满25岁的天才吉他演奏家杜恩·奥曼（Duane Allman）于1971年10月29日因交通事故不幸离开了人世，这位前途无量的吉他天才离开了布鲁斯音乐，也离开了Eric Clapton的Derek and the Dominos乐队。这一重大的打击再次让26岁的Eric Clapton痛不欲生，饱受了音乐事业以及爱情的双重打击的Eric Clapton更加沉重的堕向深渊，无数歌迷们非常痛心的眼睁睁的看着这位最棒的吉他演奏大师即将步Jimi Hendrix的后尘而去。失去了成员的乐队完成了美国演唱会。更糟的是，「莱拉」专辑刚开始发行很不成功，市场反应冷淡。

　　在他们着手准备第二张唱片的时候，乐队内部出现矛盾，在伦敦解散了。雷德尔继续作他的贝斯手直到1979年夏天（雷德尔于1980年5月逝世，死于酒精和麻醉品）。克莱普顿和惠特洛克的矛盾很深，直到2003年两人才再度携手同台演出。

　　乐队的另一个悲剧是关于鼓手吉姆·高登 。数年以后，高登可能患上了精神分裂症，不过没有最后确诊。他用一把榔头杀死了他的母亲，被判处14年监禁。几年后，高登被送到一个医疗中心，直到今天。

摆脱毒品

克莱普顿的个人生活在1971年底是一团糟。在追求帕蒂没有结果的情况下，他将注意力转到录制唱片，并回到家乡萨里郡表演来远离社会。在那里他接受了系统的海洛因治疗，其间只在1971年8月参加了孟加拉慈善音乐会。

解铃还需系铃人，不论是事业还是爱情都需要转折事件来挽救Eric Clapton。1972年，Eric Clapton的事业赢来转折，一张名为《The History of Eric Clapton》的合辑收录了Eric Clapton在早年各个时期加入的各支乐队的一些精彩表演，正是这张专辑再次将Eric Clapton从海洛因的迷雾中唤醒。

1973年1月13日，谁人乐队（the who)的佩特·汤森德（Pete Townshend）在伦敦彩虹剧院为克莱普顿组织了一场回归音乐会，庆祝他成功摆脱毒瘾。Eric Clapton带领着自己的Derek and the Dominos乐队以前的一些乐手再加上一些新成员在伦敦Rainbow剧院进行了非常成功的复出演出，并且发行了现场专辑《Eric Clapton’s Rainbow Concert》。

对布鲁斯音乐重燃激情的Eric Clapton再次回到了录音室录制了取得了极大成功的复出专辑《461 Ocean Boulevard》，不仅这张专辑成为了排行榜冠军，并且其中的单曲《I Shot the Sheriff》也成为了单曲榜的状元，使雷鬼乐和巴布·马利的音乐扩大了听众群。乐队在全球巡回演唱，很快于1975年发行了现场录音大碟《E.C.曾经在这里》（E.C. Was Here）。随后逐渐摆脱了海洛因困扰的Eric Clapton渐渐进入了创作高峰期，但是频繁的发行专辑并没有带来更好的市场回报，1975年3月，Eric Clapton的新专辑《There’s One in Every Crowd》没能取得好销量，五个月之后，现场专辑《E.C. Was Here》仍然销量一般，一年以后，1976年8月，Eric Clapton与著名的The Band乐队合作录制了专辑《No Reason to Cry》，但是销量也不如以前。直到1977年发行了专辑《Slowhand》，Eric Clapton才重新赢回了歌迷的支持，销量开始大幅度的回升，达到了白金销量。1978年又发行了新专辑《Backless》成绩同样非凡。

　　Eric Clapton长达八年的苦恋也终于在专辑《Backless》发行之后迎来了温暖的春天。George Harrison与妻子Patti Harrison正式离婚，Eric Clapton在经历了八年抗战之后几乎在George Harrison与妻子离婚的同时，宣布与Patti Harrison结婚。

　　1976年11月26日，克莱普顿参加了「The Band」乐队的告别演唱会。这是他自奶油乐队的告别演唱会后8年来第二次参加告别演唱会。
　　克莱普顿零星地录制唱片并经常参加演出，这段时期他主要的作品包括和鲍勃·迪伦一起录制的合集《没有理由哭泣》（No Reason to Cry）和专辑《Slowhand》，主打歌「美妙的夜晚」（Wonderful Tonight）是他为贝蒂创作的另一首歌。另一首歌曲「可卡因」（Cocaine）成为摇滚乐的杰作。

争议

　　1976年，克莱普顿是种族主义的争议和谴责对象。事情起源于他在伯明翰市的一场演唱会表示反对增加移民。同时，他还宣称支持有争议的政治家伊诺克·鲍威尔。大卫·鲍伊和其它音乐人也发表了类似言论。这些言论引发了英国的摇滚反对种族主义运动（Rock Against Racism）。
　　在2004年接收一家杂志的采访时，克莱普顿说到：
　　「我绝对不是种族主义者…这没有任何意义。」
　　there’s no way I could be a racist… it just wouldn’t make any sense.
　　他认为政治观点和音乐没有任何关联，他很喜欢黑人音乐。他把当时的言论认为是自己酗酒的产物。

　　1980年代后期，克莱普顿的乐队里增加了四名黑人乐手：贝斯手内森·伊斯特（Nathan East）、键盘手格雷格·菲利格内斯（Greg Phillinganes）、鼓手史蒂夫·费诺内（Steve Ferrone）和伴唱卡蒂·基森（Katie Kissoon）。之前他也和很多黑人乐手合作过，如巴迪·盖伊等。这是第一次他的乐队的正式成员不是全部白色人种。支持他不是种族主义的人还指出他曾经和加勒比黑人超级模特奥米·坎贝尔（Naomi Campbell）约会，并在加勒比海的安提瓜岛居住了很多年。

归来

　　1970年代末，克莱普顿转向流行音乐，但是好景不长，在漫漫戒毒之后，Eric Clapton开始以烈酒作为替代品，酗酒再次开始伤害他的身体，而此时他和所属的Polydor唱片公司也开始出现矛盾。在制作专辑《Another Ticket》的时候，由于这张专辑是Eric Clapton与Polydor唱片公司的最后一张唱片合同，而Eric Clapton又拒绝续约，因而唱片公司就要求将这张专辑更换制作人重新录制，以期将这张专辑搞臭，好让Eric Clapton不能与其他唱片公司取得更好的新合同，至于这张专辑之后的成功则完全是意外。更严重的事情随后发生了，就在这张专辑的一次推广巡演中，Eric Clapton突然在舞台上昏厥，差一点就永远的躺在了舞台上，后经医院抢救终于脱离危险，原因是他已经患有胸膜炎，并且由于长期酗酒已经严重损伤了他的消化系统。在安提瓜岛修养了一段时间，Eric Clapton终于决定彻底摆脱酗酒，并且在不久之后治愈出院。后来他协助建立了一个毒品和酒精的治疗中心，十字路口中心（The Crossroads Centre）。

1980年发行的现场专辑《Just One Night》以及1981年发行的《Another Ticket》却出人意料的全部取得了非常出色的高销量，重新恢复了Eric Clapton应有的市场号召力。

　　1981年，应制作人马丁·李维斯的邀请，他参加了国际特赦组织的慈善演出。这几场演出预示着克莱普顿的归来。

1983年，完全恢复了的Eric Clapton与Warner Brothers唱片公司签约，但是在专辑《Another Ticket》以及在舞台上险些丧命的严重事件之后，Eric Clapton的事业开始出现走下坡路的趋势。1983年的专辑《Money and Cigarettes》以及1985年的专辑《Behind the Sun》已经明显的看到Eric Clapton的音乐事业已经日益的下滑。因为Warner Brothers唱片公司完全为Eric Clapton包办了一切，唱片公司主导了Eric Clapton的专辑风格，他们为Eric Clapton创作单曲并挑选制作人，一切都必须按照唱片公司的意愿去做，Eric Clapton的专辑离开了布鲁斯摇滚乐。与此同时，Eric Clapton的婚姻也出现了裂缝，他和George Harrison的前妻Patti Harrison的夫妻关系已经渐渐走到了尽头，不过他们一直做着名义上的夫妻，直到1988年才正式宣布离婚。

　　1984年，他为罗格·瓦特（Roger Waters）的个人专辑伴奏，在专辑发布后和瓦特一起巡回演出。他们一直保持着深厚的友谊，2005年再度携手参加海啸救济基金义演。2006年5月20日，两人又一起在海克利尔城堡（Highclere Castle）为支持农村联盟演出，表演了「希望你曾来到这里」（Wish You Were Here）和「舒服的麻木」（Comfortably Numb）。

　　1985-1986年，克莱普顿持续推出新作，包括两张由菲尔·柯林斯制作的唱片，一张是于1985年推出的《太阳后面》（Behind the Sun），其中有两首热门金曲，「永远的男人」（Forever Man）和「她在等待」（She’s Waiting）。另一张唱片是于1986年推出的《八月》（August）。

　　《八月》，带有柯林斯鲜明风格的鼓点的完美演绎，至今为止是克莱普顿在英国销量最好的一张唱片，使他在音乐上的成就达到一个新的位置。第一面第三首歌曲「它伴你一路前行」（It’s In The Way That You Use It）登上排行榜冠军，是汤姆·克鲁斯和保罗·纽曼（Paul Newman）合作的电影「金钱本色」（The Color of Money）的配乐。其它的热门歌曲还有「奔跑」（Run）、「撕开美国」（Tearing Us Apart）和「想念你」（Miss You）。

　　1985年，克莱普顿和迈克尔·卡曼（ Michael Kamen）合作为系列剧「黑暗的边缘」（Edge of Darkness）配乐，一起获得BBC电视台英国学院电视奖（British Academy Television Award）。

1988年，Eric Clapton的一套精选合辑《Crossroads》正式发行，这套合辑的发行一举扭转了Eric Clapton多年以来事业上的颓势，这张记录了Eric Clapton整个音乐生涯的专辑让歌迷们重新想念起了这位最伟大的吉他演奏大师。借助着这套精选带起的势头，1989年，Eric Clapton重新发行了布鲁斯音乐专辑《Journeyman》，这张专辑让Eric Clapton的事业重新恢复了活力。

　 专辑《熟练工》（Journeyman）的歌曲风格从布鲁斯到爵士，流行乐。合作者汇集乔治·哈里森、菲尔·柯林斯、达利尔·豪（Daryl Hall）、夏卡·康（Chaka Khan）、米克·琼斯（Mick Jones）、大卫·桑伯（David Sanborn）和罗伯特·克雷（Robert Cray）。

悲剧重演

　　1984年，当时的克莱普顿和贝蒂仍然维持着婚姻关系，他开始和伊冯·凯利（Yvonne Kelly）交往，并于1985年1月生下一个女儿，取名鲁思（Ruth）。克莱普顿和伊冯没有对外公开孩子的出生。1989年飓风雨果席卷了蒙特塞拉特岛， 伊冯作为常务董事的「乔治马丁爵士和约翰伯吉斯录音室」也因而关闭。伊冯和鲁思搬回了英格兰，埃里克的秘密女儿的故事也被报纸披露（鲁思在克莱普顿1998年的专辑《朝圣》（Pilgrim）里说了一句歌词）。

　　1986年8月克莱普顿和意大利模特劳丽·黛尔·桑托（Lory Del Santo）的儿子康纳（Conor）出生（当年的专辑《八月》就是以他儿子的生日命名）。
　　克莱普顿和贝蒂于1989年正式离婚。

　　1990年代，悲剧两度降临到克莱普顿的生活。1990年8月27日，曾和克莱普顿合作的吉他手史蒂夫·雷·沃恩和其它两位成员在一次直升机空难中逝世。不久，1991年3月20日，就在Eric Clapton的46岁生日前夕，他最疼爱的年仅四岁的儿子Connor由于意外而不幸夭折。Eric Clapton陷入了非常巨大的痛苦之中，万念俱灰的他创作了令人伤心欲绝的经典单曲《Tears in Heaven》，但是此后数年的时间里，他都没有再进入录音室录制专辑。次年1月这首歌入选了电影《Rush》的原声，这首单曲成为了美国那一年最具轰动影响的单曲。

1991年Eric Clapton在伦敦举办了一次盛况空前的音乐会，在这次持续了24个夜晚的系列音乐盛会中，他与代表不同风格的交响乐团、布鲁斯乐团和普通流乐团合作，创下了一个摇滚史上永恒的佳话。这一系列的音乐会后来汇聚成一张空前精彩的专辑叫做《24 Nights》。从那以后Eric Clapton每年都会在阿尔伯特音乐厅举办一场演唱会。

　　1992年，Eric Clapton终于接受了MTV台的邀请，参加不插电节目的现场演出，随后1992年8月，在MTV台的不插电演唱会制作成为现场专辑发行，这张专辑迅速成为了排行榜的主力，几个月时间全美销量就突破了七百万张，到1996年全美已经突破了1000万张，其中的《Tears in Heaven》在世界各地成为了强势打榜单曲。这张不插电专辑同时为Eric Clapton赢得了六项格莱美奖，不过这并不是这位吉他大师第一次获奖。

新的成就

借助着不插电专辑引起的轰动，重新回到了事业的巅峰，再一次向人们证明了他世界第一吉他演奏家的地位，也重新赢得了歌迷的巨大支持，评论界的一致称赞更是不绝于耳。

1994年，Eric Clapton发行了五年之后的第一张录音室专辑《From the Cradle》，这是一张纯粹的布鲁斯音乐专辑，Eric Clapton在多年之后终于完全回到了布鲁斯音乐的道路上，这也是众多热爱Eric Clapton的歌迷最希望看到的，很久没有出现的“上帝”称呼又再次被歌迷们喊起。这张专辑无论在评论界还是在商业上都赢得了非常巨大的成功，成为了Eric Clapton音乐生涯中最经典的布鲁斯专辑。

　　1996年，克莱普顿为电影「现象」（Phenomenon）创作的「改变世界」（Change the World），获得了1997年葛莱美奖最佳年度歌曲大奖。

　　1996年，克莱普顿和歌手及歌曲作者雪儿·克罗（Sheryl Crow）交往。两人的情侣关系维持时间不长。谣传雪儿写的「心爱的错误」（My Favorite Mistake）就是描写他们之间的爱情的。到现在两人还保持着友谊。

1997年时使用笔名与电子组合T.D.F.合作了专辑《Retail Therapy》

1999年，54岁的克莱普顿在洛杉矶结识了年仅23岁的绘画师玛利亚·麦克埃纳里。他们于2002年在克莱普顿的家乡里普利圣玛利亚·抹大拉教堂结婚。他们一共有三个女儿，朱莉·罗斯（2001年出生）、埃拉·梅（2003年出生）和索菲（2005年出生）。他为她们创作了歌曲「三个小女孩」（Three Little Girls）。

　　2000年，Eric Clapton终于再次回到了布鲁斯音乐的道路上，他和时年75岁高龄的布鲁斯音乐元老、著名吉他演奏大师、Eric Clapton多年的老朋友B.B. King一起合作发行了迄今为止最经典的布鲁斯音乐专辑之一的《Riding With The King》。这张专辑再次让Eric Clapton征服了格莱美和无数布鲁斯音乐迷。
　
　　2001年Eric Clapton又发行了一张非布鲁斯风格的专辑《Pilgrim》，这张专辑也遭到了评论界的炮轰，不过这张专辑的销量还算非常不错，并且诞生了格莱美获奖单曲《My Father’s Eyes》。

　　2002年10月，克莱普顿策划了在皇家艾伯特厅举行的乔治音乐会，以纪念乔治·哈里森逝世一周年。音乐会汇集了保罗·麦卡特尼、林格·斯塔、杰夫·林恩 （Jeff Lynne）、汤姆·佩蒂 （Tom Petty）等巨星。

　　2003年克莱普顿在日本举行了巡回演唱会。同年，滚石杂志评选最伟大的一百位艺术家，克莱普顿排名53位。在这个名单里，他在仍然健在的吉他手里面排名第二，位于B.B.金之后。

　　2004年新年前夕，Eric Clapton被英国女王伊丽莎白二世授予了大英帝国最高勋位爵士称号(Commander of the Order of the British Empire)。

　　2004年3月30日，Eric Clapton这位当代最伟大的吉他大师发行了一张纯粹的布鲁斯音乐专辑《Me and Mr. Johnson》，一张Eric Clapton向对于他影响很大的20世纪初的布鲁斯音乐先锋、吉他大师Robert Johnson致敬的专辑，翻唱了14首Robert Johnson的作品，再次赢得了评论界和商业上的一致成功。

　　2005年8月30日，Eric Clapton发行了个人最新录音室专辑《Back Home》。

　　2006年11月7日，他与J.J.卡尔合作，发行了专辑《通往埃斯孔迪多之路》（The Road to Escondido）。这张CD一共收录14首歌，于2005年8月在加利福尼亚录制，包括布鲁斯、摇滚和乡村音乐。这张专辑受到了全球歌迷的欢迎。

　　2007年克莱普顿推出了自己的回忆录，由克里斯多佛·西蒙·赛克斯（Christopher Simon Sykes）撰写。据报道在2005年的法兰克福书展以400万美金价格成交。

音乐引路人

　　克莱普顿和许多艺术家合作过。他提到弗雷德·金、B.B.金、艾伯特·金、巴迪·盖伊等人对他的吉他演奏影响很大，尤其是罗伯特·约翰逊。在纪念专辑「我和约翰逊先生」（Me and Mr. Johnson）的衬页写道：
　 「值得注意的是，我的音乐生涯中有一个人对我启蒙和影响很大…我一直认为这是我音乐基础的关键…我说的是罗伯特·约翰逊。」

　　在埃里克·克莱普顿写的《走近罗伯特·约翰逊》（Discovering Robert Johnson）一文中，他再度提到：
　 「我认为罗伯特·约翰逊是最伟大的布鲁斯音乐家。他毫无疑问是过去30年来将我带入音乐殿堂的人，我从未发现比罗伯特·约翰逊更充满激情的人。他的音乐里有最具力量的呼喊…」

寻找父亲　　

虽然克莱普顿的祖父母将他身世的真相全部告诉他，然而他父亲的确切身份在很多年后还是一个谜。克莱普顿只知道他父亲叫做爱德华·弗赖尔，没有其它更多的信息。这是克莱普顿焦虑不安的源泉，在他1988年的作品「父亲的眼睛」（My Father’s Eyes）中他写道：
　　「我是如何来到世间？什么时候我所有的愿望可以实现？…当我看到我父亲的眼睛。」

　　一个多伦多的叫麦克尔的旅行者，开始着手揭开谜团。他调查了加拿大军队的服役档案，并寻找所有名字为爱德华·弗赖尔的人，终于找到了真相。他父亲全名为爱德华·瓦特·弗赖尔，于1920年3月21日在蒙特利尔出生，于1985年5月15日在北约克逝世。弗赖尔是一个音乐家（钢琴和萨克斯），他终生流浪，几度结婚，并育有几个孩子。显而易见，他从来不知道自己是埃里克·克莱普顿的父亲。

配乐的电影　　

1984年电影「金钱本色」（The Color of Money）收录了「它伴你一路前行」（It’s In The Way That You Use It）。这首歌曲是克莱普顿和罗比· 罗伯特森（Robbie Robertson）一起创作的。这首歌先出现在电影配乐里，之后收录到克莱普顿的唱片中。

　　1990年电影「好伙伴」（Goodfellas）收录了克莱普顿两首歌：德雷克和多米诺乐队的「莱拉」（Layla）和奶油乐队的「爱的阳光」（Sunshine of Your Love）。奇怪的是，「莱拉「采用的不是由克莱普顿的吉他和弦伴奏，而是采用吉姆·高登（Jim Gordon）的钢琴伴奏。

　　1991年克莱普顿为电影「乱」（Rush）配曲。

作为世界上活着的最伟大的吉他演奏大师、布鲁斯音乐的精英，Eric Clapton一共获得过惊人的16次格莱美奖。1972年度第15届格莱美奖典礼上，由Eric Clapton参加的，包括Bob Dylan，George Harrison，Ringo Starr以及现著名爵士女歌星诺拉.琼斯(Norah Jones)的父亲Ravi Shankar等人在内的群星现场专辑《Concert For Bangla Desh》就获得了年度最佳专辑大奖(Album Of The Year)。1991年，在1990年度第33届格莱美奖颁奖典礼上，Eric Clapton凭借单曲《Bad Love》获得了最佳摇滚男歌手奖(Best Rock Vocal Performance, Male)。1992年的不插电专辑为Eric Clapton一举赢得了，第35届格莱美奖六项大奖，单曲《Layla》获得了最佳摇滚歌曲奖(Best Rock Song)，单曲《Tears In Heaven》让Eric Clapton获得了最佳流行男歌手奖(Best Pop Vocal Performance, Male)，这张专辑《Unplugged》还让他再次获得了最佳摇滚男歌手奖，在同一届格莱美奖上包揽最佳流行男歌手奖和最佳摇滚男歌手奖也是书写了一段传奇。除此之外，《Tears In Heaven》还获得了年度最佳单曲奖(Song Of The Year)和年度最佳唱片奖(Record Of The Year)，专辑《Unplugged》还获得了年度最佳专辑奖(Album Of The Year)。两年后，在第37届格莱美颁奖典礼上，专辑《From The Cradle》获得了最佳传统布鲁斯专辑奖(Best Traditional Blues Album)。又过了两年，在1997年举行的第39届格莱美颁奖典礼上，由Eric Clapton参加的，包括B.B. King，Buddy Guy，Jimmie Vaughan等人在内的纪念因直升飞机坠毁而不幸去世的布鲁斯吉他演奏大师Stevie Ray Vaughan的作品《SRV Shuffle》获得了最佳摇滚器乐演奏奖(Best Rock Instrumental Performance)，还是在这届颁奖里上，Eric Clapton的畅销单曲《Change The World》还令他第二次获得了最佳流行男歌手奖，而单曲《Change The World》也获得了年度最佳唱片奖。又是两年以后，第41届格莱美颁奖典礼上，Eric Clapton的单曲《My Father’s Eyes》让他第三次获得了最佳流行男歌手奖。1999年度第42届格莱美颁奖典礼上，Eric Clapton和Santana合作的《The Calling》再次获得了最佳摇滚器乐演奏奖。2001年举行的第43届格莱美颁奖典礼上，Eric Clapton与B.B. King在2000年发行的经典专辑《Riding With The King》再次获得了最佳传统布鲁斯专辑奖。次年第44届格莱美颁奖典礼上，凭借《Reptile》，Eric Clapton又获得了最佳流行器乐演奏奖(Best Pop Instrumental Performance)，这也是他第16次获得格莱美奖的金留声机了。显然，这位当今世界第一吉他演奏大师，会在将来抱回更多的金留声机。

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　　1925 年 9 月 16 日，King 生于密西西比三角洲的伊塔比纳（Itta Bena），原名 Riley B. King。父亲给他留下了一个有帝王之音的姓氏–King，但儿时的King却流离于母亲与祖母之间，生活艰辛。少年时代，和他的父母一样，King首先成了一个佃农，并在教堂学习唱诗。因为，King的母亲和外婆都是异常虔诚的信徒，King的演唱风格在教众的影响下逐渐形成他日后那种充满力量的、魅力超凡的音色，而传教士用吉他作为伴奏乐器也使得还是佃农的King为之着迷。于是，不久以后，这个传教士便开始教King弹E、A、B三个和弦。

　　密西西比三角洲的佃农生活和教堂的音乐教育使King 沉浸于乡村音乐与福音音乐之中，他先后组建和参加了两三个福音演唱组，通常他们在教堂里演唱，但偶尔也会有机会在密西西比格林沃德（Green word）的WGRM广播电台做现场表演。在演唱的时候，Riley会加上一把吉他。不过，每逢星期六晚上，King都会在印地亚诺拉（Indianola）的街头玩布鲁斯。对他来说，布鲁斯音乐并不新鲜，他的表亲Bukka White就是孟菲斯有名的布鲁斯乐手，在他们还住在一个地方的时候，Bukka不时会来探望King。

　　1946年夏天，King第一次来到了孟菲斯，在那里的比利街（Beal Street）他找到了Bukka White，Bukka收留了他。在其后的10个月里，Bukka教了这个热忱的密西西比青年演奏布鲁斯的一些技巧。在孟菲斯，King的天才得到了发掘，他从与其他孟菲斯布鲁斯乐手的即兴合奏中学到了不少东西，而Bukka也将一切能使King成为一位成功布鲁斯乐手的东西都教给了他：从怎么样抱吉他到如何组织歌词。更重要的是，King从Bukka身上感受到一种对音乐的执着。缺了这一点，可能就不会有今天的B.B.King了。

　　回家后没过多久，King 就决定再次向孟菲斯出发–毕竟种植谷物的佃农生活和King的音乐天赋的确相差甚远。1948 年底，King重返孟菲斯，随即开始了他的职业音乐生涯。当时，孟菲斯有一家成立仅一年多的广播电台–WDIA memphis，这是美国南方第一家从员工到管理者都是黑人的无线电台，电台雇佣King做了节目主持人，每次他们给King十分钟的时间。在这段时间内，King可以弹吉他或唱任何东西，只要他能宣传一种新的汤料Pepticon。于是，凭着自己的独特音乐，King很快就成了有名的”Pepticon小子”。由于他大受欢迎，电台对他的节目更加用心，并把他当作DJ来包装。King在他的新节目”Sepia Swing Club(乌贼摇摆俱乐部)”中，播放黑人乐手的录音并接受听众的点播演奏吉他或演唱。作为一名DJ，他需要一个艺名，一开头叫”Beal Street Boy（比利街布鲁斯小子）”，后来他改名为”Blues Boy King(布鲁斯小子·金)”。最后，这个名字被简缩为闻名于世的”B.B.King”。在WDIA当DJ的几年（1948年～1952年）里，King为Bullet Recording（子弹录音公司）和RMP录制了多支单曲，其中包括一首为妻子所做的”Miss Martha King”。

　　1950年圣诞节之后几天，B.B.King为RMP录制的第17首单曲《Three O’Clock Blues》（三点钟布鲁斯）打上了Billboard(“公告牌”榜)的R＆B（节奏与布鲁斯）唱片榜。1951年元旦过后，这首歌登上榜首并保持了15周之久。由此，B.B.King终于成为了全美公认的布鲁斯音乐家。然而这次成功却给King的婚姻带来了危机：一对没有孩子的夫妻要么一同走上巡回演出的行程，要么分居两地。在巡回演出的途中，King收到了Masha在离婚协议上签字的消息。这虽然给了King一个打击，但却让他写出了《Woke Up this moming》（今早醒来）的灵感。这首歌是继《Three O’Clock Blues》之后的第二支大热门曲子。经过8年的婚姻生活，King与Masha终于在1952年宣布离婚。

　　50年代是 King 在节奏与布鲁斯领域缔造地位的时期。在那段时间，他录制了 20 首上榜作品，如”You Know I Love You（你知道我爱你）”（1952）、”Woke up This Morning（今晨醒来）”（1953）、”Please Love Me（请爱我）”（1953）、”When My Heart Beats Like A Hammer（当我心如锤般跳动）”（1954）、”Whole Lotta’Love（全部的爱）”（1954）、”You Upset Me Baby（宝贝你让我心烦）”（1954）、”Every Day I Have the Blues（每天我都有布鲁斯）”（1955）、”Sneaking Around（潜行）”（1955）、”Ten Long Years（漫长十年）”（1955）、”Bad Luck（厄运）”（1956）、”Sweet Little Angel（甜蜜小天使）”（1956）、”On My Word Of Honor（我荣誉之言）”（1956）、”Please Accept My Love（请接受我的爱）”（1958）等。

　　1958年6月，King娶了他的第二任夫人–苏·霍尔（Sue Hall）。苏的母亲是印地亚诺拉Club Ebony（乌木俱乐部）的老板娘，B.B.King在那儿认识了比他小15岁的苏。他带着她跑了六个月，然后在洛杉机买下房子，苏开始在那儿筑巢，但King却极少在家。就如第一次婚姻一样，B.B.King不断地巡回演出毁掉了这桩婚姻，他们于1966年离婚。而B.B.King的反应又是录制了他最红的一支歌：”The Thrill is Gone（激情已逝）”。对于音乐家来说，也许只有音乐本身才是他们永远的伴侣。

　　摇滚乐的诞生创造了一批黑人明星：Little Richard，Fats Domino，James Brown和 Chuck Berry。而King却并不走运，他的黑人音乐在白人主流音乐圈中仍被孤立。尽管King于60年代初把他的预约代理转给ABC唱片公司，但他仍然无法找到一个通向主流音乐的缺口。King感到挫败，1968年以前，他在白人听众面前演出不超过两场，而且都是灾难性的。尽管运气欠佳，这段时期King的音乐却比以往任何时候都好，如60年代初的经典之作”Sweet Sixeen（甜蜜的16岁）”。1965年左右，情况发生了变化，这个转变从白人第一次在Newport民歌节上听到Sun House和Mississippi John Hurt的演唱开始。在那一天，有一个叫做Butterfield Blues Band的新组合登台演出，他们引发了一股强大的全国性潮流。不久这支乐队推出了首张专辑并赢得了美国中产白人的欢心。新的刺激来自乐队吉他手Elvin Bishop与Mike Bloomfield所制造的根源性的、奇特的音乐音效。所有的人都在问他们：”你们从哪学会这样弹琴的？”两个吉他手老实地回答：”我们抄袭B.B.King的华彩乐句。”当人们瞠目结舌地问到”他是谁”时，Bishop和Bloomfield总会说：”一个真正的怪物。”

　　实际上，即便是在当时，King也算不上是一位通常意义的吉他高手，他自称只知道几个和弦，而且只能弹单音的独奏，并且没有办法边弹边唱。但是，B.B.King却影响了后代无数的吉他手，最主要的原因是他能将他的感情投入他的演奏，能使他的吉他”唱”起来。既使只有一个音符，King也能用各种方法使它发出特别的音色。对于今天的布鲁斯吉他手，如果不使用推弦技巧，几乎无法演奏。而据说，King是第一个使用推弦技巧的吉他手，其在蓝调界的地位自然无可争议。

　　在美国主流音乐界终于听说了B.B.King这个名字后，整个世界都似乎为他的出现作好了准备。1969年，B.B.King第一次在电视网的”今夜表演”节目上作演出。1971年，King出现在Ed Sullivan节目上。能在Sullivan节目上演出，意味着一名真正的明星诞生了。B.B.King认为一位布鲁斯乐手最重要的能力就是他面对现场观众时表现出的技巧。他曾经以伟大的乐队领队、萨克斯风演奏家和歌手路易斯·乔丹（Louis Jordan）作为模仿对象。你可以在”How blue Can You Get（你有多忧伤）”中听到一段B.B.king最出名的、从乔丹那借来的节奏谱线。另一个明显的例子是B.B.King的”Nobody Loves Me But My Mother（除了妈妈没人爱我）”。

　　King是70年代期间布鲁斯乐手中能不断推出热门作品的少数人之一。原因是他不惧怕实验。1973 年，他到费城录制了2首热门歌曲：”To Know You Is To Love You”和”I Like To Love The Love”。1978年，他与爵士风格的The Crusaders合作录制了”Never Make Your Move Too Soon”和”When It All Comes Down”。而试图融会纳什维尔乡村之声的专?Love Me Tender”，则是一个艺术失败。虽然King的演出总是无可挑剔（他也能保持每年 300 场演出的水平），但他也注重录音室的工作。1993 年，在为MCA公司录制的”Blues Summit”中，King与John Lee Hooker、Etta James、Koko Taylor等伙伴进行了二重奏。

　　2000年，King与另一位公认的吉他巨匠Eric Clapton合作了专辑”Riding With the King”。两位大师级人物在这张专辑中让他们的音乐灵感和天赋尽情碰撞：King言简意赅的填词、极富戏剧性的颤音和Eric 　Clapton明朗有力的底音、轻松快速的节奏非常协调的结合在一起，双方配合地天衣无缝、相得益彰。同时，这张专辑也获得了第43届格莱美”最佳布鲁斯专辑”奖。

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音乐会上星光熠熠，云集了包括摇滚,乡村,爵士,布鲁斯，印度民乐等各个流派的吉它音乐大师，如Carlos Santana、Jeff Beck、James Taylor、ZZ Top、Steve Vai、Robert Cray、Neal Schon、蓝调之王B.B. King等众多知名歌手，而音乐会两张DVD取得了总共八次白金销量的骄人成绩。

Clapton说他创办这个音乐节的原因是为了让他的朋友和当代杰出的吉他手可以尽兴地一起表演。“举行吉他音乐节其实是从我的一个梦里得到灵感，聚集一批天才音乐家在舞台上表演，”他解释，“吉他音乐节上的音乐家都是我欣赏并敬佩的。”此外，另一个目的也是为了给位于Antigu的Crossroads Centre筹募基金并提升其知名度。该中心是由Eric Clapton于1997年发起成立，目标致力于酒精、毒品等戒瘾治疗与教育。

by wanglu

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她的魅力源自她的自然和爽朗。

Raitt的嗓音条件和演唱技巧都很出色，快歌、慢歌都游刃有余。她的歌很多描写爱情及两性的冲突，但歌词不落俗套，发人深省却不晦涩。如我最喜欢的“I Can‘t Make You Love Me”（from Luck of the Draw album)歌曲，描写失恋，也那么舒缓自然，在感伤的背后展现出她的坚强、聪慧和乐观，只是二十多岁的女孩子无法感受的，也是不能企及的。

星路历程
Bonnie Raitt，1949年11月8日出生，她是百老汇明星John Raitt的女儿，她的母亲Marjorie是一位才华横溢的钢琴家。受她母亲的影响，Raitt9岁时开始学弹钢琴，曾经梦想成为像她母亲那样出色的钢琴家。在她12岁时，对布鲁斯产生了极大的兴趣，学会弹奏吉他，后来1967年加入了Rudcliffe乐队，在布鲁斯酒吧演出。这个红发的Blues女性，她的热情，她无拘无束的演唱，以及她对Blues吉他演奏的独特认识，很快为人们所了解。

John Raitt在哈佛Radcliffe学院学习时，对政治和音乐的热情丝毫不减，成为学校中反战组织的领头人物。业余时间专心研习非洲文化，希望将来能到坦桑尼亚去作一名慈善工作者。那时她结识了许多如Junior Wells那样的著名布鲁斯艺人，常常可以看见一个一头红发的小姑娘和一帮70岁左右的老头呆在一起喝酒聊天，时不时唱上两句。

几年后，由于对音乐的热爱终于使她放弃了去非洲的愿望。从Radcliffe辍学后，便与华纳唱片公司签约，开始了她的歌手生涯。

1971年，Raitt推出第一张同名专辑，以R&B及传统布鲁斯风格为主，这也成为她日后的艺术风格。1972年的《Give It Up》和1973年的《Takin’ My Time》取得了不错的成绩，但直到1977年的《Sweet Forgiveness》才算真正的成功，其中翻唱Del Shannon的“Runaway”成为她的第一首热门歌曲。之后的《The Glow》(1979)、《Green Ligh》t(1982)，《Nine Live》s(1986)，使她获得了数项格莱美大奖提名。

但是，在80年代，Raitt的反战活动取代了歌唱成为她的主要事业，她的名字与反核紧紧地联系在一起。与此同时，情爱上的失意遏制了bonnie的创造力，开始了酗酒，体重也开始增加。她整整蹉跎了10年，可能正是这个原因，她与她理应得到的声名擦肩而过，和她同时期的Joan Baze, Janis Joplin, Patti Smith无一不是摇滚乐中大师级人物，也许只能说是命运跟bonnie开了个玩笑。

使她走出低谷的是与流行歌星Prince的合作，虽然没有两人的合作太大的成果，但是使她从精神低谷走了出来。1989年的《Nick of Time》是她的转折点，为她赢得了当年度4项格莱美奖，包括“年度最佳专辑奖”。

几年后的《Luck of the Draw》(1991)、《Longing in Their Hearts》(1994)、《Road Tested [live]》(1995)，《Fundamental》(1998)，《Silver Lining》(2002)都获得更大的成功。

来源http://blog.sina.com.cn/s/blog_54844ea70100049v.html

I Can‘t Make You Love Me
Turn down the lights Turn down the bed
Turn down these voices inside my head
Lay down with me Tell me no lies
Just hold me close don’t patronize
Don’t patronize me
Cause I can’t make you love me if you don’t
You can’t make your heart feel something it won’t
Here in the dark in these final hours
I will lay down my heart
And I’ll feel the power but you won’t
No, you won’t
Cause I can’t make you love me if you don’t
I’ll close my eyes then I won’t see
The love you don’t feel when you’re holding me
Morning will come and I’ll do what’s right
Just give me till then to give up this fight
And I will give up this fight
Cause I can’t make you love me if you don’t
You can’t make your heart feel something it won’t
Here in the dark in these final hours
I will lay down my heart
And I’ll feel the power but you won’t
No, you won’t
Cause I can’t make you love me if you don’t

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我是听埃瑞克.克莱普顿的歌曲才知道BLUES的，白人把这种黑人音乐玩的如此好，也许只有他一人了。克莱普顿被誉为吉他之神，所以光听他的歌曲，如果不看他演唱会特别是92年版的演唱会dvd，那你不会对他有深刻了解的，也不明白一个胡子拉撒,不修边幅的歌者为何有如此魅力,当然能够有机会看现场那更没得话说。看了这个不插电演唱会，才知道他的吉他演奏技巧是那么的华丽和高超，知道音乐可以这么玩,知道他的歌曲非常有感染力，感觉到他是在用心做音乐。乐队每个乐手都陶醉其中，包括观众。如果看了不被音乐和现场气氛感染和打动，那才叫怪。另外他的2001年的演唱会，我也喜欢，其中一部分是插电，一部分不插电表演。

想当初还没有流行DVD的时候，为了获得这张VCD专辑，几乎跑遍了武汉市大大小小的音像店，后来总算买到了一张D版，回去一放，声音巨小，没有办法，只能再淘，后来总算淘到一张品质好的。

1992年发行的这张《Unplugged》专辑获得该年度葛莱美“最佳专辑”，同时也是MTV不插电专辑中商业销售最佳的一张。之后许多知名的歌手纷纷答应MTV音乐台邀请举办不插电小型演唱会，证明自己不靠录音室特殊处理技巧而是凭借实力来演唱。此专辑里另一首名曲Layla曾三度进榜并且进入前20名，在葛莱美奖中继Tears In Heaven得到“年度歌曲”与“年度唱片”后，拿下“最佳摇滚歌曲”奖。

by wanglu

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