关于威尔弟著名的歌剧《弄臣》，它算是作曲家从早期创作挣扎中摆脱出来，顺利进入成熟后期的成名作，一个特具作曲家标志性的里程碑。是威尔第名扬全球的一部歌剧，因为这部作品，也确立了威尔第歌剧改革家的地位。由这部作品也更能深一层地探究威尔弟作品的本质。
在威尔弟的笔下，公爵身边在朝臣看待弄臣的眼光有些轻视，也有怜悯，而弄臣保护自己的方式就是先自嘲一番，再用那些笑话来回敬他们。这样看来，不论把维克多．雨果的原作改编成什么样的时代背景，都不能摆脱这是一个有关权力故事的本质，它虽是喜剧，却令人深感不安。 (全文…)
自卡鲁索、吉里和斯基帕之后，意大利在50 -60 年代涌现了一批非常优秀的世界级男高音歌唱家，其中又以斯苔芳诺和莫纳柯最享盛名。
1947年，纽约大都会歌剧院院长爱德华·约翰逊来到意大利，他在米兰的一位老朋友、著名的男中音歌唱家路易·蒙蒂桑托邀请他去听一位年轻的意大利男高音歌手的演唱。当这位青年歌手开始唱头几句时，他的声音就引起了约翰逊的注意：这是清新、纯正、圆润的声音，这样的声音已经很久没有听到了。约翰逊当即做出决定：“这位抒情男高音应当到大都会去演唱，而且必须在这个演出季节就去。”
这次会见对这位青年歌手来说是非同寻常的，几个月以后，他在大都会歌剧院的舞台上获得了巨大的成功。在音乐报刊出出现了一个新的名字― 朱塞佩· 迪· 斯苔芳诺。 (全文…)
文/单宏健
（凯鲁比诺咏叹调）
莫扎特是世界音乐史上罕见的天才,在他短暂36年的生涯中就创作了600多部音乐作品,他对音乐的巨大贡献毋庸置疑,为人类留下了辉煌的艺术遗产。他除了在器乐领域里,创作有那些标志着一个特定历史发展阶段的交响曲、协奏曲、奏鸣曲、室内乐等形式的作品之外,吸引我们的无疑还有他的歌剧作品。了解莫扎特歌剧的艺术特点,认识这些歌剧作品的基础,最为重要的是了解这些歌剧中的喧叙调、咏叹调等唱段。而怎样演唱好这些唱段,把握好这些唱段的演唱技术手段,是十分关键的问题。本文摘取了《费加罗的婚礼》歌剧中经典的唱段,研究其具体的音乐形态。尤其是对这些唱段的歌唱技术、音乐形态、演唱内涵等进行了探讨,期望通过这样的研究,能够更加深入理解这部歌剧的思想性和艺术性,认识其唱段的艺术魅力,从而认识这部作品的伟大。 (全文…)
才华的展现与心血的凝聚——析门德尔松《e小调小提琴协奏曲》
文/张梦榕
摘 要：门德尔松的《e小调小提琴协奏曲》从多角度展现了作曲家的创作特点，虽然谈不上深刻伟大，却充满了浪漫主义气息。本文通过对《e小调小提琴协奏曲》音乐本体进行分析，力求管窥出其创作特点及其历史成因。
关键词：门德尔松 e小调小提琴协奏曲 创作特点
(众大师诠释的《e小调小提琴协奏曲》）
在浪漫主义时期有一位幸福的天才——门德尔松。之所以说他幸福，是因为他出身于一个富足文明的家庭并且生活在一个政治相对稳定的时代；之所以说他天才，是因为他天资聪颖、才华横溢，在音乐、文学、美术、外语等方面都很有造诣，特别是他在音乐方面所取得的巨大成就更是给他本来已十分显赫的家族锦上添花。
门德尔松创作题材广泛，风格华美优雅。门德尔松从1838年起开始构思《e小调小提琴协奏曲》，直至1844年才正式完成了全部创作，全曲的创作贯穿了作曲家的两个创作阶段。在写作过程中，门德尔松经常致信他的好友——小提琴家费迪南·大卫。在信中，他不断地向大卫征求意见，以使作品更加完美。1845年，《e小调小提琴协奏曲》首演并取得了巨大的成功。 (全文…)
内容提要:本文对门德尔松与他的《无词歌》进行了历史回顾,对他的艺术风格的形成进行了探讨,分析了《无词歌》的音乐特点。总结出作曲家独特的艺术魅力及成因,以期对今天的创作有一定的启发作用。
关键词:门德尔松《无词歌》 声乐化的器乐曲 艺术风格
雅克勃•路德维希•费里尔•门德尔松-巴托尔迪 Jakob Ludwig Felir Mendelssohn-Bartholdy (1809-1847),德国作曲家, 12岁开始创作,17岁即完成《仲夏夜之梦序曲》,21岁起研究和整理巴赫的作品,为这位音乐之父的作品得以复生作出了最重要的贡献。27岁在莱比锡任指挥,1843年创办德国第一所音乐学院,38岁时即病故。
门德尔松出生于1809年2月2日的汉堡,与十八世纪的奥地利作曲家莫扎特并称为音乐史上最天才、最早熟的作曲家。门德尔松本身特有的音乐才能加上围绕在他身边亲切友善的人际关系,使他的作品大多呈现出愉快而细腻、优雅而敏感、轻松而质朴的风格特征。门德尔松从不在音乐中追求过份的忧郁、病态的多情,你也不能从他的作品中找到深刻的对时代、对社会矛盾的呼喊,他的作品总与现实斗争保持一定的距离,因此他总被看作是柔弱的附庸风雅,被认为是复古保守分子,永远不能超越年轻时创造的童话世界向前发展。事实上,这样的评价对门德尔松来说并不公平,他的音乐真正的价值并不在于反映现实,而在于表现人类最单纯、直挚、积极、乐观的感情和精神,“他的作品对人类精神的升华、情感的调节、智力与创造力的启迪会起到一定的作用。他的美学理想与哥白尼、开普勒、斯宾诺莎、牛顿、爱因斯坦所追求的宇宙的和谐、有序、完美的哲学观也有某种一致性。” (全文…)
文/周黎明
（电影《愤怒的公牛》的主题曲《乡村骑士》间奏曲）
我对于电影中歌剧的理解纯粹是感性的，自我的，没有任何理论基础。想到电影中对于歌剧的运用，是因为当年《十面埋伏》的地毯式宣传轰炸，弄得你躲进地窖都知道该片的主题歌是由国际顶级的歌唱家用英语演唱的。在每一个细节都可以引起媒体炒作的宣传大师手里，主题歌当然是不可忽视的炒作素材。但是，纯粹从艺术角度讲，像《十面埋伏》这样的影片是否应该采用歌剧唱法的主题歌，是否应该用英语，那是一个应该理性对待的议题。
我觉得演唱者是否中国人并不是问题。《卧虎藏龙》用华人马友友，马友友本身就是全球大提琴的第一块金字招牌。但全球范围内至今没有一个华人歌唱家能跻身一线女高音的行列，能登上国际四大歌剧院演主角的亚洲女歌唱家，只有韩国人。况且，西洋歌剧演员习惯于用各种语言演唱，只要能够把字咬准（这比念台词容易多了），我看没有什么不妥。
除了题材涉及歌剧的影片外，电影中出现歌剧（包括歌剧式的歌曲），应该慎之又慎。也许是因为我们已经习惯了电影配乐，器乐的出现被认为是常态，而声乐则多少有点突兀，尤其是歌剧那样极其夸张、高度风格化的声乐。其表现力很强，可以画龙点睛，也可以画蛇添足。在《魔戒》中，歌剧大合唱均出现在需要把气氛推到高潮的地方。影片《光荣》中出现的《布兰诗歌》，也有相似的作用。这时，即使是最憎恨歌剧的观众，恐怕也不会有什么怨言。
电影中用歌剧是否恰到好处，在我的印象中可以粗分为几种不同类型。
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[加]凯文·巴扎纳 著 刘家蓁 译
格伦·古尔德,作为本世纪最具精神魅力的钢琴演奏家之一，他演绎的巴赫《哥德堡变奏曲》已成为音乐史上的瑰宝。巴赫的作品并不是他的最爱，然而他手下的巴赫却成为千万听众的最爱。本书由加拿大著名音乐史学家、传记作家凯文·巴扎纳所著，把一个立体矛盾的天才音乐家展现在读者面前。
他演奏了自己的安魂曲
他走了，就在1982年10月4日、他五十岁生日过后不久。历史上很少有古典音乐演奏家在死后这么久仍然维持这么高的知名度。同年10月15日那一个酷寒的下午，在多伦多最大的教堂圣保罗教堂举行了一个简单的追悼会。 (全文…)
文/胡文雁
那种漂泊、孤独和无助感像海浪一样涌上来又退下去，留下浅浅的身影，不知从哪里来，也不知流向何处，余韵实在令人玩味。
拉小提琴的没有不知道萨拉萨蒂(Pablo de Sarasate)的，不拉琴的，即使对他没印象，大概也听过他的《流浪者之歌》(Zigeunerweisen又名吉普赛之歌)。
这是一首以吉卜赛人情感、生活为背景的乐曲，短短不到10分钟，却回肠荡气，感伤的色彩与艰涩深奥的小提琴技巧所交织出的绚烂效果，任何人听后都会心荡神驰。
它有一个躁动不安的开头，一个如泣如诉的中部和一个狂放自负的结尾，几乎所有小提琴家都毫不掩饰对它的偏爱，把它当作技巧的试金石，而作为听众，我们也往往抵御不了它的“诱惑”，情绪只能随它摆布，欲罢而不能。
历来把此曲录成唱片的小提琴家多不胜数，各有各好，见仁见智，但晚年的海菲兹在演奏此曲时简直如有神助，那种漂泊、孤独和无助感像海浪一样涌上来又退下去，留下浅浅的身影，不知从哪里来，也不知流向何处，余韵实在令人玩味。
我很好奇如果由萨拉萨蒂自己来演奏此曲，会是怎样一种情调？他生于西班牙潘普洛纳 ，对吉普赛民族的精神和本质会不会有不同的体会？
在西班牙人眼里，萨拉萨蒂等同意大利的帕格尼尼，琴艺惊世骇俗，具有非凡的魔力。 (全文…)
文/曹利群
【按】曾作为《爱乐》主编的曹利群在本文中从人文，人性，音乐，历史等方方面面为富特文格勒做了深刻的“辩护”，已经超出纯音乐的范畴，恐怕这也是富特文格勒的争议所在。
1954年11月30日，一个普通的日子，但却有一个伟人逝去，一个浮士德式的人物富特文格勒，带着他对德国文化的挚爱与悔恨走完了生命的最后历程。50年后的今天，所有热爱他的人纪念他，绝不仅仅因为他是一个指挥家、作曲家、音乐家，而是因为他是那个时代的代表。几个世纪以来，我们已经习惯于用某个人的名字来描述一段历史，包括音乐的历史；他们的名字成了特定时期、特殊的艺术风格的代名词。德国作曲家欣德米特说：“富特文格勒是在第二次世界大战后的十年，成为德国文化的形象，是他使德国文化重新站立起来。”其实在战争期间，不也是他顽强地独立支撑着风雨飘摇中的德国文化么？如果没有人在纳粹的统治下发出一点纯粹的声音，恐怕整个德国文化就会土崩瓦解。那样的话，那些被炸毁的德国各大城市的歌剧院、音乐厅、博物馆乃至教堂，就不仅仅是物质的废墟，而且也是精神的瓦砾了。 (全文…)
文/刘钢
（一）古尔德演奏的《哥德堡变奏曲》
巴赫一生作品无数，可奇怪的是《哥德堡变奏曲》这部作品却长期不受重视。直到 1955年加拿大钢琴家古尔德（Glenn Gould，1932~1982）将其选作自己的第一张录音作品。终于使其成为“永恒的经典”。就此而言，古尔德之于《哥德堡变奏曲》犹如门德尔松之于巴赫。《哥德堡变奏曲》不仅又一次成就了巴赫，更成就了古尔德。古尔德于1955年为哥伦比亚唱片公司录制的这个版本的《哥德堡变奏曲》成了该公司的摇钱树，曾多次再版发行，人们对这个版本是非常熟悉的。然而，当人们问道古尔德对演绎这首乐曲还有谁时，他没有提别人，他仅仅提到图雷克（Rosalyn Torek）。关于图雷克我以后再介绍。
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1955年，年轻的古尔德灌录了一张非常脍炙人口的唱片，让他一举成名。可是年轻的古尔德在演奏《哥德堡变奏曲》时，加入了过多的个人的理解和感情因素，演绎方式特立独行，并不尽然符合巴赫的原作所要表现的。所以他在问及演绎这首曲子还有谁时，他只提图雷克。可见图雷克在古尔德那里是得到认可的，也就是说，古尔德认为图雷克的演绎才算是正宗和权威的。尽管普通大众和音乐出版商对古尔德一直对1955 年版的这张唱片情有独钟。可是对这张唱片惟一感到不满意的就是古尔德本人自己，以至于他在1981年临去世前又灌制了一遍，以更深邃的方式重新演绎《哥德堡变奏曲》。然而，爱乐者依然喜欢1955年版的古尔德演绎的《哥德堡变奏曲》，似乎并不欣赏他1981年的演绎。从欣赏音乐的角度看，古尔德那时的录音技术只能提供单声道的唱片，如果不重新加工，这首著名的乐曲将永远停留在单声道的世界里了。
2006年9 月25日，古尔德74岁诞辰纪念日那天，曾获得11次格莱美的唱片制作人爱波斯坦（Steve Epstein）、古尔德生前专任调音师埃德魁斯特（Verne Edquist），来自雅马哈公司的技术人员，古尔德的同事与朋友，齐聚在加拿大的古尔德录音室里，亲临见证这一场划时代的录音工程。他们特别采用 “超级CD混合技术”，即所谓SACD Hybrid，形式发行，还特别收录“终级耳机体验完整版”，聆听者带上耳机，就能够原音重现1955年古尔德在录音室弹奏哥德堡变奏曲，这绝对是所有爱乐者此生从未有过的新鲜体验。 (全文…)
