提起史密斯飞船乐队，人们不禁会立刻想到乐队主唱Steven Tyler那张鳄鱼般可以吞噬一切的大嘴，以及Joe Perry一袭黑衣如同铁塔般巍然屹立的吉他英雄形象。不可否认，史密斯飞船乐队是对80年代美国摇滚乐队影响最大的乐队之一，他们华丽而怪异的舞台表演风格，Steven Tyler多变的演唱，长丝巾服装围着麦克风不停的舞动，Joe Perry冷峻的表情和突出的吉他演奏方式都成为了后来者的模仿对象。在三十年的时间里无论时间如何变化，摇滚乐的环境如何变化，史密斯飞船乐队虽然也向布鲁斯摇滚基础的流行金属方向发展，但是仍然都一直坚持着自己的演唱方式和舞台表演风格，并始终能够吸引无数的歌迷为之疯狂。在当今摇滚乐坛，Metallica，Guns N’ Roses等曾经广受世界歌迷欢迎的乐队都为了适应新环境而在风格上做出了非常令人失望的改变，史密斯飞船乐队的这种华丽风格的坚持更是凸显出他们的魅力。

　　同时，史密斯飞船乐队还是将真正纯粹的、完全的柔情歌曲应用于硬摇滚乐之中，并将之演绎的最好的乐队。从上世纪七十年代开始，史密斯飞船乐队就能够经常的在音乐的硬以及内容上的柔中得心应手的随意切换，他们可以将最柔情感人的内容轻而易举的融入最硬的摇滚乐曲中，而且从来不是用简单或者粗劣的语言来填词。硬摇滚情歌是他们最擅长的作品形式之一。

　　史密斯飞船乐队综合了老一代的布鲁斯摇滚乐队的曲风，滚石乐队(Rolling Stones)的特色造型，并将这些发展而形成了自己的特点，加上在舞台上以及音乐录影带中华丽甚至有些“变态”的奇异而饱富创意的表演，还有极其富有个性的唱片封面设计，让史密斯飞船乐队成为了美国乃至世界上风格最为独特的乐队之一。虽然史密斯飞船乐队在七十年代末到八十年代初曾经由于严重的吸毒等各种问题而分裂并且陷入了空前的低谷，但是随后经历了一个摇滚乐历史上令人吃惊的完美的复出以及在此后取得了超越了七十年代的辉煌之后，使得史密斯飞船乐队更进一步的巩固了他们在摇滚乐历史上的地位。

　　史密斯飞船乐队的传奇开始于1970年，不过最早开始于60年代末Steven Tyler和Joe Perry在美国新罕布什尔州Sunapee的一家冰淇淋店第一次相遇。Steven Tyler原名Steven Victor Tallarico，1948年3月26日出生在美国纽约的Yonkers，很小的时候Steven Tyler就开始练习敲鼓，但是随后受到了Yardbirds乐队滚石乐队等人的影响，逐渐成为了演唱者。Joe Perry于1950年9月10日出生在美国马萨诸塞州的Lawrence，6岁的时候，Joe Perry迷恋上了刚刚兴起的摇滚乐，60年代初，Joe Perry受到了Yardbirds乐队的影响而拿起了吉他，并开始了吉他演奏的道路。当Steven Tyler和Joe Perry第一次相遇并且交谈投机之后，Joe Perry提出了希望组建一支乐队的想法，于是他们在60年代末来到了波士顿市，找来了贝斯手Tom Hamilton，组建了三人乐队Jam Band，随后又找来了Ray Tabano作为第二吉他手，但是不久就用Brad Whitford代替了Ray Tabano的第二吉他手位置，随后又增加了鼓手Joey Kramer取代之前兼任鼓手的steven tyler，Steven Tyler则担任专职主唱，并且正式把名字改成了Steven Tyler。贝斯手Tom Hamilton，1951年12月31日出生在美国科罗拉多州的重镇Colorado Springs，是最早和Steven Tyler以及Joe Perry一起并肩战斗的乐队成员。第二吉他手Brad Whitford于1952年2月23日出生在美国马萨诸塞州的Winchester，受其哥哥影响而开始弹奏吉他，并且在加入史密斯飞船乐队之前先后在当地许多小乐队担任吉他手。鼓手Joey Kramer于1950年6月21日出生在美国纽约，1970年应邀入队并接替了主唱Steven Tyler兼任的鼓手一职。在人员齐备之后，1970年末，Jam Band乐队正式更名为“Aerosmith”。

　　成立不久的史密斯飞船乐队第一场演出是在Nipmuc Regional高中，但是他们并没能够立即找到唱片公司签约，而是继续在波士顿及其所在的马萨诸塞州以及附近的包括纽约等地区的俱乐部里演出，并且渐渐成为了这一地区最受欢迎的俱乐部演出乐队。直到两年之后的1972年，史密斯飞船乐队终于得到了和Columbia唱片公司的合同。

　　1973年，史密斯飞船乐队发行了乐队第一张专辑《Aerosmith》，不过当时史密斯飞船乐队依然只是一个默默无闻的新乐队，这张专辑并没有取得太好的成绩，仅在排行榜上名列第166位，不过其中的单曲《Dream On》却成为了史密斯飞船乐队第一首有影响的单曲，后来这首单曲被认为是他们最早的成名作。

随后在1974年，唱片公司为宣传推广史密斯飞船乐队而让他们先后作为Mott the Hoople以及the Kinks乐队的开场乐队而进行了全美的巡回演出，很快史密斯飞船乐队便在美国各地积累了一定的歌迷群体，特别是在当地的一些底层听众中积累了相当的支持。在1974年的巡演结束之后，史密斯飞船乐队发行了乐队的第二张专辑《Get Your Wings》，这张专辑比第一张专辑果然成绩好了不少，这张专辑在排行榜一共站岗86周，而这一成绩正是基于那些通过巡演而喜欢上史密斯飞船乐队的歌迷。

　　真正让史密斯飞船乐队在美国家喻户晓的是他们的突破性的第三张专辑《Toys in the Attic》，在发行之后这张专辑排在了排行榜的第11位，这张专辑完美的结合了商业性和艺术性，成为了摇滚乐历史上最经典的专辑之一。这张专辑发行里后立即震动了摇滚乐界，这张带有布鲁斯风格的硬摇滚专辑在评论界还引起了不小的讨论，Steven Tyler诙谐而出色的歌词也成乐队之后的标志，也成为了乐队最吸引人的部分之一。Steven Tyler和Joe Perry这对黄金搭档丰富的创作灵感带来的一首又一首优秀的单曲，成为了乐队取得成功的源泉。《Sweet Emotion》和《Walk This Way》两首在后来成为经典的单曲在专辑发行不久之后迅速的在单曲榜上取得了非常好的成绩，继而《Toys in the Attic》这张专辑也在排行榜上排到了第11位。成为了摇滚明星的史密斯飞船乐队在这张专辑成功后不久，立即发行了他们最初成名的单曲《Dream On》，这张在两年前还仅仅排在单曲榜第59位的单曲在1976年初的重新发行之后马上进入了排行榜的前十名，而随着《Toys in the Attic》的大获成功，他们之前的两张专辑《Aerosmith》和《Get Your Wings》马上也开始成为了抢手货，在发行三年之后重新等上了排行榜。

　　就在史密斯飞船乐队的《Toys in the Attic》取得了突破之后，1976年，史密斯飞船乐队紧跟着发行了乐队的第四张专辑《Rocks》，这张专辑迅速登上了排行榜的季军位置，并且不久之后就成为了白金专辑。这张专辑也同样被认为是史密斯飞船乐队在70年代最出色的专辑之一。不过经历了两张专辑的成功之后，史密斯飞船乐队却陷入了此后数年频繁发行新专辑的工作中，再加上此后频繁的巡回演出，他们的创作激情和灵感渐渐开始被无限的消耗着，并且最终开始把他们引向了一个错误的轨道。

1977年，史密斯飞船乐队发行了第五张专辑《Draw the Line》，这张专辑同样取得了成功，在排行榜上名列第11，并且很快成为了白金专辑。紧接着，史密斯飞船乐队马不停蹄的就在1978年开始了新一轮的全美巡演，并且随后不久在电影《Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band》中表演，并且贡献了单曲《Come Together》，这首单曲很快就在单曲排行榜上成为了主打单曲。在全美巡回演唱会和电影演出全部结束之后，他们又在1978年末发行了现场专辑《Live! Bootleg》，而在电影中大放异彩的《Come Together》也被收录在内，结果这张专辑很快又取得了成功，在专辑榜上排在第13位，而单曲《Come Together》也在单曲榜上名列第23位，但是非常令人遗憾的是，这首单曲却成为了史密斯飞船乐队在整个70年代中最后一首单曲榜强力打榜单曲。

　　1979年，史密斯飞船乐队发行了第六张录音室专辑《Night in the Ruts》，但是不久乐队就传来了令人沮丧的消息，乐队的核心之一、主音吉他手Joe Perry宣布开始单飞，专注于自己的个人发展，随即这张《Night in the Ruts》虽然也在排行榜上名列第14，但是在这之后却表现糟糕，成为了乐队历史上销量最差的一张专辑，当时他的销量只超过了50万张，仅被认证为金唱片。但是不久之后又从史密斯飞船乐队里传来了坏消息，1980年初，乐队的第二吉他手Brad Whitford在Joe Perry单飞后不久，也宣布离队，并且和前Ted Nugent乐队吉他手Derek St. Holmes一起组建了the Whitsford-St. Holmes Band乐队。

　　就在史密斯飞船乐队的两名吉他手纷纷离队的时候，乐队核心Steven Tyler长期吸毒的事情也渐渐成为了公开的秘密，同时这时Steven Tyler已经深陷在毒品的诱惑中不能自拔，同时乐队已经离队的核心成员Joe Perry严重的酗酒也开始日益显著的伤害他的身体。然而当Steven Tyler在1980年间遭遇了严重的摩托车车祸而不得不入院治疗数月的时候，史密斯飞船乐队几乎到了崩溃的边缘。

　　尽管乐队已经身处困境，但是剩余的史密斯飞船乐队成员依然在坚持着，两名新的吉他手Jimmy Crespo和Rick Dufay在1980年正式入队补缺，并且在1980年末发行了极其出色的精选辑《Greatest Hits》，这张专辑卖出了超过600万张，并且在随后不久，更换了两名吉他手的史密斯飞船乐队录制并发行了乐队的第七张专辑《Rock in a Hard Place》，但是这张专辑却遭到了失败，仅仅在排行榜上名列第32位，甚至还不如《Night in the Ruts》。更令史密斯飞船乐队感到无助的是他们与Columbia唱片公司结束了合同，并且无意与他们再签约。最终，史密斯飞船乐队与Geffen唱片公司签约。

　　1984年对于史密斯飞船乐队来说是非常复杂的一年，既让乐队迎来了复兴的希望同时又让乐队几乎看不到日出。这一年，离队五年的乐队主音吉他手Joe Perry以及第二吉他手Brad Whitford终于又重新归队，并且史密斯飞船乐队为此开展了新一轮的乐队成员重聚巡演，但是此时乐队却遇到了乐队历史上最大的挑战。史密斯飞船乐队常年吸毒的核心、主唱Steven Tyler在一次现场演唱会上突然不支倒地，长期的毒品依赖终于击倒了这位摇滚音乐家，同时几乎所有的媒体都为乐队的前景表示担忧，而当刚刚归队的主音吉他手Joe Perry也在现场演出中发生状况之后，这支70年代最受欢迎的乐队几乎被人们划上了句号。

　　但是史密斯飞船的传奇远远没有像人们预料的那样结束，在1985年11月，史密斯飞船乐队发行了第八张专辑《Done with Mirrors》，尽管这张专辑最初的销售成绩依然不太好，但是这是乐队原始成员在六年时间里的第一张专辑，从这张专辑开始，标志着史密斯飞船乐队的开始重新回归。在这张专辑发行后不久，Steven Tyler与Joe Perry终于完成了漫长的戒毒和戒酒的治疗。

　　1986年，在当时刚刚初露锋芒的说唱组合Run D.M.C.翻唱的史密斯飞船的经典单曲《Walk This Way》上，Steven Tyler与Joe Perry意外的出现在了这支单曲的录制以及音乐录影带中，这支单曲把这支几乎被人们不报希望的乐队又重新带回到了音乐最前沿。单曲《Walk This Way》在排行榜中再次成为了强力打榜单曲，不仅单曲高据单曲榜第四名，其音乐录影带也在MTV台成为了点播率最高的作品，史密斯飞船乐队终于又回来了。

　　在成功回到聚光灯下之后，史密斯飞船乐队开始协力打造他们的复出专辑，曾经为Bon Jovi，Scorpions，AC/DC，Kiss等众多乐队担任制作人的著名摇滚乐制作人Bruce Fairbairn开始为他们担任制作人，同时著名的词曲创作者Desmond Child和Holly Knight也开始参与到了Steven Tyler和Joe Perry的创作之中。

1987年，史密斯飞船乐队的第九张录音室专辑《Permanent Vacation》正式发行，作为复出专辑，这张精心打造的作品中诞生了多首单曲榜前十名的打榜单曲，包括《Dude (Looks Like a Lady)》《Rag Doll》，并且还从这张专辑中诞生了著名的经典柔情单曲《Angel》。而这张专辑也名列排行榜的第11位，并且销量超过了300万张。同时，在1986和1987年，史密斯飞船乐队还发行了两张出色的现场专辑《Classics Live!》和《Classics Live! Vol. 2》。

　　1989年，史密斯飞船乐队发行了更出色的一张专辑《Pump》，这张专辑再次成为了史密斯飞船乐队的经典作品。这张既赢得评论界青睐又赢得了歌迷支持的专辑诞生了包括《Janie’s Got a Gun》以及《Love in an Elevator》和《What It Takes》在内的经典排行榜前十名单曲，他在专辑排行榜上名列第五，销量超过四白金。这张专辑的成功也让评论界马上认定了史密斯飞船乐队的重新复出是整个摇滚乐里上最伟大，最成功的复出。在这种极其成功的复出背景之下，他们的老唱片公司Columbia唱片公司又重新对他们鼓起了信心和勇气，在史密斯飞船乐队和Geffen唱片公司还有两张唱片的合同才结束合约的情况下，Columbia唱片公司就与他们签订了数百万美元的高额合同，提前数年就把史密斯飞船乐队预定到自己的旗下。随后的时间里，史密斯飞船乐队展开了规模浩大的世界性巡回演唱会，再一次提升了史密斯飞船乐队在整个世界上的影响力。

　　1993年，史密斯飞船乐队发行了在世界范围内全部取得了成功的专辑《Get a Grip》，这张专辑是史密斯飞船乐队发行的包括现场专辑和精选辑在内的第十五张专辑。由于当时涅磐乐队(Nirvana)已经冲入了主流，摇滚乐的王朝已经被颠覆，而这张专辑却依然在发行后就立即登上了排行榜的冠军宝座，并且在全世界范围内售出了超过1200万张，似乎没有受到任何影响一般。而这张唱片封面同其中单曲一样经典的专辑里还诞生了《Livin’ on the Edge》《Cryin’》《Amazing》《Crazy》这四首被认为是流行金属时代最后的经典单曲。而在随后展开的世界性巡演中，史密斯飞船乐队也依然非常受欢迎，他们在1994年的Woodstock音乐节上的精彩演出也同样令人印象深刻。

　　1994年，史密斯飞船乐队还发行了在Geffen唱片公司的最后一张唱片合同的精选辑《Big Ones》，这张精选辑被认为是史密斯飞船乐队历史上与首张精选辑《Greatest Hits》一样经典的精选辑，这张专辑主要收录了史密斯飞船乐队在复出之后发行的经典单曲，包括《Angel》《Janie’s Got a Gun》《Cryin’》《Amazing》《Crazy》等最为经典的作品，而这张专辑也是在发行数周之后全美销量就突破了200万张。史密斯飞船乐队再一次用实际行动奠定了他们在摇滚乐坛的地位。

　　然而就在史密斯飞船乐队完全走出了80年代初期的阴霾，一步步地坚实的更加巩固他们在摇滚乐历史上的地位的时候，90年代中期，对史密斯飞船乐队不利的谣言又再次出现了。1995年，史密斯飞船乐队终于可以开始他们早在1990年就已经签订的新合同的时候，他们在Columbia唱片公司的首张专辑制作就因为频繁的更换制作人而一直进展缓慢，而乐队的经纪人Tim Collins又对媒体暗示，史密斯飞船乐队的核心、主唱Steven Tyler又重新开始了疯狂的吸毒，并且严重影响了新专辑的录制。这一消息传到史密斯飞船乐队成员耳朵中之后，他们立即进行了坚决的反驳，并且马上解雇了这位已经和史密斯飞船乐队合作了十多年的经纪人。然而更为具有讽刺意味的是，制造了谣言的经纪人Tim Collins正是在80年代初期，带领着处在最困难时期的史密斯飞船乐队通过艰苦的努力而逐步的走出困境并在之后赢得了更光辉成就的经纪人。

　　经历了谣言困扰的史密斯飞船乐队的新专辑制作更加的困难，再加上频繁的更换制作人使这张专辑在几年内都没有任何的进展，直到1996年，这张新专辑才重新确定了新的制作人，直到1997年春天，这张经历了长时间磨难的专辑《Nine Lives》才终于在世界各地正式发行。而这张倍受期待的专辑也果然没有让人失望，这张专辑在发行之后的四周时间里，在六个国家里销量超过50万张，在一个国家里销量超过100万张，在两个国家里销量超过200万张，史密斯飞船乐队在世界范围内仍然具有最广泛的号召力。而这张《Nine Lives》在美国本土也同样在发行首周就排在了Billboard 200排行榜的冠军位置上，并且在专辑发行之后立即再次展开了世界大规模巡演。1998年，史密斯飞船乐队的双CD现场专辑《A Little South of Sanity》正式发行，并且依旧拥有了很好的销量。

　　进入新世纪之后，史密斯飞船乐队的音乐事业仍然没有任何的停滞不前。2001年3月，由Steven Tyler和Joe Perry亲自担任制作人的专辑《Just Push Play》正式发行，这是成军30年以来，第一次由史密斯飞船乐队自己的成员来为自己的专辑担任制作人。这张专辑在发行之后轻松的成为了Billboard 200排行榜的亚军，并且销量迅速的突破了白金。同年史密斯飞船乐队还与偶像明星“小甜甜”布兰妮(Britney Spears)，超级男孩组合(N’Sync)，说唱歌星Nelly等人一起参加了超级碗大赛的中场表演。

史密斯飞船乐队于2001年3月的时候被请入了西方流行音乐最高荣誉的摇滚乐名人堂(Rock and Roll Hall of Fame)。同时，史密斯飞船乐队在奇迹般的复出之后，曾经四次获得格莱美最佳摇滚乐队奖(Best Rock Performance By A Duo Or Group With Vocal)，分别是在1991年举行的1990年度第33届格莱美奖上，凭借单曲《Janie’s Got A Gun》获奖；在三年之后的1993年度第36届格莱美颁奖典礼上，凭借单曲《Livin’ On The Edge》再次获得最佳摇滚乐队奖；次年的第37届格莱美颁奖典礼上，凭借单曲《Crazy》第三次，同时也是连续第二次获得了最佳摇滚乐队奖；在1999年举行的第41届格莱美颁奖典礼上，凭借单曲《Pink》，史密斯飞船乐队第四次获此殊荣。

　　2002年，史密斯飞船乐队还制作并发行了涵盖自己早期以及复出后的所有经典单曲，并且另有一首新歌的双CD精选辑《O, Yeah! Ultimate Aerosmith Hits》，并且借助足球韩日世界杯期间再次举行了世界性的巡回演唱会。2003年，史密斯飞船乐队又与老牌摇滚乐队Kiss一起展开了大规模的北美巡演，让那个夏天变得更为火热。同时，他们还放出了录制新的布鲁斯音乐风格专辑的消息，随后不久消息被确认，他们将在2004年发行一张新歌加翻唱的布鲁斯风格摇滚乐专辑。2004年初，在第46届格莱美颁奖典礼上，早已过了天命之年的史密斯飞船乐队的两名核心成员——主唱Steven Tyler和主音吉他手Joe Perry与布鲁斯元老、吉他大师B.B. King一起担任颁奖嘉宾，在台上Steven Tyler和Joe Perry如同保镖一般站在老前辈身后的镜头给现场和电视观众留下了相当深刻的印象。2004年3月30日，史密斯飞船乐队共收录12首单曲的新歌加翻唱专辑《Honkin’ On Bobo》正式发行，并且在发行之后依然顺利的登上了排行榜的前五名。

　　虽然史密斯飞船乐队已经在世界摇滚乐界征战了30多年，但是这支伟大的摇滚乐队在世界范围内的受欢迎程度依然没有丝毫的减弱，五位伟大的摇滚音乐家为世界歌迷带来了《Toys in the Attic》这样的摇滚乐经典专辑，他们标志性的表演风格以及受布鲁斯摇滚乐影响的音乐风格随着时间的积累也越来越成为摇滚乐历史上不可忽视的一个重要组成部分。Steven Tyler花哨而永远不会降温的激情表演永远是整个摇滚乐历史上最难忘的镜头之一；Joe Perry冷酷的吉他英雄形象依然是吸引世界各地无数青少年拿起吉他模仿的偶像；而史密斯飞船乐队歌曲中的那些诙谐但是精辟的词句甚至已经成为了世界众多歌迷的关于爱情的座右铭。而史密斯飞船乐队曾经分分合合，在经历了毒品与酒精的痛苦折磨之后而又坚韧的复出，并且取得了比之前更为辉煌的纪录的经历，也已经成为了整个世界摇滚乐历史上最具传奇色彩的一页，而这个传奇还将随着史密斯飞船乐队这支摇滚乐常青树的不断前进而不断的在未来延续。

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第一次听PJ•哈维（P.J.Harvey），是在尼克•凯夫的那盘《谋杀音乐》（MURDER BALLADS）的磁带里，她和尼克•凯夫（Nick Cave）一起唱最后一首歌《死亡并没有结束》，唱得非常动听，她的带有神经质的低沉嗓音在忽起忽落里含有一种异样的种子，电吉他和架子鼓只轻轻一撩拨，便立刻在歌中开出奇异的花来，格外打眼。

我记住了她的名字：PJ•哈维。一个很好记的名字。据说，她和尼克•凯夫为这首歌而有一腿，传闻传得到处都是。我不关心这些，即使真的如此，尼克•凯夫和她都是摇滚界的顶级人物，好也是很正常，惺惺相惜嘛。只是听说后来尼克•凯夫又和澳洲的歌手凯莉•米洛好上了，凯莉是个美女，但作为歌手远不如PJ•哈维有名。当然，这只是听说来的传闻。

在摇滚歌手里，有人天生就是诗人，有人唱一辈子只是唱歌的歌手而已。这种区别很重要，不敢说如天堂地狱一般悬殊，但像一边是大树一边是草的比喻应该是分明的，草当然有茂盛铺满一地的样子，但难有大树的参天和葱郁。尼克•凯夫和PJ•哈维应该都同属于诗人一类。虽然，他们都有点神经质。也许，诗人都有点神经质。这样说，不仅仅在于他们都是自己写的歌词和音乐，那些歌词就都是诗，而在于他们在演唱的同时把声音也化为了诗，诗和音乐一起融入在他们的血液里。不是每一个歌手都能够做到这一点的，有不少歌手怎么唱也只是一嘴口香糖和爆米花味。

只是在有一段时间里，我闹不清PJ•哈维长得是不是漂亮。也许，这只是男性在听歌时对女歌手的一种下意识的想入非非。听音乐就是听音乐，管她是不是漂亮干吗？难道漂亮就可以使得歌声也同样漂亮起来，不漂亮就有损她的歌声吗？漂亮和歌声是两回事，虽然这两样都是上帝给予的，漂亮纯粹是爹妈给的一份福分，歌声毕竟是上天赐予的一份天才。我倒是懂得这个道理，只是因为我第一次看见PJ•哈维的照片是她穿着性感十足的泳衣人高马大地在街头上拍照的，给我的感觉并不美，有点招摇的感觉。

况且，PJ•哈维确实重视性感，从歌的内容到她自己的装扮和她性感撩人的表演，彻头彻尾的重视，淋漓尽致的表现。她的头三盘专辑《干dry》（1992年）、《干掉我Rid Of Me》（1993年）、《带给你的爱》(To Bring You My Love)（1995年），都极力张扬她对女性性别性感和性欲的力量的过分热衷。她那种哥特式摇滚方式以及她那狂放不羁、幽暗阴郁的嗓音，都和歌的反叛内容那样炽烈吻合相得益彰，烈火干柴般燃烧起彼此。有人这样评价她的这些歌：“仿佛无可逃脱的情欲旋涡般的令人窒息。”而她那种故意的浓妆艳抹、一袭豹皮大衣随时可以滑落在地露出雪凝肌肤那种带有挑逗意味衣随风动、金豹狂舞的煽情，都让人忍不住本能的性欲翻腾，当时被称为“性目标”（sex object）。她的音乐和她本人都被当成性的化身了，让我对她总有点看法似的。

当然，这样的节外生枝和她的刻意并不妨碍我喜欢她的歌。

一直到了我听了她的《是欲望吗Is This Desire?》和《双城故事》(Stories From The City Stories From The Sea。PJ Harvey)之后，看到她在这两盘唱盘上照片，才洗刷掉以前的那种印象。还是说不上有多么的漂亮，虽然她成绩入选过〈人物〉杂志全球50名酷女之一。前者上的照片在幽静的水边，一身白衣的她像个孩子；后者上的照片在夜色中的大街，一身黑衣的她文气了许多，大鼻头也俏皮了许多。一个歌手的风格和内心远比几张照片要复杂得多。

这位出生在英格兰养羊农场的歌手自1992年花了不到3千英镑出版了她的首张专辑《干》之后，近十年来一共只出了6张专辑。数量不多，但在摇滚界里，她的影响不小，说她是女摇滚歌手里的尼克•凯夫一点不为过。不像我们有的歌手的磁带出得和鱼甩籽一样的多，就是没有一首歌让人记住的，都死在自己的歌里了。《是欲望吗》是她的第五盘专辑，1998出版；《双城故事》则是在2000年最新出版的一盘专辑。前者是她自己一人连唱带吉他，后者大名鼎鼎的尼克•凯夫乐队的贝斯手米克•哈维和RADIOHEAD的主唱汤姆•约克前来助阵，搞得轰轰烈烈的，一时间搞得媒体上到处都在说这张新唱片，PJ•哈维的面子够大的。

两盘专辑的变化很大。她对自己曾经宣泄过的性欲有了内敛式的反省，性欲并不仅仅是女性自身解放的标志，她开始成熟一些思考性欲、情欲和人生与社会更为复杂和深刻的关系了。从音乐方面，也有了相应的变化，前者PJ•哈维单纯的声音配着单纯的鼓点，纤细的歌声像走在钢丝上，有一种凄绝的美，尖细的声音让你担心她会从钢丝上跌落下来。这盘磁带中大多数歌唱得都跟耳边絮语似的，犹如杨花似雪，漫天飞舞，柔软地铺满一地，却只是虚幻的雪花。而她自己弹拨的吉他狗一样望着主人间或凄凉地叫几声。时而迸发的尖叫，如同金属的利器划过磨花玻璃，余音颤抖在干燥的空气里，是前几盘专辑里少有的。

后者的音乐丰富了许多，PJ•哈维的嗓音也极尽变化。据说PJ•哈维在创作这盘新专辑时在美国的纽约和英国的多西特两地分别完成的。就像她在一首《好感觉》的歌里唱道的：“有时候我可以穿过水火，从英国到美国，可以看到很远的地方。”这盘专辑的名字〈双城故事〉或许即是她这样想入非非意思的一种表诉。多西特位于英格兰西南部濒临英吉利海峡，是哈代曾经描写过的宁静的乡村田野，是美丽的苔丝姑娘生活和恋爱过的地方，绿树和野花在没有污染的风中清新的呼吸着，和纽约人流鼎沸的喧嚣形成了鲜明的对比，当然会影响着PJ•哈维的这盘音乐的制作。奇怪的是为什么PJ•哈维要这样选择如此迥异的两个地方？就为了让对比的鲜明昭著而使得心和音乐都有些承受力和承载力吗？故意让音乐像是鸟一样飞翔于双城之间，让自己的歌多一些纽约的灯红酒绿，也多一些多西特田野和海滨的风？还是多西特的乡村是她的故乡，淳朴的泥土气息撩拨着她的心扉？但是，音乐的创作天然是从心灵中流淌出来的，而非由地域生长出来的，旋律不可能像是橘易地而成枳一样变化简单明了，更不会像是生孩子非要选择一个产房才保险。这种双城对比的故意选择，明显地带有一种刻意。无论是从商业的角度出发，还是从音乐的标新立异出发，都已经离开了艺术的本质。

在这盘唱盘里，可以听到如同上一盘类似的絮语般的歌声轻扬，细雨柔风，林深草密，山岚雾影，只是多了贝斯、电子钢琴甚至合成器，还有贝斯手和鼓手人的回声，极尽迂回曲折之妙；更多的能够听到PJ•哈维的另一面，热情奔放，她的嘶鸣般的呼喊，节奏强烈，电吉他打足了气似的，像是风助火势，让她的歌声变得风雨中的鸟似的，飞翔的那样惬意。但有时也像是淋在大雨中的花朵，一朵朵被雨水蹂躏得变湿变软，飘零一地，花容失色，却不甘心似的从地上借着风吹起，还梦想着能够像是鸟一样飞上天空。

当然，也可以这样说，她的音乐的这些变化似乎更向流行靠拢。有些歌唱的太像帕蒂•斯密斯了，简直就是帕蒂•斯密斯的现代版。

不过，她和汤姆•约克合唱的那两首歌，还是非常动听。不知是她特意为汤姆•约克度身制作的，还是本来他们就是天作之合，那两首歌唱得如风相随，琴瑟相合，格外得清爽宜人。在《美丽的感觉Beautiful Feeling》中，PJ•哈维一人抱着吉他轻轻地唱，汤姆•约克只是作柔和的吟唱，如果不仔细听，几乎听不出他的声音，却轻柔地起伏摇曳，恰倒好处地衬托出PJ•哈维的声音来，高超的喂球让PJ•哈维上篮得分。而在《我们所处在一团糟里This Mess We’re In》里，突出的是汤姆•约克，PJ•哈维一下子收心敛性，变得像是听话的猫似的了，依偎在汤姆•约克的歌声里。汤姆•约克的歌声充满感情的张力，委婉之中浸透着哀宛，丝丝缕缕的，抽心裂肺一般有着穿透力。在最后汤姆•约克唱着“我不能想我们再次相遇……”时，PJ•哈维在一旁用同样话的诉说，宛若飘落下枝头的两片叶子在风中挽手散步似的，明朗的阳光在叶子的上面闪闪发亮，飘拂的韵律是那样的和谐，连周围的风和空气的律动都那样一致。当PJ•哈维在副歌中唱道“城市的太阳升在我的头顶”时，汤姆•约克假声伴唱，上下起落，一种云遮月的感觉，非常的美。在这首歌中，如果说汤姆•约克是一株树，PJ•哈维是绕着树的一弯溪水的话，那感觉便是树醉秋色，溪弹夜弦的图画，树旁有溪水潺潺，水中有树影婆娑。

同有些另类女歌手比如Cocteau Twins中的伊丽莎白•弗雷泽那样吐字含混不清的歌声不一样，PJ•哈维的歌声吐字很清楚。前者听的只是一种感觉，是一种氛围，江流天地外，山色有无中；听PJ•哈维听的清清爽爽，脚踏实地，歌词和音乐融为一体形成的摇滚是一种化学反应，诞生的是诗，所以，听PJ•哈维时，是掬水月在手，弄花香满衣的感觉。

在另类女歌手中，PJ•哈维是少数被主流音乐所认可的一位歌手，曾经获得过格莱美大奖和三次Mercury （英国水星奖）
提名奖的破天荒的记录，是有她自己突出的特点。她的嗓音、她的音乐、她的诗人的文采、智慧和气质，还有她对生活的基本态度，当然，也应该包括她对商业运作的态度。在这张她的最新唱盘《双城故事》中，她表现并探讨了性、家庭、命运、信仰等等社会的问题，同时她也关注并歌唱着爱，在阴沉的底色中有一抹难得的亮色，在摇滚的进程里偏师于世俗的一面，让她乖巧地讨好两面。在这盘《双城故事》里有一首名叫《这就是爱》歌，有一句这样的歌词：“你是我唯一从未讲过的故事，你是我弄脏了的小秘密。”在这句含有感情色彩也富于流行味道的歌词，透漏出她的一些心绪。或许我们可以这样以为PJ•哈维并非真的是对这个世界上唯一能够使得人美好起来的爱的一种保护和向往吧，而只是她摇滚生涯的一个变数，是为了市场和她的歌迷，而不仅仅为了她的心目中的音乐。

不过，我总觉得这样来说PJ•哈维，总有些苛刻。就我个人而言，我还是喜欢她的这种变化，摇滚走得疲惫了，另类走到极端了，便又走回到世俗，关心一下普通而正常的感情和家庭，并不就非得是摇滚的逆子贰臣。那么，无论是弄脏了的小秘密，还是从未讲过的故事，都小心翼翼地把它们变成歌变成诗保存好PJ•哈维和我们各自的心底，有什么不好呢？

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如果说美国流行音乐完善的体制与全球范围类的强势文化殖民使其盛产流行巨星，那么英国则孕育出一个接一个另类音乐先锋。PJ Harvey作为为90年代英国另类女唱作人的代表之一，其阴冷低调的气质和变化莫测的音乐质感不仅让她成为英美两地乐评的宠儿，更为她博得业界众多同行们的喜爱与赞赏， 如Courtney Love, 帕蒂史密斯（Patti Smith）, Shirley Manson等人均不同程度表达过他们对PJ Harvey的欣赏。

在90年代初时，PJ Harvey用两张糅合了布鲁斯（blues0与车库摇滚（grunge）两种元素的专辑《干》Dry和《Rid Of Me》，以粗暴黑暗婊子的形象在另类乐坛杀出一片天地，强势得俨然一副要与涅槃乐队（Nirvana），Alice In Chain, The Fluid分羹的架势。这两张专辑体现出当时只有21岁的PJ Harvey作为一个音乐鬼才在人格上的矛盾性：一方面极度自卑，另一方面又自我得不可一世。她在Esctasy中歇斯底里卑微地乞求男人注意她，在Oh My Lover中请求爱人在爱别人的同时也能同时爱她；而在50ft Queenie中则宣布她名叫FUCK，是犹如神一般存在的高傲女巨人，在Rub Til’ It Bleeds中直接地喊出了女性自慰的快乐，对性的无限需求。这两张专辑被不少乐评和歌迷奉为PJ 最原汁原味的狂躁之作，也让她被烙上了女权主义的标签。

这种被强行烙上的标签在接下来的《带给你我的爱》(To Bring You My Love)中，被粉碎得片甲不留。她抹上了大红口红，V字型性感连衣裙黑色蕾丝胸罩，一副十足的slut形象唱着Working For The Man, C’mon billy, Meet Ze Monsta，典型的男权崇拜，为了爱情可以连自尊都抛弃。在To Bring You My Love时期PJ 也在采访中强调自己并非女权主义，甚至搞不懂什么叫做女权主义，仿佛对之前媒体强行赋予的形象耿耿于怀“老娘都愿意working for the man了，你再说我是女权我就跟你急”。严格说来To Bring You My Love是对人性的进一步探讨，在前两张专辑中她可以疯狂地向世人宣告即便是失败者（loser）也是需要有存在感，自卑，懦弱，性与索求是人类与生俱来的天性， 那么在To Bring You My Love中这些情绪则被重新体现在love这个字当中，是变本加厉地对爱情强烈渴求的呐喊，以至于一些歌听起来太过于黑暗绝望。在此时期她在Nick Cave & The Bad Seeds的专辑《谋杀音乐》（Murder Ballads）中献声，一首Henry Lee主题依然为爱，嫉妒和死亡，为PJ Harvey最为黑暗癫狂的时期画上了一个句号。

《是欲望吗》（Is This Desire）是PJ的转型之作，她再次推翻之前《To Bring You My Love》时期塑造的浪女形象，变身田园文艺女青年悲天悯人地唱着一个又一个女人悲剧的命运。这种犹如帕蒂史密斯Patti Smith般的女诗人形象让很多沉溺于在她之前朋克女或布鲁斯浪女形象的歌迷们失望，却再一次地受到了众多乐评人的喜爱，改版前的滚石杂志甚至给出这张四颗星的高分。这张音乐的确不俗，blues, acoustic不说，还要来点trip hop节奏和电子音效，勾勒出一幅草木皆枯的颓败景象， PJ也一改之前中性化的唱法，竟然带有丝丝温柔。另一方面态度则变得暧昧，用多个女人的名字命名歌曲，几乎全用旁观者的视角来陈诉歌词内容显得有点缺乏人情味，“冷眼旁观”的感觉。这里她还是唱着爱情，渴求与人类本能： Angelene中妓女对爱情的向往，The Garden则探讨同性之恋与基督教中“原罪”话题……

这张专辑为她的接下来的大作（masterpiece）作了一个铺垫， 在《双城故事》（The Stories From The City, Stories From The Sea）中，她综合了《是欲望吗》（Is This Desire）精妙的编曲方式与Rid Of Me狂暴的朋克质感，甚至连吉他扫弦仿佛都带着丝丝海浪的咸湿味，变化多端的鼓点更是汹涌澎湃，山雨欲来。PJ化身时尚女郎游离于伦敦和纽约两座城市。你说她变文艺了吧，This Is Love歌词又相当直白露骨，写得脏味儿十足；你说她心总算静下来了吧，Big Exit又再一次描述她对爱情轰轰烈烈的渴求，我只有与你在一起才能变得超凡；你说她变得豁然了吧，We Float又写到在大城市中的种种不安定感，怕在黑暗中有人拿着手枪把你该死的头轰掉。

从《Dry》到《Stories From The City, Stories From The Sea》, PJ已经完全把自己本人的个性隐藏在了作品当中，你再也无法说清她到底提倡了一种怎样的价值观，人生观，这种特点与一些摇滚代表人物（rock icon）们，如科特·柯本（Kurt Cobain）, 鲍勃迪伦9Bob Dylan0, 披头士乐队（The Beatles）等背道而驰，你可以说她这叫反偶像主义，像演技派演员一样隐藏在各式角色之后，而对角色本身进行深度塑造。你可能永远也不知道她下一步会出什么棋，会玩儿什么风格，会以什么形象示人。你可以说她是功利的，是没有原则的，但她的确是聪明的，比玩人声实验极度渲染自然主义的Bjork和过度自恋不可自拔的Tori Amos都更能让人保留新鲜感。

如果延续《Stories From The City, Stories From The Sea》的路子走，PJ完全可以成为另一个鲍勃迪伦（Bob Dylan）或帕蒂史密斯（Patti Smith）, 但在翻过2000年后的专辑，《 啊哈Uh huh Her》中，PJ彻底扼杀了还未成形的摇滚大神势头，重新返回4-Track Demo时期的自力更生，几乎一人包办了专辑中所有的乐器演奏，而整张专辑也呈现出《4-Track Demo》的粗糙质感。PJ玩儿起了garage, 35岁的PJ依然在The Pocket Knife中唱着我还太年轻不想结婚，请不要为我做婚纱；在Who The Fuck中带着几分Lesbian情怀唱着我才不像别的女孩，你别想弄直我；在It’s You中点出了她母亲对她的影响，有点“我变成现在这样都是你害的”的味道。可以说翻过了而立之年的PJ摇滚精神不输当年那个唱着Lick My Leg, I’m On Fire的怨妇，更多地是体现出一种独身主义，一种孩子气般赌气发泄的味道，“我就是不想结婚，我就是这么bitchy， 你TMD别跟我自以为是”。这张专辑也许是最能体现PJ自身特质的一张，专辑名字也就是简简单单的，Uh Huh，这就是我。在此期间PJ经历了大规模的巡演，之后诞生了一张叫《白粉笔White Chalk》的专辑。这一步不禁让所有听众都大吃一惊，一下子从车库摇滚女青年化身为身穿维多利亚时期长裙的深闺女子，音乐更是前所未有的安静，钢琴主打，带着新古典主义barroco情怀，唱起了鬼气森森的黑暗民谣。题材则是无比丰富，从堕胎，谋杀，童年记忆到墓碑前缅怀祖母， 让人怀疑她是否想做一张阴森女鬼版的Murder Ballads。对这张专辑听众两极分化，有人拍手叫绝，有人拍砖，但至少她这次又变了，变得如此彻底，甚至找不到一丝贯穿她以前专辑的布鲁斯摇滚影子，一成不变的只是她音乐中永恒的黑暗与阴冷。

直到今年的《Let England Shake》，她变得更加的野心十足，不再拘泥于小我，而把题材定位在历史与政治范围内，仿佛要成为一名历史学家。《让英格兰颤抖》（Let England Shake）, 这似乎是一个很大huge的名字，要如何让England shake, 至少PJ没有在专辑中说明，依然是从血淋淋的战争中反映人性。这张专辑无论爱国主义也好，民族主义也好，反战也好，都是点到为止，既没有大张旗鼓像Tori Amos那样喊反战口号，没有像M.I.A有点缺德戏谑般地谈论政治，也没有像麦当娜美国生活（Madonna American Life）那样反战噱头与音乐内容完全脱节，更为万幸的是，Let England Shake没有犯英国歌手谈论政治的通病，没有以一副干涉主义救世主心态自居，如大卫鲍伊（David Bowie）和Thom Yorke。 显然PJ想做的并不是成为文化icon，故作姿态做一些超出她自身能力范围的政治音乐，而是选择用政治这种题材来扩大自己熟悉的艺术题材范围，其核心思想依然是透过优美的旋律与血腥歌词的对比反映人性在战争中的挣扎与扭曲。Let England Shake是一张好专辑，但纵向比较的话属于PJ较弱的一张，一些歌曲在混音处理上显得力度不够，质感过于飘渺而用来表达政治，历史这些沉重的题材显得有些底气不足。今年2月有幸在London Troxy看了PJ的现场，Let England Shake中11首歌曲的现场通通被加重节奏，效果可说好了不少。

从91年出道到如今，二十年的芳华已逝，八张个人专辑的推出，PJ Harvey可说透过音乐塑造了多个形象，亦动亦静，时而潇洒时而理智，让人不禁赞叹这位鬼才创作能量的源源不尽。有乐迷批评过PJ这样的女人太过功利，野心太大，为保持清晰的创作思路和坚持完善自身艺术体系，可以坚持一直未婚，一张专辑结束马上又可以推翻原来创立的经典，只身投进全新的创作领域。而作为一名艺术家，PJ对艺术的执着是让人敬佩的，二十年来一直深居浅出，简简单单，背后的孤独和煎熬可说是超出一般女人的忍受范围，这样的野心与执着与其说是功利，不如说是自我强迫。这让人联想起另一位女怪才Kate Bush，才思枯竭了便从大众眼前一消失就十三年，绝对无法忍受让自己的艺术生涯出现一丝败笔。而摇滚大神Kurt Cobain则更为极端，对音乐失去兴趣之时宁愿选择自我毁灭也无法迎合唱片工业，无法随性地做音乐。对于顶级另类艺术家来说，强迫症般的艺术创作理念的确是让其进入顶级殿堂的通行证，而太多人或在这条艺术升华的路上，或在达成个人职业巅峰后沉溺于自我，选择了放弃。所幸的是还有一个PJ Harvey，放弃了成为文化偶像的可能，选择的是从人性出发，一个人躲在角落一丝不苟地做音乐。

来源：http://www.douban.com/note/152548872/

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　　文/王昕 收听

这支成立于1971年的老牌乐队，唱片总销量超过1.2亿张，赢得了5次美国单曲奖及6座格莱美奖，并在1998年入驻摇滚名人堂。1976年发表的精选辑《Their Greatest Hits 1971-1975》是美国历史上销量最高的专辑，超过2900万。值得一提的是，美国史上最畅销专辑的前三位全部出自老鹰乐队，依次是《Their Greatest Hits 1971-1975》、《Hotel California》和《Their Greatest Hits vol.2.1976-1980》，而迈克尔·杰克逊的名作《战栗者》(Thriller)只能屈居史上最畅销唱片的第4位。据权威的《Pollstar》杂志统计，2010年全球最赚钱演唱会，Bon Jovi以80场演出2亿美元的门票总收入荣膺冠军，亚军AC/DC约为1.7亿美元，前年的冠军U2名列第三，票房也近1.6亿美元。前三位都是70-80年代的实力派唱将，第四位则被Lady gaga以1.3亿美元的收入占据。老鹰乐队以1亿美元的收入，在这张榜单上名列第九。

　　老鹰乐队的所有成员都可以担纲主唱或是词曲创作的角色，他们大都发表过个人畅销专辑。多年来，历经解散、复合与团员更迭，目前乐队主要的4位成员是唐·亨利 (Don Henley)、提摩西·舒密特 (Timothy B. Schmit)、格伦·弗雷 (Glenn Frey)和乔·沃什 (Joe Walsh)。

老鹰“编年史”

　　美国的象征是秃头鹰(Bald Eagle)，而在音乐上，如果把Eagles作为美国文化的象征，没有什么太大的不合适。众所周知，乡村音乐算是美国一地特有的音乐财产，也是美国人最引以为豪的一种声音(顺便说下，他们真要感谢上帝为他们和这个世界带来了乡村音乐和爵士乐)，老鹰乐队，正是立足乡村音乐放眼全美国最后翱翔全世界的一支乐队。

（加州旅馆 1977现场版）
　　老鹰乐队发表同名专辑《The Eagles》是在1972年，关于他们的故事则开始得更早，从一开始老鹰就受着广泛的关注，他们的发迹至少要归功于三个人：唱片界大亨David Geffen，流行女星Linda Ronstadt和乡村歌王Kenny Rodgers。正是David Geffen看好乐队的主唱格伦·弗雷(Glenn Frey)，建议他组建乐队；而另外一位歌手兼鼓手唐·亨利(Don Henley)，则是在Kenny Rogers的提携下先是组建了乐队Shiloh，随后才在好友弗雷的撺掇下加入了Eagles。

　　今天，人们都认为Frey/Henley的组合对于老鹰，如同列侬/麦卡特尼对于甲壳虫那么重要。殊不知在老鹰刚组建的时候，他们二位的名气要小过另两位成员：主音吉他手Bernie Leadon和贝司手Randy Meisner。事实上，正是Leadon奠定了老鹰的乡村摇滚风格，也为乐队作为70年代代表乐队继承发扬60年代精神作好了音乐铺垫。之所以这么说，可以看看他在加入老鹰前参加的乐队名字：The Byrds和The Flying Burrito Brothers，都是当时名震一时的乐队，前者是西海岸民谣的标志性乐队，后者是乡村摇滚的重要开创者；Randy Meisner在当时的名气也足够响亮，他是乡村摇滚创始乐队Poco的主力，在加入老鹰前为流行巨星Rick Nelson打工。

　　最早的老鹰4人阵容形成后签约David Geffen当老板的Asylum公司，后者很聪明地先不安排他们出唱片，而是为正当红的民谣/乡村女歌手Linda Ronstadt(也就是后来红遍中国的一曲《Don’t Know Much》的演唱者)担任巡演伴奏乐队，并且为他们寻找更多的亮相机会。他们甚至还当过Bob Dylan的伴奏乐队！于是，凭借过硬的演奏水准，老鹰迅速获取了知名度，这支没有一个出生在西海岸的人士的乐队，竟然被认为是西海岸摇滚的代表，这个称呼随着岁月流逝，早已被提升到“西海岸摇滚第一团体”。

　　1972年，老鹰赴英国录制第一张专辑《The Eagles》，与金牌制作人Glyn Johns合作，第一支单曲《Take It Easy》上榜到第12位，连续三支单曲和专辑都进入Top榜单，初战告捷。次年，第二张专辑《亡命之徒》(Desperado)出版，继续上榜，标题曲成为他们最经典的歌曲之一，极为抒情的歌曲，却在当年没有被作为单曲发表，靠口口相传一直流行到今天，黄舒骏听它听到落泪，黄凯芹爱它爱到写在自己的歌里。

　　1974年，老鹰在美国巡演，巡演路上南方硬摇滚风格的James Gang乐队吉他手Joe Walsh加入到他们的行列，乐队爱屋及乌，决定雇佣Walsh的制作人Bill Szymczyk当他们下一张专辑的制作人，Szymczyk又推荐了自己的老朋友、吉他手Don Filder，于是Filder成为了乐队的第5位成员。不久，由Szymczyk制作的新专辑《边境线上》(On The Border)发行，之所以选用新制作人，是老鹰想让自己的声音变得更摇滚些，因为他们受够了乐评人的批判之词，说他们既乡村得不纯粹又摇滚得不彻底，软绵绵和娘娘腔是当时用来形容他们的频率不低的两个词。作为男人，这显然是不能忍受的。

　　1975年6月，第4张专辑《某一夜》(One Of These Nights)出版，终于让乐队登上专辑销量榜冠军，专辑中诞生了《Take It To The Limit》、《Lyin’Eyes》等招牌名曲，这一年年底，Joe Walsh终于成为乐队的正式成员，而Bernie Leadon则因为厌倦了马不停蹄的巡演生活宣布离队。

　　老鹰生涯中最为重要的1976年来到了。这一年，老鹰发表了他们出道以来的精选专辑《Their Greatest Hits 1971-1975》，迅速在世界各地夺得销量冠军，截止到2010年，这张唱片的全美销售数字超过了2900万张，稳居美国历史上最畅销唱片宝座。12月，老鹰推出旷世杰作《加州旅店》(Hotel California)，专辑发行一周就卖过白金数字，连续8周在Top榜上蝉联冠军，两支单曲《New Kids In Town》和《Hotel California》先后获得排行榜冠军，在随后的岁月里，《Hotel California》成了乐队的招牌，这首歌和老鹰几乎就是一体，在3月9日老鹰上海演唱会上，我想除了真喜欢他们的歌迷外，《Hotel California》是即便伪歌迷也能跟着哼上旋律的唯一一首歌。

　　巅峰之后不免有下坡，尽管老鹰的下坡路并不明显，但随着Randy Meisner的离队或多或少让人们感觉到了什么，取代他的也是Poco的成员提摩西·舒密特(Timothy B. Schmit)。差不多三年后，乐队才推出他们的第6张录音室专辑《大逃亡》(The Long Run)，依然非常精彩的乡村摇滚唱片，让乐队荣获当年的格莱美最佳摇滚乐队，并且诞生了《Heartache Tonight》、《The Sad Caf》、《I Can’T Tell You Why》等金曲，但今天看来它也就是老鹰的《Let It Be》，貌合神离形合神散。

　　终于，在1980年的双唱片现场专辑后，1982年，乐队正式宣告解散，5位成员随后分别发表了自己的个人专辑。起初最成功的是Glenn Frey，他首张个人专辑《No Fun Aloud》在美国大卖，单曲《The One You Love》传唱一时，后来被张国荣翻唱为《再恋》。后劲强大的Don Henley，在80年代后期凭借专辑《The End Of Innocence》风光一时，标题曲至今还是60年代末70年代初生的中国歌迷的挚爱曲目。

　　1990年，Frey和Henley再度携手，再4年，他们和Walsh、Schmit出现在MTV音乐现场，那一年正是不插电风潮兴起的一年，最合适这样玩法的老鹰自然受到追捧，MTV现场加上他们全新录制的几首作品集结在一起，便成了14年后他们的全新专辑《冰封地狱》(Hell Freezes Over)，这也是国人最熟悉的一张老鹰作品。因为录音效果出奇地好，这张专辑在全球大卖，至于中国内地，估计正版和盗版加起来百万销量都不止，所有音像音响店里，《冰封地狱》都被当作最佳试音碟。

　　而后几年，老鹰偶尔在一些重要场合重组，他们入选摇滚名人堂，难得的巡演必进当年全球最卖座的演唱会Top10行列。2007年，他们发表第7张录音室专辑《远离伊甸园》(Long Road Out Eden)，随即在全球卖出超白金数字，证明他们依然是摇滚乐甚至流行乐历史上最成功和最有影响力的一支超级乐队。

　　从摇滚到主流

　　老鹰乐队通常被认为是西海岸摇滚或者说加州摇滚的标志性团体，作为70年代极重要的音乐流派，西海岸摇滚继承的是60年代西海岸的嬉皮士传统，只不过削弱了后者由于药物作用产生的迷幻色彩，加入了由The Byrds、Poco、The Flying Burrito Brothers倡导的乡村摇滚元素，离开了嬉皮士的乌托邦而切实立足于美国民间音乐的土壤。

　　历来有批评认为老鹰的音乐和歌词过于甜蜜伤感，缺乏对社会的批判精神，但这与其说是老鹰们的选择，还不如说是历史的抉择更为合适。在我看来，老鹰更能代表60年代浪潮后长大的年轻一代的现实态度，他们从嬉皮士时期逐步进入生活，告别校园和青春期走到一个更为实际的社会。他们中的大多数在主动和被动中选择了更为主流的生存方式，向革命告别，开始建立自己的家庭。在美国这样一个清教徒思想占据主流的国度，这样的选择有着历史的必然。在老鹰的歌里，始终有着对传统道义和美德的追寻，如此的社会价值认同，是老鹰获得广泛认可的基础。如果说60年代是叛逆的时代，那么70年代则是妥协的时代，这妥协一方面是抗议一代向社会主流做出的。另一方面，也是后者对抗议一代做出的举动，摇滚乐在这一时代真正成为了主流音乐，而爵士乐、纯粹的乡村音乐等等昔日占据排行榜前列的音乐样式，在70年代愈发低迷和衰落。

　　在主流化的同时，叛逆一代也因为本身的价值取向，于过去和现实、梦想和世俗等等之间纠结或徘徊，这样的情绪被集中体现在了《Hotel California》之中：这首充满着神秘寓言感觉的歌，讲述发生在沙漠高速公路旁的加州旅馆的故事，繁华背后，尽是虚空，住店客可以在酒店里纸醉金迷、随时买单，但永不能离去。正如歌中所言“我们都是自制牢笼中的囚徒”，歌曲的曲调虽然美妙，但也似堕入轮回那般反复循环，苍凉到有些绝望。追求梦想的一代，回到现实后，他们在物质上并无担忧甚至颇为富足，然而内心，他们未尝接受和喜欢自己的生存状态，没有将自己身处的国度视作伊甸园，毕竟他们的美国梦，曾经那么自由而纯真。

　　老鹰当然是飞翔在高空之上，但回到当年，他们并非始终高高在上，盘旋于纠结和落寞也是他们的重要状态。每一首歌都有一个故事，关于老鹰的故事，有Take It Easy般的自然，也有I Can’t Tell You Why式的伤感，更有加州旅店的经历。今天，当一个浮华繁荣的上海迎来老鹰，除了现场的热闹，又有多少人听见岁月的唏嘘？70年代的美国，也许和2011年的中国，很有几分相似之处，很多东西我们拥有了，很多东西我们也失去了。

　　专访Joe Walsh

我不太理解现在的音乐了

　　不光是在中国，全球歌迷都想在老鹰的演唱会上听到《加州旅馆》。即使对于已经表演过无数遍的乐队成员来说，这首歌仍然是个挑战，他们也习惯做一些小的修改或者改变吉他的弹奏方式，让现场有些不同。

　　Q：你们都60岁了还能开演唱会，保持活力的秘诀是什么呢？

　　A：我以前不太会照顾自己，很疯狂。15年前，我戒掉了酒，并开始学着照顾自己。以前，我们睡得很少，派对很多，从来不想自己60岁了会成什么样。但如果我还想继续表演的话，就一定得对自己好点。我发现，调节饮食结构，经常健身，保证睡眠还有冥想，都可以对自己健康有很大的帮助。它们可以让我继续演奏下去，我不会再去派对了。

　　Q：还喝酒么？

　　A：不，再也不喝了。

　　Q：你还想再演多久？

　　A：有些我非常欣赏的艺人如BB King，还在演出，Ray Charles 在他70岁的时候也还不错。只要人们足够热爱音乐，就可以做得到。我也不知道我还可以干别的什么了。我不想退休，我现在觉得我还可以继续坚持，直到我不能坚持为止。

　　Q：你对中国了解多少？

　　A：不算多。它是个有着历史和文化的国度，但这方面我没有做什么功课，所以知道得不算多。还有，我非常希望在演出完后有单独的时间在中国好好转转。他们总得给我们几天看看中国吧。

　　Q：你对中国巡演有什么期望？

　　A：嗯，我不知道该期望些什么，每个国家都不太一样，在某些国家人们喜欢站起来、鼓掌、叫喊，另一些国家的人们非常有礼貌，他们把掌声留到最后。当然你们是个礼仪大国，习俗就是这样的。不过如果在演出中间的掌声或者反响很少的话，我也有可能会认为自己没有表演好，因为没人告诉我这究竟是怎么回事。我们唯一的信息来源就是听众，那么我对中国听众的理解就是他们很有礼貌，我也不去担心我们是否做好表演了，我只要去演出就可以了，不去期望什么。我不知道他们对我们的歌有多熟悉，不知道他们都喜欢听哪些歌，我们只管上台演奏就好，用我们了解的方式看看效果如何。没去过的地方对我们来说越来越少了，所以去新的地方让我兴奋，好像一股全新的能量要开始流动一样。

　　Q：《加州旅馆》是你们在中国最有名的歌，很多人都把那首歌作为专业试音碟来用，它在中国太有名了。当然还有一些歌如《放轻松》和《新面孔》也不错。

　　A:太好了。我还是认为我们只管去演出，做自己，看到时候反响如何。

　　Q：墨尔本的演出和中国的演出是一样的么？

　　A：差不多吧，可能会对歌曲单稍微改变一点，每次都不太一样，有时我们把歌翻个翻，有时我们把所有的歌都拿出来，去掉一首或者加上一首什么的，如果我们对其中某些歌已经开始生厌了，就换些其他的进来。但总的来说还是差不多。

　　Q：在亚洲你们有没有语言方面的障碍？

　　A：在演出的时候没有吧，只是我们不知道听众对歌有多熟悉。关于沟通，如果他们不懂，没关系，我们能适应得了，如果他们懂，那就更好。我们不会去刻意期望，不论听众怎么反应都没问题。

　　Q：老鹰乐队里每个人都有演出机会。每个人都能写歌和唱歌，不像其他的乐队只有少数成员掌麦。你怎么看？

　　A：我想这才是我们乐队的实力所在，我们可以互相分享，还有就是我们都喜欢换着唱。在我弹吉他的时候Don唱歌就变成件很棒的事情。当我要唱时，我喜欢让Don弹我最喜欢的歌。他最喜欢的歌又往往是我唱的，有时不用自己出声演出真的很棒，因为我们只玩乐器时也能享受乐趣，与其有个主唱，还不如我们这样轮流着唱呢。对听众来说也是件好事儿。

　　Q：你最喜欢的歌是哪首？

　　A：我觉得应该是《加州旅馆》吧，因为这歌不好弹，现在对我来说也仍算个挑战。因为它难度大，现场演奏有难度。

　　Q：你们已经唱了40年了。重复唱一样的歌有没有觉得厌烦。

　　A：会有这样的时候，幸运的是我们有足够多的歌来弹，所以有首歌我们已经觉得厌倦了，就会把它放一边一段时间，挖出另一首歌来。还有一些我们需要重复唱，因为是听众想要听的。所以我们真的想要把它们唱好，这个就跟你的态度有关了，跟职业精神相关，不论歌是否真的无聊。做一些小的修改或者改变吉他的弹奏方式再加点新的元素，那么现场这些歌听起来就会不同了。

　　Q：乐队组团至今，音乐风格改变了很多。你怎么看呢？你们是忠于自己的风格还是会在以后尝试新的东西？

　　A：是的，年轻一代，年轻的艺人，还有网络对音乐的影响非常大，真的要跟紧了不容易，出了这么多新的乐队，新的音乐。我不太理解现在的音乐了，有一些我也非常喜欢， 只不过我不再听那么多新的音乐，也没有什么真的很喜欢的乐队。数字时代对音乐的制作是个大的颠覆，乐队进棚一起录歌，这种老的方式在数字时代已经不存在了。一次只录那么一点，再放在一块儿听起来也不一样，我想念纯演唱的年代。

　　Q：世界可能已经跟你们那个年代完全不一样了。你怀念过去还是享受当下呢？

　　A：我并不觉得多么怀念过去，但我为有这段经历而骄傲，我们以前经常一起派对，一起疯狂，我有非常难忘的回忆。但60岁的时光也很棒，我现在还可以弹自己的音乐，人们听我们的歌，唱我们的歌，来听我们的演唱会，多么令人开心啊。也非常幸运现在还能继续表演。不能说我怀念过去，我非常开心我们曾经年轻过，在披头士时期就喜欢并且学习怎么弹吉他。我们早期的很多歌都是乡村摇滚，然后我们慢慢地走向别的曲风，比如摇滚，我加入乐队那会儿把摇滚也给带了进来。不过我仍然不知道，除了说我们是支美国乐队，你还会如何定义我们。

　　Q：你喜欢你们的音乐录影带吗？它也是新科技的产物？

　　A：视觉效果非常重要，我们只是演奏音乐罢了，我们不喜欢太具轰炸效果或者太束缚的东西，所以在录影带中关于我们故事的那段就表达得恰到好处。

来源：外滩画报

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文/CatCobain
披头士乐队(The Beatles，又译甲克虫乐队)毫无疑问是流行音乐界历史上最伟大，最有影响力，拥有最多歌迷，最为成功的乐队。披头士乐队对于流行音乐的革命性的发展与影响力无人可出其右，对于世界范围内摇滚乐的发展做出了非常巨大的贡献，影响了自60年代以后的数代摇滚乐队的音乐和思想，直接影响了摇滚乐的变革和发展，在英国，披头士乐队更是影响了60年代至今几乎每一支乐队的形成和发展。而乐队中四名伟大的音乐家，特别是约翰·列侬(John Lennon)和保罗·麦卡特尼(Paul McCartney)，对于世界各个角落的后辈摇滚歌手及音乐创作者们的影响持续至今。披头士乐队在上个世纪六十年代引领了轰轰烈烈的，被美国称为“英国入侵(British Invasion)”的音乐文化入侵浪潮，从根本上冲击了美国音乐的基础，彻底埋葬了“猫王”埃尔维斯·普雷斯利(Elvis Presley)的王朝，统治了美国唱片市场，并影响了此后美国本土流行音乐的发展道路，对于美国唱片工业冲击形成的影响，时至四十年后的今天仍能找到遗留的痕迹。

　　虽然从成立到解散，披头士乐队仅仅存在了十年的时间，但是乐队作为一个音乐文化的革命者，他们不仅拥有世界上最高，而且令后人难以企及的唱片销售纪录，而且他们的文化影响力也早已超过了其艺术的本身。披头士乐队在这几十年的时间里，早已成为了流行音乐和流行文化的标志，同时也成为了英国文化和英国历史的一个商标，他们中的成员也有被英国女王加封晋爵。披头士乐队引领了六、七十年代世界各个国家的流行文化方向，成为时尚流行的风向标，关于披头士乐队的任何东西全部都成为了最具文化内涵的商品，而披头士乐队曾经使用过的任何东西都可以被以惊人的天价来拍卖。披头士乐队除了不计其数的登上各种杂志的封面以外，还经常登上世界多个国家的邮票和明信片等纪念品，他们拥有不计其数的相关主题博物馆和纪录片，电影等相关文化资料储存组织。除此以外，在世界上至今仍拥有大量的披头士乐队成员的职业模仿者，以及专业组织和评判模仿大赛的机构和组织。披头士乐队以及披头士文化早已成为人类在20世纪文化领域的一个重要组成部分而被永远铭刻，他们作为上个世纪流行文化的商标，从未受到任何的挑战。

　　回溯披头士乐队的形成、发展以及他们数不胜数的光辉成就是一件非常困难的事情，最初，这支神话般乐队的开始是从英国名城利物浦开始的。早在披头士乐队录制专辑轰动世界的五六年之前，这支看起来和其他无名乐队并没有太多区别的音乐团体就已经开始了他们传奇般的经历。在20世纪50年代，英国流行起了噪音爵士乐，当时只有十几岁的约翰·列侬(出生于1940年10月9日，1980年12月8日在美国纽约遇刺身亡)就是当时追逐潮流的一个叛逆青年，1956年，16岁的约翰·列侬在利物浦一处教堂里结识了小他两岁的保罗·麦卡特尼(出生于1942年6月18日)，两人都给对方留下了非常深刻的印象，流行音乐史上最伟大的双子星走在了一起。1957年3月，正在高中读书的列侬购买了一把吉他，并且在高中校园里组建了一支名叫Quarrymen的噪音爵士乐队，乐队的名字来源于他们的学校Quarry Bank高中。保罗·麦卡特尼马上就加入了列侬的这支乐队担任另外一名吉他手，不久之后麦卡特尼的好朋友乔治·哈里森(George Harrison，出生于1943年2月25日，2001年11月29日在美国洛杉矶因恶性脑肿瘤去世)也加入了乐队成为了第三名吉他手，与此同时也陆续的有其他乐手临时性加入并退出这支高中校园里的乐队，其中留队时间较长的是乐队的鼓手柯林·汉顿(Colin Hanton)他于1957年加入，于1958年退出。最终，约翰·列侬，保罗·麦卡特尼和乔治·哈里森这三名利物浦吉他手在50年代末构成了Quarrymen乐队的核心稳定阵容。

　　1960年3月，约翰·列侬的大学同学兼好友，才华横溢的贝斯手斯图亚特·苏茨里费(Stuart Sutcliffe，出生于1940年6月23日，1962年4月10日因突发型脑出血病逝)加入了Quarrymen乐队，同时他建议乐队更名为甲壳虫乐队(the Beetles)，1960年夏天，Quarrymen乐队把名字变更为银色披头士乐队(the Silver Beatles)，一直缺乏固定鼓手的乐队也找到了合适的鼓手彼德·贝斯特(Pete Best，1941年11月24日出生在印度Madras市)加入，同年8月份，乐队正式定名为披头士乐队(The Beatles)。随后披头士乐队前往联邦德国的汉堡作为乐队在欧洲的起点，但是汉堡的经历却为披头士乐队泼了一头冷水。在汉堡，劈头士乐队虽然非常成功的在当地的一些俱乐部站住了脚，并且成为了当地一支小有名气且颇受欢迎的乐队，但是在1960年末，由于乔治·哈里森尚未成年，所以他们被西德方面遣送出境，披头士乐队再次回到了英国的利物浦，但是乐队通过在利物浦的一些演出渐渐成为了当地较为知名的小乐队。

　　1961年3月份，披头士乐队再次回到了德国的汉堡，去作为汉堡歌星托尼·谢里丹(Tony Sheridan)的后备乐队来参与专辑的录制工作，在此期间披头士乐队也创作了一些歌曲，但是没有被发表，不过这些音乐在披头士乐队成名之后陆续的被发行，这些早期作品证明了他们从这时开始就已经开始展现自身的才华了。与此同时，披头士乐队在利物浦的事业发展则日渐辉煌，在当地的俱乐部和酒吧的演出使他们渐渐从一支地下乐队逐渐的走向当地音乐文化的前台，在利物浦和默西塞德郡(Merseyside)地区，披头士乐队已经拥有了大量的忠实的歌迷和听众群体，而他们在卡文俱乐部(Cavern Club)经常性的演出表演早已成为了流行音乐界的一个传奇，整个1961年，披头士乐队的一系列活动为他们日后的成功打下了非常坚实的基础，但是同样在1961年，乐队的贝斯手斯图亚特·苏茨里费却重新回到了大学校园去完成他的学业，保罗·麦卡特尼转而成为了乐队新的贝斯手，乔治·哈里森成为了主吉他手，约翰·列侬担任节奏吉他，彼德·贝斯特担任鼓手，但同时他们在演唱和表演的时候又经常互换和演奏其他各种乐器，而每个人几乎都是乐队的主唱歌手。

　　在1961年，披头士乐队在利物浦演出和表演的过程中，乐队从最初时候的仅演唱翻唱曲目，到后来乐队成员自行创作歌曲，特别是约翰·列侬和保罗·麦卡特尼两个人相互合作创作了大量在日后脍炙人口的歌曲，同时他们也开始了自己音乐风格的探索，从最初的噪音爵士乐，到逐渐从民谣，布鲁斯，R&B音乐和摇滚音乐中汲取精华加以融合，形成自己的风格，同时开始了在各种乐器演奏技巧并将其融入乐队音乐的摸索。同是在这一年，披头士乐队的忠实歌迷，乐队前贝斯手苏茨里费的女朋友Astrid Kirchherr突发奇想，让乐队的所有成员全部把头发剪成拖把头一样的发型，这一起怪诞的想法变成了现实，这一发型也成为了披头士乐队成名以后的商标之一，并且带动了后来的流行方向。不过并不是乐队每一名成员都非常乐意把头发剪成拖把头一样的发型，乐队的鼓手贝斯特就特例独行的留着和乐队其他成员完全不同的发型。1961年底，披头士乐队的巨大潜力被利物浦的唱片店老板布莱恩·爱泼斯坦(Brian Epstein，生于1934年9月19日，1967年8月27日由于吸毒过量死于伦敦的家中)所发现，并且在不久之后成为了披头士乐队的经理人，他成功的运作即将把披头士乐队带上世界音乐的颠峰。

　　1962年1月1日，披头士乐队前往Decca Records唱片公司试音，但是最终被唱片公司管理人员迈克·史密斯(Mike Smith)回绝，并且声称，吉他乐队已经没前途了。此前他们已经被多家唱片公司所拒绝，但是在爱泼斯坦的带领下，披头士乐队再次前往百代(EMI)唱片公司的下属Parlophone公司碰运气，经过试音之后，唱片公司制作人乔治·马丁(George Martin)在1962年5月9日和披头士乐队正式签约。除了忙于和唱片公司的签约谈判，披头士乐队还继续在德国和英国进行演出，而成功和唱片公司签约后的爱泼斯坦开始潜心包装乐队的形象，除了已经形成的发型之外，还在着装等各方面打造披头士乐队，1962年8月16日，不合群的鼓手彼德·贝斯特被爱泼斯坦开除出队，这一决定引起了广泛而持久的争议，而他的被开除原因也是被传说的多种多样，有说法称贝斯特的离队是因为他不合群体的着装打扮和发型，也有说法称贝斯特是因为古怪多变的性格，以及乐队其他成员嫉妒他良好的形象，特别是在女性歌迷中的地位而被开除，还有说法称制作人乔治·马丁对他的鼓技不满。最终，利物浦土生土长的鼓手林戈·斯塔尔(Ringo Starr，原名Richard Starkey，生于1940年7月7日)被应招入队取代了彼德·贝斯特，而乐队的成员也实现了清一色的利物浦本土化。而1962年对于披头士乐队的另一个重要事件就是乐队的前任贝斯手斯图亚特·苏茨里费因脑出血病逝，年仅22岁。林戈·斯塔尔加入之后，披头士乐队立即开始了乐队第一支单曲《Love Me Do/PS I Love You》的录制。在这首单曲发行之后，顺利的排进了英国单曲榜的前20名，据说爱泼斯坦为了乐队的单曲能够进榜而自掏腰包购买了一万张，同时，披头士乐队也正式成为了英国广播公司(BBC)的固定表演嘉宾，从1962年到1964年，披头士乐队共在BBC进行了50多场表演。

　　1963年，披头士乐队的第二首单曲《Please Please Me》迅速成为了英国单曲榜的冠军单曲，同时这首单曲也被公认为是“英国入侵”浪潮的标志性单曲。随后披头士乐队发行了第三首单曲《From Me to You》同样成为了英国单曲榜冠军。1963年3月22日，披头士乐队发行了第一张专辑《Please Please Me》，这张专辑在发行之后迅速成为了英国专辑榜的冠军，并且在冠军位置上异常惊人的连续称霸了长达30周的时间，这在英国引起了轰动，上至皇室宗族，下至黎民百姓无不被披头士乐队的音乐所吸引，无论男女歌迷都为之倾倒，这些狂热者们也拥有了自己的专有名词“Beatlemania(披头士狂)”。披头士乐队的音乐在这时候已经初步成型，他们富有活力的音乐迎合了战后英国新一代的年轻人要求文化解放的思潮，带动了这一趋势的发展，同时他们的音乐融合了不同的风格和音乐元素，无可挑剔的音乐旋律以及谐和的音乐融合，兼有活力四射的吉他演奏以及诗意般的歌词和极其富有感染力的演唱，因而迅速主宰了英国的音乐市场，也带动了整个英国文化的发展，保罗·麦卡特尼和约翰·列侬成为乐队音乐创作的核心，两位天才之间的完美配合成为了音乐界的一段佳话。而制作人乔治·马丁卓越的制作才能也被人们所肯定，他完美的理解了披头士的音乐，并且精妙的音乐和器乐编排，成为了披头士音乐取得辉煌成就的一个重要因素。而披头士乐队的更伟大之处在于他们并没有使自己的音乐陷入一个程式化的怪圈，他们并没有使自己的音乐停滞不前，而是不断的摸索前进，进一步的去发展完善自己的音乐风格，并且在编曲，创作，以及器乐的表演方面进一步提高。披头士乐队在1963年底发行的第二张专辑《With the Beatles》，除了进一步的巩固了他们的地位之外，也充分表现了乐队在作曲以及各种乐器的演奏配合和编排上的成熟，他们用多种不同的乐器创造并完美的演绎了许多不同的音乐旋律以及把他们谐和的编排在一起，此时的披头士乐队已经具备了高出其他任何人一筹的王者实力，到1963年底，披头士乐队已经初步的统治了英国的音乐，狂热的歌迷们遍布英国的每一个角落，仅仅发行了两张专辑，但是披头士成为了文化现象。

　　大西洋对岸的美国显然不会对英国的疯狂充耳不闻，百代公司在美国的伙伴Capitol公司成为了最先的获益者，他们发行的单曲迅速席卷了美国的单曲榜，1964年初，Capitol公司发行了披头士乐队第一张美国专辑《Meet the Beatles》，结果他们在美国引起了并英国更剧烈的疯狂，专辑发行后不久，披头士在电视节目《The Ed Sullivan Show》中出现，结果吸引了全美超过七千三百万的观众收看，美国同样出现了极大量的披头士狂热者，披头士乐队成为了美国最受欢迎，最具轰动效应的乐队。同样，由于披头士乐队的出现，也掀起了“英国入侵”浪潮。从此之后，披头士的每一张专辑，每一首单曲都可以在大西洋两岸非常轻松的成为排行榜的冠军。他们对于唱片市场的统治地位，再没有任何人和乐队可以对他们形成任何冲击。1964年，披头士乐队出演了第一部电影《A Hard Day’s Night》在这部类似于自传性质的电影中，除了电影上的欢快活泼的音乐喜剧形式赢得了巨大的票房成绩和影评界的广泛好评以外，乐队贡献的电影原声更是具有革命性意义的。列侬和麦卡特尼的完美依然在继续，英国摇滚风格的音乐除了在英国引领音乐的发展之外，还逼迫着美国的一些慢节奏民谣歌曲风格的乐队和歌手投入到了摇滚音乐之中，就连美国音乐的象征“猫王”埃尔维斯也开始做出变化以对拯救自己的音乐市场做垂死挣扎。在这部电影原声中，乔治·哈里森受到了美国“革命的音乐诗人”鲍勃·迪伦(Bob Dylan)扔掉木吉他，拿起电吉他唱摇滚的影响，第二个拿起了电吉他来演奏摇滚歌曲，产生了极其巨大的影响，直接推动了摇滚音乐革命性的变革并影响了摇滚乐以后的发展。

　　随着披头士乐队成功的冲开美国唱片市场的大门，滚石乐队(the Rolling Stones)等众多的英国乐队在此后一拥而上，从根本上冲击了美国音乐市场，“英国入侵”轰轰烈烈的在更大范围内展开了，但是始终没有任何乐队对披头士乐队的地位形成威胁，而披头士乐队和鲍勃·迪伦一起成为了后来摇滚乐发展的教父级人物，英国的众多乐队影响了此后的数代美国摇滚音乐歌手和乐队的风格和思想。从1964年到1965年，披头士乐队又发行了《Something New》，《Beatles for Sale》，《Beatles ’65》，《Beatles VI》，《Help!》，《Rubber Soul》等多张专辑和电影原声，这些专辑除了继续轻易的获得巨大销量以外，虽然某些部分带有商业催生的色彩，但是绝大多数在音乐上也是不断的进步，在吉他演奏和其他各国乐器的使用融合上，披头士依旧是世界领先，并且他们不断的汲取其他音乐人的精华，列侬就从鲍勃·迪伦的歌词创作中吸取了很多非常优秀的经验，并且表现在了自己的音乐中，这种不断追求进步的状态使得披头士在音乐领域保持着持续进步的辉煌成就，而这期间的一些单曲也呈现出民谣和乡村风格，并且更多的注重了列侬和麦卡特尼个人感情的表达。除了发行专辑以外，披头士还增加了全球性的巡回演出，这使他们的辉煌和巨大的影响里渐渐成为了全球性的，他们的歌迷开始遍布世界各个角落。同时，他们所主演的电影《Help!》在票房商业取得了更为巨大的成功。

　　1966年，披头士乐队又发行了专辑《Revolver》，这张专辑依旧在世界范围内热销，不过这张专辑的风格却开始更加趋向于迷幻音乐，虽然这种变化是非常成功的，编曲，旋律，吉他的表现都依旧是协调组织的非常完美，但是此前听多了披头士那种摇滚风格的歌迷却有一部分声音认为披头士应该继续自己的器乐和声乐表现非常完美的摇滚乐风格，而不应该趋于迷幻色彩。尽管有不同声音，但是绝大多数的披头士狂热者仍旧继续着自己的狂热，专辑中多首单曲仍然在世界各国轻松的成为排行榜冠军，续写着披头士乐队以前的辉煌。在1966年发行的另一张专辑《Yesterday…And Today》封面却引起了相当巨大的争议，由于封面的生肉以及屠杀玩具娃娃的封面来抗议Capitol唱片公司控制他们唱片在美国市场的生杀大权，结果这些唱片在送往唱片店不久尚未发行的时候就被封存禁止发售，直到一个星期之后封面重新换成了普通图案之后才再次上市发售，而现在拥有那张专辑原始封面的唱片其珍藏价值早已超过数万美元。同年，乐队又因为列侬的“披头士比耶稣更受欢迎”的言论而一度遭到了电台和媒体的封杀，但是这只持续了很短时间媒体就妥协了，在披头士道歉之后，他们重新对披头士敞开了大门，似乎披头士确实比耶稣更受欢迎。但是乐队在1966年8月29日结束了在旧金山Candlestick公园的演唱会之后，就宣布暂停巡回演出，集中精力在录音室去做音乐创作。但是媒体却广泛的认为乐队即将解散，特别是乐队的成员在注重乐队发展的同时也开始了个人音乐的发展，更加刺激了这种说法的蔓延，不过披头士最终以新单曲核心专辑的发布而彻底打消了媒体的各种猜测。

　　1967年，披头士乐队发行了专辑《Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band》，这张专辑不仅让披头士继续着流行和摇滚乐界的统治性地位，同时也是披头士出色的迷幻音乐专辑，多种乐器的混杂以及多首歌的混录等，旋律、编曲、歌词、器乐等各方面仍旧是无可挑剔，同时专辑中歌词所流露出的嬉皮士态度，再一次代表了当时社会上年轻人的思想，披头士再次代表了年轻一代的文化思潮，因而虽然他们的迷幻音乐以及生活上开始服用迷幻药的做法受到了一定的压力，不过披头士却依然扮演着青年人先锋的角色，披头士依然是文化的先驱，不过他们的音乐却开始逐步的离开摇滚乐转而向着流行音乐的方向发展和变化。1967年8月27日，披头士乐队的经理人，为乐队做出过卓越贡献的爱泼斯坦由于吸毒过量而死在了伦敦家中，种种迹象表明，爱泼斯坦可能是蓄意服毒过量自杀。失去了经理的披头士突然变得有些混乱无主，他们自编自导拍摄的第一部电影《Magical Mystery Tour》在BBC播出，但是最终遭到评论界的口诛笔伐以及媒体的刁难，虽然电影的原声专辑仍旧受到了歌迷们的疯狂欢迎，但是这一切却成为了披头士乐队出现崩溃的开始。

　　1968年，披头士乐队在爱泼斯坦去世之后建立了自己唱片公司Apple Records，用来管理和组织乐队的财政问题。但是披头士乐队成员多年来对于印度宗教的追捧却在这时达到了极至，他们偷偷的来到了印度，潜心修行印度宗教，但是随着媒体的刁难和追逐，乐队成员最终被迫离开了印度，并且放弃了宗教方面的学习。同时由披头士乐队制作音乐的另一部动画片《黄色潜水艇(Yellow Submarine)》再次遭到媒体和批评家们的责难，不过歌迷们的狂热并没有受到丝毫的减弱，影片同名主题歌《黄色潜水艇》也已经成为了披头士的经典作品之一。1968年末，披头士乐队发行了双唱片的专辑《The Beatles [White Album]》，这张专辑在进一步巩固他们在歌迷群体中影响力的同时，又重新赢得了各方的好评，重新证明了乐队成员的大师级水平。在这张专辑中，披头士乐队放弃了迷幻音乐，转而继续坚持以吉他为主的摇滚乐，并且继续展示他们的多种风格融合以及多种乐器的演奏能力和编曲等才华，这张专辑也成为了披头士乐队最经典的专辑之一。但是在专辑辉煌的背后，披头士乐队不可调和的原因逐步的被暴露出来了，与早期音乐创作和表演时相比，此时的披头士音乐已经开始出现个人化程度过高的现象，一首歌并不是由集体或者个人创作出来之后再由乐队集体来表演，而是某个人创作出来一首完全适合自己来演唱或者表演的歌曲，由个人展示才华，乐队的其他成员只是伴奏，在歌曲中并没有什么表现机会，这种现象最为突出的就是两大天才列侬和麦卡特尼，两个人只创作适合自己个人的单曲，而越来越少的为乐队整体创作音乐，这是乐队的集体音乐越来越少，甚至出现了列侬和麦卡特尼两个人明争暗斗的恶性竞争，各自创作各自的音乐，并且在爱泼斯坦去世之后，列侬和麦卡特尼两个人都希望能够由自己一个人统领乐队，但是双方又不能相互心服，而只能暗地斗争，并且屡次在录音室争吵，列侬还在此期间发行了自己的第一张个人专辑。更为棘手的是，在列侬和麦卡特尼明争暗斗的同时，同样富有创作才华，特别是极其富有编曲作曲以及演奏天赋的乔治·哈里森也渐渐因为自己年龄最小而在专辑制作时受到的一些不太公正的对待而感到不满，比如更少的作为领唱，创作的单曲也更少的被收录在内等情况，同时乐队的相对内敛的鼓手林戈·斯塔尔也开始不能忍受由于不是乐队原班人马而受到的各种不平等对待，比如平时基本看不到斯塔尔担任领唱，甚至连乐队的合影中，斯塔尔的单人照也是四名成员中最少的。披头士乐队不可调和的问题渐渐浮出水面，乐队团结的危机一触即发，所幸的是，当时的媒体在此时尚未意识到这些问题。而与这些矛盾同时出现的还有列侬的爱情问题，列侬此时已经和日本女星小野洋子(Yoko Ono)深深的坠入了爱河，尽管遭到了乐队其他成员以及大量歌迷的一致批评，但是列侬依然是执著的和这个日本女人在一起，并且因此时常影响乐队的计划。

　　1969年初，披头士乐队的成员间再次出现了分歧，麦卡特尼主张乐队重新恢复大规模的巡回演唱会，但是其他人决定继续在录音室内录制新专辑，并且暂定名为《Get Back》。但是乐队的录制计划却非常的不顺利，麦卡特尼表示不同意，而哈里森又暂时性离队，并且在归队以后带来了美国的键盘手比利·普雷斯顿(Billy Preston)作为乐队固定的键盘手，同时为了缓和一下乐队四名成员间的不和谐气氛。但是遗憾的是乐队新专辑的计划最终流产，乐队此后只是为一些电影和电视节目录制了少量的几首单曲而已。随后在1969年1月30日，披头士乐队在伦敦Apple Records唱片公司的房顶上举行了即兴的小型演唱表演活动，但是在表演结束之后没有人会想到这竟然是他们所进行的最后一次公开表演。但是在1969年春天，披头士乐队原本准备录制的专辑中最好的两首单曲《Get Back》和《Don’t Let Me Down》以单曲形式发表，并且依旧在全世界各地成为最引人注目的歌曲，世界上的披头士热潮并没有降温，大量的披头士狂热者们依旧保持着狂热。可是更大的矛盾在不久之后到来，保罗·麦卡特尼在3月12日和美国摄影师琳达·伊斯特曼(Linda Eastman)结婚，几天之后，约翰·列侬也正式迎娶了日本女星小野洋子，关键的问题随后出现，麦卡特尼坚持由自己的岳父李·伊斯特曼(Lee Eastman)作为乐队的新经理，但是乐队的其他成员最终聘请了美国商人艾伦·克莱恩(Allen Klein)担任了乐队的经理。披头士乐队在1969年中期最后一次走进了百代公司的录音室，和制作人乔治·马丁一起去录制专辑《Abbey Road》。这张专辑中，尽管多个部分是四名成员分开录制的，但是乐队却达到了非常惊人的统一，四名音乐家在这一时间里又重新发挥出了最高的艺术水平，同时在音乐旋律，编曲等各个方面都达到了完美的和谐，而在歌曲的音乐音乐创作方面，哈里森也和列侬以及麦卡特尼平分秋色。乐队成员间最后的努力最终缔造了这张完美的专辑。最终这张专辑在市场上又继续了披头士的时代，疯狂的披头士迷们继续无限制的发挥着自己的热情，然而没有人会想到此时的披头士乐队，解散已经只是时间问题。而此时由于披头士乐队已经很长时间没有进行过公开表演，以至于在美国大陆产生了许多谣言，有一种说法认为麦卡特尼已经早在数年之前就已经因车祸而去世，现在只不过是一名出色的模仿者替代了他，而这些想象力丰富者们的依据则是根据唱片封面的艺术抽象性来判断出来的。然而真实的是，1969年9月，约翰·列侬提出退出披头士乐队，但是由于此时的披头士乐队正在于百代公司商谈续签合同的问题，列侬退队的事情就被临时搁放下来。

　　进入1970年，披头士乐队再也没有录制一首歌，乐队的成员只是分开后，独自忙着自己的事情，列侬和小野洋子为自己的乐队操劳，麦卡特尼准备自己的第一张个人专辑，哈里森和其他乐队一起做巡回演出，斯塔尔则在拍摄电影，仅仅在一些公开露面的时候举在一起，并且形式上否认有关解散的传闻。整个世界都没有真正意识到这支正处事业颠峰的伟大乐队即将解散。1970年春天，由于需要再进行混音制作的1969年初录制的单曲加工制作完成，并且作为电影原声《Let It Be》正式面世，但是由于录制时间等原因，《Abbey Road》通常被认定为披头士乐队的最终专辑，不过这张专辑依然在全世界取得了非常令人瞩目的成绩，因为此时的披头士热潮并没有减少。但是在这张专辑发行之前的1970年的4月10日，保罗·麦卡特尼宣布了一个震惊世界的消息，他将退出披头士乐队，从此也宣告了伟大的披头士乐队即将进入历史。最初的时候由于人们还不了解情况，所以率先提出离队的麦卡特尼受到了歌迷和媒体的巨大压力，但是当一切渐渐清楚之后，人们似乎认为四名伟大的音乐家间不可调和的矛盾注定了乐队的解体。而从乐队解体以后，Apple Records唱片公司也有名无实。1970年10月31日，麦卡特尼向法院提起诉讼，要求完全解散披头士乐队，并且禁止乐队重组，经过长达一年的审理辩论之后，最终诉讼被法庭批准，披头士乐队从此以后再无任何希望重新复合。

　　披头士乐队解散以后，乐队的成员也各自按照自己的发展方向发展自己的事业，哈里森在列侬和麦卡特尼的阴影里得不到施展的才华终于得以在世人面前展现，他组建了All Things Must Pass乐队，列侬则和妻子继续经营着自己的乐队(Plastic Ono Band)，麦卡特尼的单飞生涯最为成功，他的Band on the Run乐队在商业上及评论界都获得极大的成功，在流行音乐界和摇滚音乐界续写着自己的辉煌，而最不顺利的则是斯塔尔，并没有太多创作才华的他在70年代初的时候只能是频繁的帮助各个前队友，做一些伴奏工作，并没有太多令人印象深刻的作品问世。经过70年代之后，列侬的音乐在独立发展后越来越拥有伟大的思想和深意，歌词方面的造诣越来越深，而麦卡特尼则依旧保持着音乐的美妙旋律，哈里森依旧在器乐的表现上超出其他前队友，而斯塔尔则只能创作出相对不错的音乐，渐渐的趋于平庸，但是仍旧是一名优秀的音乐家，单曲和作品都曾经达到过非常辉煌的高度。应该说在70年代的时候，披头士的成员们由于披头士狂潮的延续，依然能够续写着自己乐队的传奇和辉煌，并且取得伟大的商业成就和非常高的评论。

　　尽管在整个70年代，关于披头士乐队要重新复合的传闻连绵不断，但是在1980年，随着列侬在纽约街头被刺身亡，披头士彻底的进入了博物馆。而在进入80年代以后，前披头士乐队成员的作品销量虽然依旧非常受到欢迎，但是销量却呈现出了逐年下降的趋势，歌迷们已经渐渐的习惯了披头士已经不复存在的事实，披头士乐队和披头士的前队员们正在慢慢的成为了记忆中的偶像和传说中的人物。虽然披头士乐队的前队员们的作品销量日益减少，但是披头士乐队的作品却依然释放着不老的光辉，除了不断的被其他新生代歌手所翻唱以外，乐队的专辑销售也一如既往的保持着非常高的销量，丝毫没有因为时间的流逝而有丝毫的退色，披头士仍然在吸引着一代又一代的新歌迷。

　　进入90年代，披头士乐队的三名剩余成员还有列侬的遗孀，就披头士乐队的各种版权的所有权问题最终在法庭上达成了基本的一致。这使得披头士早期的作品得以在90年代利用高新技术重新的发行，其中包括约翰·列侬创作的乐队未曾发表过的两首单曲《Free as a Bird》和《Real Love》也得以重新面世，这些专辑在推出之后依旧成为了唱片市场的畅销货，同时由于早期一些音乐作品的版权达成了一致，结果披头士乐队早期曾经在BBC的电视节目中表演的现场录音和录像，以及拍摄的关于披头士乐队的纪录片等等都有机会重新发行，这些CD和VCD在90年代陆续的被发行，解散二十多年的披头士乐队再次把经久不衰的音乐带给了后代。

　　进入新世纪，披头士乐队依然经常有精选集或者翻录专辑问世，他们的这些伟大的音乐作品，在新世纪依然散发着永恒的魔力，他们一次又一次的冲击着几十年后的唱片市场，经常会在乐队解散数十年后继续成为排行榜的冠军。而当列侬离开人世的时候，为其举行追悼纪念活动以及参加守夜的世界歌迷多达数百万人，当2001年杰出的吉他手乔治·哈里森因病辞世的时候这种场面又再次重现，至今仍又一代又一代的性格迷被披头士的魔力所吸引，为他们的音乐所痴迷，披头士的音乐成为了人类的永恒。

　　披头士乐队拥有着世界上各种唱片销量统计的最高纪录，全球拥有数亿张的唱片销量，并且每年仍有近千万张的增幅，大大领先于“猫王”埃尔维斯·普雷斯利，仅在美国就拥有将近一亿六千五百万张的销售纪录，领先亚军多达六千万张，几乎每两个美国人就拥有一张披头士的唱片。作为乐队整体，披头士乐队还曾经获得过八次格莱美奖。第一次是在1964年度第七届格莱美颁奖中，披头士乐队凭借单曲《A Hard Day’s Night》获得了最佳乐队奖(Best Performance By A Vocal Group)，在两年后的第九届格莱美颁奖中，披头士乐队由约翰·列侬和保罗·麦卡特尼创作的单曲《Michelle》获得了年度最佳歌曲奖(Song Of The Year)，专辑《Revolver》同时还获得了一个技术类奖项——最佳唱片封面奖(Best Album Cover, Graphic Arts)，在1967年度第十届格莱美颁奖上，披头士乐队凭借专辑《Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band》收获了年度最佳专辑(Album Of The Year)和最佳当代专辑(Best Contemporary Album)两项大奖，同时这张专辑又获得了两个技术性奖项——最佳非古典类录音工程奖(Best Engineered Recording – Non-Classical)，以及蝉联了最佳唱片封面奖。1969年度第12届格莱美颁奖典礼上，披头士乐队的专辑《Abbey Road》第二次获得了技术类的最佳非古典类录音工程奖。1970年度第十三届格莱美颁奖上，披头士乐队凭借《Let It Be》获得了最佳原创电影电视音乐奖(Best Original Score Written For A Motion Picture Or A Television Special)。此后由于披头士乐队的解散一直未能再次获奖，直到1996年度第39届格莱美颁奖典礼上，已经解散近三十年的披头士乐队包揽了格莱美三项大奖，凭借单曲《Free As A Bird》，披头士获得了格莱美最佳流行乐队奖(Best Pop Performance By A Duo Or Group With Vocal)，而《Free As A Bird》的音乐录影带，以及音乐录影带《The Beatles Anthology》分别获得了格莱美最佳音乐录影带短片奖(Best Music Video, Short Form)和最佳音乐录影带长片奖(Best Music Video, Long Form)，再次书写了披头士不老的传奇。(CatCobain)

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一个垮掉一代作家、一个不折不扣的嬉皮士肯·凯西（Ken Kesey）前不久去世。对这个人，我们知道的不多，作为垮掉一代作家，他的名气远没有艾伦·金斯堡和杰克·凯鲁亚克大，人们大都知道电影《飞越疯人院》，但知道他是这部电影原著作者的人不多，给更多人留下印象的是杰克·尼科尔森在影片中饰演的麦克墨菲角色，但知道这个角色实际就是作者本人的人也不多。

迷幻摇滚是60年嬉皮运动与摇滚乐作用后出现的“副产品”，在当时仅仅是嬉皮运动现象中的一部分，但最终成为一种摇滚乐风格。

那么，肯·凯西、《飞越疯人院》、嬉皮运动和迷幻摇滚乐之间到底是什么关系呢？

凯西年轻时曾在斯坦福大学学习写作，当时大学附属医院精神病研究所在搞一项实验——迷幻药物研究。由于参加试验者每天可获得75美元报酬，凯西便自告奋勇加入了试验者行列。正是这每天75美元，改变了他的一生，也改变了摇滚乐进程、表演方式和对摇滚声响的审美标准。

这次实验让凯西着了魔，他不久又回到医院，不过第二次的身份是清洁工，他隐蔽的身份使他有机会从实验室里偷出迷幻药拿回家做实验。有时他服药后回到医院继续工作，在幻觉下，他走进精神病患者的内心世界，这就是小说《飞越疯人院》的由来。小说中的麦克默菲实际上就是他自己。

凯西对迷幻药物的兴趣与日俱增，最初还是局限在那些垮掉一代的小圈子里，随着嬉皮运动兴起，凯西的迷幻实验渐渐派上了大用场。

凯西喜欢摇滚乐，他经常开一些迷幻Party，一边服用LSD（麦角酰二乙胺，一种强致幻剂，能使听觉、视觉出现错乱，产生逼真幻觉、时空扭曲等生理反应）这类致幻剂，一边听摇滚乐。参加他Party的人越来越多，最后，他干脆把这些人组织起来，起名“快乐捣蛋鬼”，弄来一辆大面包车，开着车，四处游逛，从西到东，跑遍美国。当时给凯西开车的司机尼尔·卡萨蒂后来就是凯鲁亚克小说《在路上》主人公迪恩·莫里亚蒂的原型。在路上，他们免费向人群发放LSD，那时候，LSD在美国还没列入禁品行列，由于LSD能提高对审美的敏感性，对创造和直观经验有“辅助”作用，所以在当时常常被滥用，后来也成了摇滚乐手滥用的借口。

当初和凯西参与致幻剂试验的还有罗伯特·亨特，他后来认识了一个叫杰里·加西亚的歌手，并把加西亚介绍给了凯西。此时加西亚已经有了一个叫做“巫师”的乐队，每次开Party，乐队都会去表演。后来，凯西开始了一系列LSD“迷幻试验（acid tests)”，来测试服用后的效果，“巫师”自然是第一批接受这种测试的人。

“巫师”实际上就是后来大名鼎鼎的“感恩而死”乐队前身，作为一支倡导嬉皮博爱精神的乐队，“感恩而死”以旧金山为基地，在嬉皮风潮弥漫的60年代，赢得了无数歌迷。“感恩而死”的歌迷和其他歌迷不同，由于有一层嬉皮色彩，所以，他们成了乐队死党。不管乐队到什么地方演出，他们都会翻山越岭、飘洋过海，追随精神偶像。这些死党歌迷因此赢得了一个称号:“死头”（DeadHead）。作为回报，“感恩而死”从来不计较歌迷给他们的唱片做盗版，这一点让唱片公司颇为头疼。

由于加西亚在“迷幻试验”中发现超大音量的摇滚乐能给处在迷幻状态中的人带来无法想像的幻觉，这促使他们在演奏中加大吉他弹奏的失真度，延长演奏时间，以让听众更充分体验这种迷幻。很多乐手在表演中都这么没完没了，于是改变了过去一首歌两分半的模式。

另一方面，凯西与他的“快乐捣蛋鬼”周游美国各地，无形中“普及”了迷幻摇滚，直到美国宣布LSD为违禁品，他们才中止了捣蛋之旅，凯西也因此坐了一段时间班房。

当摇滚乐手发现LSD比大麻更能带来强烈致幻效果时，便纷纷服用，反过来，在幻觉状态下他们创作出的音乐就有些不一样。在此之前，不论是摇滚乐还是流行歌曲，在录音时尽量使乐器声音更加纯净、真实，在当时录音手段不太发达情况下，噪音和对音色还原上的缺陷一直是让人头疼的问题。当迷幻摇滚出现后，人们反倒不在乎这些了，甚至，他们还要反其道而行之。“披头士”在录制《生活中的一天》这首歌时，请来了伦敦交响乐团，在歌曲结尾处，有一段弦乐重奏，当时麦卡特尼指挥着乐队，拼命让小提琴往走调里拉。最后，我们听到的这段弦乐重奏就是飘忽、眩晕、混浊甚至刺耳，这种违背常理的做法在这里却变得如此和谐、精彩。麦卡特尼为什么要这样？他就是要造出迷幻效果。还有，在嬉皮年代与“感恩而死”齐名的“杰斐逊飞机”乐队有一首歌叫《白兔》，这只兔子就是小说《爱丽丝漫游仙境记》里的那只白兔。在小说里，作者通过一只不留神掉进一个洞里的白兔的眼睛来描述一个奇幻世界。《白兔》实际上也是通过这种暗喻来描述致幻状态下漫游“仙境”的感受，音乐仍然是飘忽、混浊。

当这种迷幻摇滚逐渐盛行，乐手们才发现，当时的效果器（主要是吉他效果器）音色变化已远远不能满足人们的需要，于是各种仿迷幻效果的吉他效果器应运而生，并被广泛使用。1965年以后的摇滚乐突然变了样，音乐变得越来越混浊，声响变得越来越模糊，哇音、发嗞、延时效果在演奏中被大量使用，这就是迷幻摇滚。

那些乐器设备制造专家不停地修改线路板，以让音色更加时髦，乐手们把它拿过来表现幻觉体验。一直以来，摇滚乐与致幻剂就纠缠不清，导致迷幻摇滚在嬉皮运动结束后仍断断续续地延续下来。但每个阶段对迷幻音乐审美方式都不一样，这与设备改进、致幻剂致幻效果变化有关，但形式上基本没变，60年代摇滚乐手在舞台上不停地演奏，台下服用大麻或LSD和今天DJ表演与舞池跳舞者服用摇头丸没什么区别。

先锋作曲家家约翰·凯奇对噪音曾有过这样的评价:“无论你在何处，你听到的大都是噪音，当你不注意的时候，它在打扰你，当你聆听的时候，发现它奇妙无比。”这是凯奇关于噪音美学的相对论，迷幻噪音仅仅是凯奇噪音概念的一种，在摇滚乐中却起到颠覆传统音乐美学的作用。

比如，迷幻摇滚中很多残存下来的乐队，最后都朝重金属和激进摇滚方向发展，重金属继承了迷幻摇滚的噪音，激进摇滚继承了迷幻摇滚的实验色彩。当80年代“音速青年”、“我的血淋淋情人节”和“耶稣与玛丽锁链”出现时，迷幻色彩完全可以通过技术来完成。这些恐怖噪音的制造者们用毫无道理的声响来刺激人们的耳膜，对不明白的人来说这是神经错乱;但对任何一个观看他们现场演出的人来说，都知道这意味着什么。

电子合成器的出现同样和迷幻音乐结合在一起，80年代在芝加哥出现的HouseBeat为电子界迷幻音乐承传下一条脉络，当英国的“石玫瑰”乐队用精致、优美的旋律把HouseBeat转化成一种怀旧色彩新浪潮音乐时，迷幻音乐借电子乐潮流在90年代借尸还魂，超低中音的音箱为那些“磕药”的迪厅常客创造了一种新的迷幻境界——狂喜。

但狂喜总是暂时的，一个宁静的时代，人们想通过药物来给自己制造混乱;一个混乱的时代，人们又要通过药物来给自己制造片刻安宁，说来说去都是逃避。但像肯·凯西这样把逃避演变成文化高度的时代再也不会有了。

来源：三联生活周刊

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今年是哈佛大学心理学教授蒂莫西·利里（Timothy Leary）逝世10周年，一部关于他生平的电影正在紧锣密鼓筹备中，计划出演利里的是好莱坞明星莱昂纳多·迪卡普里奥。其实无论谁来演都会很好看，因为利里的一生充满传奇色彩，可以用这样几个关键词来描述:哈佛教授、学术明星、迷幻药、先锋艺术家、精神导师、美国中央情报局、嬉皮士、亿万富翁、好莱坞明星、贩毒集团、恐怖组织、双料间谍……美国前总统尼克松称他是“美国最危险的人”。

　　1973年1月17日，洛杉矶国际机场戒备森严，50名全副武装的防暴警察端着冲锋枪严阵以待。下午，一架从阿富汗飞来的波音客机降落在机场，从飞机上走下一位满头白发的中年男人，在场记者立刻认出他就是大名鼎鼎的利里。老记们事后承认，他的笑容还是那么富有魅力，即使等待他的将是漫长的刑期。

　　至此，利里的中年危机终于告一段落。

　　中年危机

　　故事要从1960年夏天说起，在墨西哥的一个度假村，当时利里已经坐稳了哈佛大学心理学系教授的位子，可他总觉得生活里缺少点什么。利里从来就不安分守己，年轻时做过很多出格的事情，甚至曾被西点军校开除，因为他把几瓶酒偷偷带进了军官宿舍。后来他发奋读书，考上了加州大学伯克利分校，拿到心理学博士学位。之后他被加州一所医院聘为心理学部门的主管，还发明了一套心理测验方法，被人称作“利里测试法”。1959年他被哈佛大学聘为教授，因为他口才好，讲课生动，深得师生喜爱。但他的个人生活却是一团糟，刚离了第二次婚，第一个妻子又自杀身亡。

　　“试试这个吧。”一个朋友让他尝试墨西哥的毒蘑菇。他读过《时代》周刊3年前刊发过的一个长篇报道，详细描述了印第安毒蘑菇的致幻作用。利里虽然是个心理医生，之前从没有尝试过致幻剂，可在墨西哥的阳光下，他忍不住好奇心，把毒蘑菇吃了下去。

　　“这是我迄今为止最具宗教色彩的一次经历。”利里事后写道，“所有的美、宗教启示、感官享受、历史的真相、上帝、魔鬼……所有这一切都来到我的身体里，却又游离于灵魂之外。”

　　回到哈佛大学后，利里立即着手研究毒蘑菇的主要成分——费洛赛宾（Psilocybin）对人类意识的作用。他招来一批哈佛大学学生做志愿者，和他们一起服药。他发现费洛赛宾能让服用者进入宗教冥想状态，后来他甚至把费洛赛宾给监狱犯人服用，以期证明这种致幻剂能像宗教那样把坏人变成好人。这时，显而易见，利里已经不再是一个严肃的科学家了，他不仅满足于研究费洛赛宾的功效，而且想借助致幻剂的力量改变人的思维，甚至制造一种新的宗教。

　　不久，一个名叫霍灵海德的英国学者来到哈佛，利里给他服用费洛赛宾，他觉得不过瘾，拿出一瓶蛋黄酱说:“试试这个，混了LSD的。”利里知道LSD全名叫麦角酸二乙酰胺，是一种人工合成的致幻剂，其发现者阿尔伯特·霍夫曼（Albert Hofmann）也正是费洛赛宾的发现者。他试了一勺，结果大吃一惊。LSD让原先静止不动的桌椅板凳变活了，所有颜色变得更加鲜艳，更妙的是，LSD的效力比费洛赛宾强很多倍，只要10微克就足以让人进入迷幻状态，一勺纯LSD可以让5万人暂时变成疯子，事后也没有任何副作用，不会让人上瘾。

　　和所有第一次尝试LSD的人一样，利里被彻底征服了。他很快把费洛赛宾丢到一旁，转而研究LSD，说是研究，还不如说是传道。他以哈佛教授的名义广泛邀请各界名人来家里一起服用，其中包括一位名叫玛丽·平绍特的画家，她丈夫是美国中央情报局（CIA）的高级官员，通过这层关系，当时的美国总统肯尼迪也曾服用过利里提供的LSD。肯尼迪被刺后不到一年，平绍特也被谋杀，她的日记本神秘地失踪了。

　　LSD彻底释放了利里的野心，他不再满足于让犯人从良，他编写了一本致幻剂使用手册，教导读者用何种方式，以怎样的心态服用致幻剂，才能顺利达到宗教般的极乐世界。他利用自己哈佛教授的身份，广泛宣传LSD好处，却只字不提LSD的危险性，这令哈佛大学将他开除，他是哈佛大学上世纪开除的第一个教授。

　　一个亿万富翁找到了利里，他在距离纽约市不远的一个名叫米尔布鲁克的地方有一个庄园，其中心是一幢有64间房子的大别墅。这个富翁邀请利里及助手搬进来，这帮人都是心理学家，经常连着好几天服用大剂量的LSD，然后详细记录自己的感觉和反应。纽约各界名人知道了这个消息后纷至沓来，利里居然依靠LSD进入了向往已久的富人和名人圈。1964年，利里娶了第三位妻子，一个漂亮的瑞典模特。可惜这段婚姻只维持了3年。后来那个模特改嫁，生下了著名演员乌玛·瑟曼。

　　利里的招摇做派很快引起美国政府注意。1965年，利里从墨西哥带了3盎司大麻回国，被警察当场抓获，被判处20年监禁，罚款3万美元。虽然很快他就被保释出来，但他仍然是美国到那时为止因贩卖毒品被判刑最重的人。

　　其实，美国政府不但对利里的一举一动了如指掌，对LSD的了解都比利里更清楚，因为当初就是CIA首先把LSD引进美国的。

　　LSD真正的始作俑者

　　感谢美国的情报解密法，CIA保守多年的惊天秘密终于得以重见天日。据最近公布的资料，美国的军事情报部门早在二战期间就着手研究怎样控制人的思维。当时他们是想找出一种“审讯药”，让犯人吃了不打自招。他们试验了包括大麻、鸦片和海洛因在内的多种毒品，间接造成了它们在美国的流行。二战结束后，冷战又开始，美国情报部加大了研究力度，为此还专门成立了一个部门，实施“蓝鸟”（Bluebird）计划，秘密雇用了一批前纳粹医生，全盘继承了他们从集中营犯人那里得来的“研究成果”。

　　1949年，LSD自欧洲传入美国的学术界。CIA很快就得知此事，并立即开始在犯人、毒品贩子和妓女等人身上试验LSD作为审讯药的潜力。可研究发现LSD能引发实验对象产生妄想症，说出来的话十有八九都是瞎编的。于是蓝鸟计划的负责人又建议把LSD当作“抗审讯药”，让深入敌后的特工随身携带，被捕就吃下一点，然后就可以对敌人胡说八道了。从这个例子可以看出CIA在LSD研究上的混乱状态。

　　1953年，CIA借口苏联已经有了神经性生物武器，从国会要来更多的拨款，成立了一个权力更大的研究机构MK-ULTRA。关于这个组织的宗旨，曾有过一份说明，却只复印过一份，因为它实在太过震撼。原来，CIA发现服用LSD的人会在短时间里变成疯子，于是就想到给敌国领导人下药，让他们在公共场合出丑。为证明这一点，CIA开始从自己人身上下手，在不预先通知的情况下给自己的雇员服药，观察他们的反应，最后竟发展到在圣诞派对上集体服药。不用说，CIA开了有史以来最疯狂的一次派对。不过CIA后来玩火自焚，一个军医在LSD的作用下跳楼自杀，直到多年后CIA才公开了这件事，给那个军医的家属赔了一大笔钱。

　　公认最早提出LSD具解放思想作用的艾尔弗雷德·哈伯德（Alfred Hubbard）也是一名前美国战略情报部（CIA前身）的间谍。他像利里一样被LSD彻底征服，自50年代开始以传教士般的热情在美加地区散发LSD。他最早的顾客就是曾经写出《美丽新世界》的作家奥尔德斯·赫胥黎（Aldous Huxley），后者在LSD的启发下又写了一本更加著名的《知觉之门》，提出人的神经系统只是起过滤作用的门，挡住了来自外部世界的真实信息。像LSD这样的致幻剂只不过为人们打开了这扇门，所以不应该叫做“迷幻”，而应该叫做“显灵”（Psychedelic）。也就是说，LSD的作用并不是固定的，它只不过让你变得更像你自己而已。后来的科学研究初步证实了这个判断，LSD可以模仿人脑中的神经传递因子，破坏大脑中负责处理和过滤外来信息的那部分组织的功能，所以服用者才会感到所有颜色和声音都变得更加鲜艳和生动。

　　正是这些鲜艳的颜色和生动的声音，让一个名叫肯·凯西（Ken Kesey）的年轻人彻底改变了人生观。

　　飞越疯人院

　　50年代末期，CIA曾经出资在斯坦福大学开展致幻剂研究，以75美元的酬金公开招募志愿者。凯西跑去应征，结果成了CIA的试验品。可是，致幻剂让他开了窍，回家后写了本畅销书，名叫《飞越疯人院》，根据这本书改编的同名电影一举获得5项奥斯卡大奖。凯西用得来的稿费在旧金山附近买了个农场，整天办LSD派对。后来他想让全美国人民都迷幻起来，便和一帮朋友一起驾驶一辆涂满颜色的校车周游美国。可是，当他们开到米尔布鲁克别墅拜访利里时，却遭到了冷遇。那时利里自认为是个严肃的学者，在他看来，这群衣衫褴褛，举止狂放的加州人就是一群小丑。同样，凯西也看不惯利里等人的做派，认为他们都是一些刻板的学究。凯西回到旧金山后，继续广泛宣传自己的理念，到处传播LSD。不久，媒体便发明了一个新词用来描述这群疯子:嬉皮士（Hippies）。后来有人说，嬉皮士＝婴儿潮时期出生的大学生＋LSD，这个评价虽然过于简单，但也相当准确。

　　可惜嬉皮士们的好日子没过多久。1966年，当时的加州州长里根宣布LSD为非法药物，这等于断了嬉皮士们的口粮，他们不干了，开始了一系列静坐抗议。1967年1月14日，在旧金山著名的金门公园内的草坪上，举行了一次有史以来最奇特的聚会。2.5万多人没有任何原因地来到这里，坐在草地上看书、聊天、弹琴、唱歌，气氛祥和。这次被命名为“人类大聚会”的活动是由当地一家有名的嬉皮报纸《神谕》组织的，报纸主编特别喜欢利里，专门把他请来发表演讲。利里意识到这是千载难逢的机会，他可以利用这个舞台树立自己的威信，宣传自己的理想。于是，他做了充分的准备，在集会上发表了一次经典演说。利里本来口才就很好，那天他专门准备了很多短语，并特意降低了语速，好让听众认真消化他说的每一句妙语。演讲最后，他一字一句地说出了三个短语:“审视内心，关注社会，退出世俗”（Turn On, Tune In, Drop Out）。他后来在一本自传中解释说，Turn On的意思是解放自己的感觉器官，审视内心世界，体会不同层次的知觉意识。Tune In的意思是关注周围的一切，让自己的意识与周遭环境相互和谐。Drop Out的意思是不再依靠外力，相信自己头脑中蕴藏的力量，依靠这股力量达到快乐的顶点。可是，那天台下的听众并没有意识到这三个短语背后还有那么多学问，他们只听出了两个意思:吸毒和逃避。其实他们早就在这样做了，但从一个前哈佛大学教授嘴里说出来，感觉立刻就不一样了。

　　从那天开始，利里正式成为嬉皮士的代言人。他要带领大家冲出世俗的疯人院，去到一个极乐世界。可在外人看来，利里本人才是疯人院的院长，他手下的这群浑浑噩噩的嬉皮士们是整个社会的寄生虫，美国的未来绝不能寄托在这些人的身上。

　　可还没等美国政府插手，嬉皮士们自己就把这个乌托邦毁掉了。来自美国各地的各色各样年轻人蜂拥而至，使旧金山出现了严重的粮食和药品短缺。来自世界各地的游客也蜂拥而至，把旧金山的嬉皮士聚居区变成了旅游景点。最后，各色毒品贩子也涌进旧金山，为争夺地盘大打出手。旧金山迅速从美国最宜居的城市变成了美国最危险的地方。嬉皮士们纷纷转移到乡村，利里也不例外，他和新娶的第四任妻子在一个贩毒团伙的资助下搬到洛杉矶北郊，过了一段隐居的日子。可CIA并没有放过他。一次他在车里抽大麻，被巡逻的警察抓个正着。由于先前的案子还没了结，美国法院来了个二罪归一，判了利里20年徒刑，立即执行。那时利里已经49岁了，这等于宣判利里终身监禁，他当然不甘心。

　　1970年9月12日，利里趁犯人们吃晚饭的时候，偷偷溜出来，爬上一棵大树，借劲跃上高墙，再掏出他妻子探监时偷偷带进来的皮手套，抓住铁丝网一跃而过，自导自演了一场真人版的《飞越疯人院》。帮助他逃跑的是美国一个激进的恐怖组织，他们给利里化了装，伪造了一本护照，乘飞机逃出美国，并辗转到了瑞士。美国政府得知此事，立刻来要人，瑞士政府却拒绝引渡利里，利里因此得以在瑞士逍遥了两年。之后，利里认识了一个名叫乔安娜的神秘女人，两人迅速坠入情网。乔安娜劝说利里离开瑞士，逃到东方去。可他们在阿富汗转机时被CIA特工抓获。美国迅速与阿富汗政府达成秘密协议，将利里引渡回国。CIA官员后来说，利里间接杀死的人比历史上任何一个人都多，所以美国政府才会不惜一切代价一定要抓住他。后来有资料显示，那个神秘的女人乔安娜其实就是CIA雇用的双料间谍。

　　法官给利里设定的保释金是500万美元，约合现在的2100万美元，是迄今为止美国公民保释金金额最大的一个。利里终于明白，自己的好日子结束了。可他还是不甘心，主动提出愿意和CIA合作，揭发同伙的贩毒行为，以换取减刑。这个消息一经媒体刊出，嬉皮士们立刻一片哗然，凯西甚至写了封公开信，劝告利里不要出卖朋友。但利里根本听不进去，他反驳说，他揭发的其实都是一些CIA已经知道了的事情，没有多少价值。即使利里说的是事实，CIA也利用利里的投降打击了嬉皮士们的信念:既然教父都叛变了，还怎么让人继续坚持理想呢？

　　当初抓利里的是CIA，最后释放利里的也是CIA。1976年，美国媒体开始披露CIA进行LSD实验，之后不久，利里就意外地获得假释。他搬到洛杉矶，频频出入于好莱坞制片人的派对，希望有人能把他的故事买下来拍成电影，借助好莱坞的影响力再火一把，可惜没人响应。1996年5月30日，利里死于前列腺癌，死前他曾千方百计想把自己的身体冷冻起来，以期将来能复活，但最终没能做到。

　　利里在好莱坞厮混期间跟很多名人交上了朋友，其中包括迪卡普里奥的父亲和女演员薇诺娜·赖德（Winona Ryder）的父亲，后者甚至让利里做了女儿的教父。利里去世10年后，迪卡普里奥和赖德终于满足了利里生前的愿望，计划中的传记片将由迪卡普里奥主演，赖德父女担任顾问。

　　这样一部电影，想不好看都难。

【来源：《三联生活周刊》】

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文/DJ @llen 作者打碟资历20年（始于1989），被尊为台湾电音教父

前言
在这篇介绍性质的文字中，我将分别介绍几种主要的药物，包括其历史及效应。而重点将着重于它们和流行音乐及所谓「反文化」（Counter Culture）的关系。一般论述者认为：迷幻摇滚的高峰期是仅止于1967年加州的Haight Ashbury区，然而这种音乐类型并非真正始于加州，它的进化也并非仅限于此。从地下丝绒（Velvet Underground）的大片迷幻吉他声，到My Bloody Valentine无边际的音响漩涡；从披头士（Beatles）充满艺术实验精神的创作到饶舌团体PM Dawn那流畅却仿彿来自另一个世界的声音取样（Samples）；以及The 13th Floor Elevators如同精神分裂式的摇滚，到The Flaming Lips狂暴疯狂的另类；还有从《飞越疯人院》作者Ken Kesey于六○年代所发起的Acid Tests（迷幻试验）里的声音和影像的结合，到九○年代在欧美如火如荼的「Raves」（锐舞）……都和药物有着密切的关系。在此将以介绍最重要的两种药物为主──Acid和Ecstasy。它们是影响无数西方青年的心灵和生活型态的两大主角。
　　
　　LSD：掉进异质时间与空间的世界
　　 　
　　从人类有历史记载以来，人们就不断地找寻各种能够拓展心灵领域同时又具有医疗功效的植物和草药。十九世纪初，科学家们开始在实验室里製造具有相同效果的化学药剂如：Mescaline、LSD、Psilocybin、Ecstasy等。音乐家们也尝试着将各种不同药物的感觉用声音表现出来。其中又以摇滚音乐和LSD的结合影响最为巨大，它将所谓迷幻（Psychedelic）的思惟带入了主流意识型态中。而这一切，都得从五十多年前瑞士一位化学家前无古人的一趟单车之旅谈起。 　　
　　
　　1943年春天，在瑞士Sandoz药厂担任研究工作的阿尔伯特 霍夫曼（Albert Hoffmann）正在合成一种叫做LSD-25（Lysergic Acid Diethylamide）的药。这是用来治疗一种自中世纪开始便流传于欧洲的怪病──「圣安东尼之火」的新药，当他做完工作时，开始感觉到一阵晕眩。刚开始他以为自己得了轻微的感冒，所以关上实验室的大门，准备回家好好休息。就在回家的路上，他开始了人类历史上着名的第一次「迷幻之旅」（Acid Trip）。

　　他在事后的日记里描述了这一次的经验（当时是1943年4月16日星期五）：「我感觉到一股非常明显，却并非不适的陶醉状态……当我闭上双眼类似昏沈的状态躺在那里，眼前却充满了一幕幕快速变化多彩鲜活的画面。一连串非常真实且具有深度，随着各种顏色在变幻着。这种状态持续了大约三小时才渐渐褪去。」
　　 　　
　　Hoffmann猜想他的幻觉可能来自作实验时LSD-25沾上了他的手指之故。于是在接下来的星期一，也就是1943年的4月19日下午，他回到实验室继续实验。这一次他以0.25毫克的LSD溶于一杯10C.C的水中，直接喝下。经过了大约四十分钟，开始感觉头晕和焦虑，他跳上他的白色的脚踏车准备回家。但他并不知道自己如何回到家中的（事后邻居们说看见他异于往常地疯狂奔驰于回家的路上）。相较于第一次的经验，这一次的过程可说是一次更为完整的Acid Trip。他在日后一本讨论他所谓的《问题小孩》（也就是他的发明──LSD）的著作中曾经有鲜活的描述：「我虽然处于类似酩酊的精神错乱状态中，却还具有稍许清晰、有主题的思考。例如，判断出牛奶在民间疗法上是被当做解毒剂使用。」
　　 　　
　　「头晕和昏眩之感时而猛烈袭来，令我站立不住──四周变化成恐怖不安的状态。空间全部在迴转，平常所熟悉的物品和家具都改变了形象……好像具有生命，又彷彿因内心的不安而颤抖，持续地不停摇晃着。我已经掉进异质的时间与空间的世界。肉体丧失了感觉，失去了活力，完全不属于自己。我是不是死了？发生了什么事呢？我时而脱离肉体，发现到自己冷静地在一旁观看正在扮演悲剧的自己。难道我没跟家人先告个别，就要走入死境了吗……？」「现在，我能够自自然然地享受在我闭上的眼睑里不断展开的那种至今未曾体验过的色彩和形态。如万花筒般千变万化，多彩多姿的幻想形象，在我眼中鲜活地活动。那好像是环状和螺旋状之物开闭张合，彩色喷泉四处飘散一般，在持续不停的流转中，也有新的排列组合加入。尤其不可思议的是所有声音的幻觉，与门鉤声或汽车经过的噪音，一起幻化成视觉性的世界。各种不同的声音都配上合适的色彩和样式，作出生动且富有变化的形象。」──Albert Hoffmann：LSD，My Problem Child，P19
　　 　
　　一点点的化学物质，却能够使人体验到与现实生活截然不同的感觉和另一个世界，这种力量是非常巨大的。刚开始的时候Hoffmann也了解到他发现了一项强大的物质，然而他却无法想像LSD后来对整个人类心灵和文化带来的衝击。五○年代时，LSD被许多心理学家拿来当作治疗精神分裂和心理疾病的工具，直到五○年代末，作家赫胥黎（Aldous Huxley，《美丽新世界》一书作者）和其他一些文化精英份子在尝试过LSD的骇人力量后（赫胥黎经由LSD的啟发而写成名着：The Doors Of Perception《知觉之扉》），他们的「实验」便逐渐吸引了一票知识份子和各路人马，其中包括女作家Anais Nin、演员Jack Nicholson和Cary Grant、指挥家Andre’ Previn等人。
　　
　　
　　「他人取向」的存在瓦解：打开心扉，同流，脱出！
　　
　　
　　进入六○年代后，美国由于介入越战的关系，使得崇尚爱与和平──「不要作战，只要作爱」的嬉皮运动如烈火燎原般，发展成一股广泛的社会运动。此时对于嬉皮的思想和药物文化有几位精神的导师不可不提。哈佛大学的两位心理学教授：Timothy Leary和Richard Alpert，以及所谓「披头族」（Beat Generation，又称「敲打派」）的几位代表性诗人如Allen Ginsberg及作家如William S.Burroughs（裸体午餐的作者）和Jack Kerouac等人。蒂莫西·利里（Timothy Leary）和Allen Ginsberg等人对于这种强力的迷幻药有一套独特的见解。他们觉得LSD给了人们去探索自己和内心潜藏着的「神性」（Divinity）一种力量和管道。Leary和Alpert甚至在哈佛大学和美国政府的支助下展开Acid的实验。研究的主题包括如何运用迷幻药促使犯罪者回归社会、提高艺术家的创造力，以及比较宗教性的神祕体验等等。
　　 　　
　　透过种种实验，他们相信迷幻药不只能改变感觉和意识，对于使自己挣脱外来的压抑，重新获得内在的自由方面，也是很有效的工具。Acid激发了一股对东方神祕主义的好奇和兴趣，加上披头族诗人们的自由解放精神和对五○年代制式的不满和反叛，可以说催生了整个六○年代。当时最着名的一句口号：「Turn On，Tune In，Drop Out」（打开心扉，同流，脱出！）即足以说明这种精神。这句话是利里Leary为他的“League For Spiritual Discovery”简称L.S.D（心灵发现同盟）所设计的。Richard Alpert回想时，曾说明如下：
　　 　　
　　「服用LSD的经验，可使人去思考自己究竟是什么人？我感觉到社会地位或财产之外的东西，受到社会表象所压抑的自我本质逐渐显露出来。这种本质可超越时间、空间，甚至也可超越生死。我发觉到有一个与社会性、肉体性不同的另一个「我」的存在。我承认那诉说真实的内在声音，并且同化于其中。我那为了恢復自信而一味向外界追求的生涯，亦即「他人取向」的存在至此画下了句点。」　　
　　
　　在摇滚乐史上The Gamblers是第一个在唱片上提到LSD的乐团。1960年他们发表了一张单曲LP──Moon Dawg这张唱片B面的那首歌就叫做〝LSD 25〞。虽然这首歌并不特别迷幻。同时LSD 25这个歌名对一般大众来说，还只是一个新潮又神秘的名词。而第一位在歌词里用Psychedelic这个字的则是纽约的一个民谣作曲家Peter Stampfel；在他1963年的歌’Hesitation Blues’之中。1964年鲍勃迪伦（Bob Dylan）的名曲’Mr.Tambourine Man’的歌词里也提到了可视为暗示一段Psychedelic Trip的歌词：’Take Me For A Trip Upon Your Magic Swiring Ship……’过了一年，Bob Dylan又在他的’Subterranean Homesick Blues’曲子中唱到：’Johnny In The Basement Mixing Up The Medicine’。
　　 　　
　　然而迷幻摇滚真正开始「诞生」应该是在1966年。当时不约而同的几个有名的团体如沙滩男孩（The Beach Boys）发表了他们第一张受到LSD啟发的专辑Pet Sounds；The Beatles同年8月则发表了Revolver专辑，其中的一首歌’Tomorrow Never Knows’即是约翰列侬（John Lennon）因完成他的第一次Acid Trip后而作。自此之后，无数大小乐团皆因LSD的啟发而投入创作所谓的「Psychedelic Sound」，滚石乐队（The Rolling Stones）以一曲充满神秘东方色彩的’Paint It，Black’倍受瞩目，而纽约的地下丝绒乐队（The Velvet Underground）则以演唱时使用旋转的灯光，地下电影的诡异片段，持皮鞭挥舞的舞者和噪音式的吉他音墙作着前卫的怪异表演，自称为「Andy Warhol’s Exploding Plastic Inevitable」。
　　
　　（ beatles:Tomorrow Never Knows）
　　这一种以LSD为中心的次文化有别于其他的毒品（例如海洛因或安非他命）所衍生出来的想法，最主要就在于「拓展心灵」的观念。这种想法不管在精神面上和智识性上都和一般那些想像中的毒虫们只要「High到最高点」的想法是很不相同的。
　　 　
　　那群使用迷幻药的先锋勇士们在六○年代就发觉了LSD对听觉的影响。作家Alan Watts在The Joyous Cosmology中写到：「我正在听一首风琴的演奏曲，就像树上的叶子对我作出的姿势一样，风琴似乎真的在跟我说话。」Acid会让人产生一种迷失自我的感觉（Depersonalization）而使得用药者以为他们的身体和周遭环境里所看到和听到的每一样东西都是连接成一体的。Leary就曾写道：「我变成了每一样乐器！」音乐家们无法各别地去复製这样的感觉，但是他们却也想到在用药的过程中对每天日常生活所做成的「变体」的思考和对时间的奇异感觉却似乎可以表现出来，不论在台上或是在录音室里。运用各种技巧和录音的效果，这些前锋迷幻摇滚客们发展出了「迷幻摇滚」的基本概念。由于特别强调「声音」这项元素，迷幻摇滚客们通常是最勇于拥抱新科技的一群。他们以好玩的态度和一种不计较「对」或「正常」的规则开放心胸进录音室。
　　 　
　　Timothy Leary曾说道：「因为迷幻药让我们看到了视界和经验不同的层面，使用这种药物可以说是一种全然哲学上的企图，强迫自己去面对真正的世界以及我们心中脆弱又主观的信仰系统（Belief Systems）。」
　　
　　
　　Ecstasy──爱的小丸子和E世代
　　
　　
　　从六○年代一直到八○年代末，那些所谓的「地下化学家」都一直在研究发明新的迷幻药物（因此有时以较现代的名词Hallucinogens来代替Psychedelics）。自1988年开始，随着Rave（瑞舞）文化的快速蔓延，New Edge（新时代的思潮，但比旧称New Age更新）和VR（Virtual Reality 模拟真实）的到来，这种「地下药物文化」的景观开始跃上了台面，逐渐在全球慢慢展开，甚至触碰了主流文化；这样一个很大的转变，来自于两个主角：Technology和Ecstasy。
　　 　　
　　1992年8月号的Reactor杂誌里有段话：「Techno音乐、Rave、和Ecstasy三者之间到底有何关系？把它们放在一块说，它们算是一种真正发生的青年文化运动之基本原素吗？它算不算是一种娱乐方式？还是一种异教般的行为？它是音乐吗？还是即将如昙花一现般？它是一个药物的文化吗？还是一种宗教？它是种流行吗？还是西方文明的堕落？答案：当然是，全部都是。」 　
　　
　　Ecstasy（台湾称为「快乐丸」）与Rave文化和电子舞曲这三者在发展的过程中确实有相当密不可分的关系，尤其是在欧洲发展的初期。 Ecstasy，或简称E，最初是在1914年德国一家药厂製造出来当做减肥药使用。当时的名称就是它的学名「MDMA」，一直到1953年，美军开始对这种药做动物试验，以研究其毒性。然而它的迷幻的药效一直到1976年之前都未被人注意过。
　　 　
　　1976年，生化学家Alexander Shulgin的一份研究报告赢得了世人「Step Father Of Ecstasy」的称呼。「你像忽然发现了一道秘密的通道，在你自己所熟悉的家中。而且经由这条通道，你找到了一个从前未曾发现却一直都在你家里的房间。」另一位有名的Ecstasy研究者Bruce Eisner在他的书Ecstasy：The MDMA Story中如此地描述这种「E」-Xperience：「在那间房间里，你的内在经验和你与其他人的关系、感觉似乎都神奇地转型了。你对自己和自己的生活都觉得很美好。同时，每一个进入这个房间的人似乎都比平常还更可爱。你发觉你的思绪不断地流转，然后形成一种平常因为害怕或压抑而无法体会的快乐感受。」 　
　　
　　有些研究者并不认为Ecstasy是属于「迷幻」药，但是大部分的使用者却把服E的Trip（旅程）视为是用LSD或Mescaline等「古典」迷药的较为轻微（意即没那么严重迷幻）的版本。因为一个服用E的人在过程当中至少还能分辨出红绿灯和想起它们代表的意义。而一个服用了Acid的人在当时则有可能无法辨别。当然Ecstasy的命运和LSD一样，除了造成一股媒体的恐慌之外，最后还是变成非法的毒品。
　　 　　
　　大部份的人都认为House和Techno这种舞曲和Ecstasy的结合使用最初是由西班牙的一个小岛Ibiza所衍生出来的。那是一个许多英国人爱去的渡假圣地。当地的海滩上常有人随着音乐的节奏狂欢Party，当英国DJ Paul Oakenfold和Danny Rampling从Ibiza回到伦敦兴奋地想要依照人们在Ibiza岛上的游乐方式把它移植到伦敦，因此开了两家小小的舞厅，分别叫做Future和 Shoom。他们因为在岛上服用Ecstasy之后，听着DJ Alfredo放的舞曲而大为感动。在1987年底之前，所谓的「E文化」在英国只限于一两家Club和几佰个人而已。
　　 　
　　1988年的夏天，有一种新的声音出现，它叫做Acid House，虽然对Acid这个字眼有许多种不同的解释，但是任何一个（在国外）去参加过Rave Party的人都知道这个字眼所暗示的「药」味相当中肯。
　　 　
　　在当时的英国，一个所谓的Rave里面，绝大部份的人都服用Ecstasy或是其他种类的药物。当然，迷幻的音乐、超大的音量和具有催眠效果的「迷幻影像」等都是不可或缺的。LSD的使用虽也不少，然而E还是被一般认为适合跳舞的选择。英国着名研究者Nicholas Saunders在他的着作E For Ecstasy中写道：「E一旦和这种音乐和舞蹈结合在一起，可产生一种使人感觉非常兴奋的出神状态，也就是类似古代部落里的舞蹈仪式或是宗教仪式。」
　　 　　
　　锐舞(Rave)和古代仪式或六○年代Acid Tests的不同点在于科技的运用。也就是有些Ravers（常去参加Rave的人）所说的“Technoshamanism”（科技「舞曲」巫师）。这包括了做音乐用的机器如电脑和电子合成器（没有所谓不插电的Rave！）、电脑通讯网路（如Internet)、Virtural Reality（虚拟实境）（Raver们认为它比LSD还屌），还有一种相信只要正确地使用科技，科技将给人类带来进步而且可以拯救地球的乐观信念。
　　 　
　　1988年英国一场数万人参加的Rave Party被称做第二次的「Summer Of Love」，和第一次在美国发生的Woodstock（伍德斯托克）一样正式向世人宣告了这一股所谓「E Generation」的来临。甚至在某些舞厅打烊后，Ravers还在街上继续跳舞，配合着警车上不间断的警笛声，他们在向Todd Terry当时的一首有警笛声音取样的曲子〝Can You Party？”致敬。同时，英国排行榜上出现了标准的Acid House舞曲：Jolly Roger的’Acid Man’。虽然后来因大众媒体的道德恐惧而被禁。在伦敦大街小巷的成衣店里都是印有黄色圆型笑脸（Smiley Face）的T恤，上面写着：「Where’s The Acid Party？」
　　
　　
　　Rave远离城市：舞客们开始自称Raver
　　
　　
　　1989年，由于警方的取缔及舞厅的饱和，英国的Rave开始正式大量由城市内转移至远离城市的荒郊野外，山巅海湄，经常是非常大型，有时结合类似嘉年华或马戏班等奇异气氛，辅以雷射的灯光和超大的音响系统，数以万计的年青人在DJ所调配的节奏下疯狂跳舞到天亮甚至中午为止。
　　 　　
　　这也是第一次这些舞客们开始自称Raver。在这种Rave中，DJ所扮演的角色并非如传统摇滚乐手所扮演的角色。DJ甚至并不是主角。主角是来跳舞的人和这些人所创造出来的气氛（Vibe）。DJ的功能类似古代的巫师，将参加仪式的人的精神状态引导至最高，让他／她们完全的沈浸其中。
　　 　　
　　这时候的德国，由几个热心的DJ在柏林的马路上（音响和DJ都在卡车上）举行了第1次的Love Parade Party，总共只吸引了约150人参加。然而，同样的地点，每年的Love Parade都以不可思议的速度成长，1996年Love Parade就有75万人参与，1997年更是吸引了全世界共一百五十万的爱乐者在柏林的大小街道上Raving。
　　 　
　　到了1997年的今天，像Techno这样的电子音乐和Rave文化所衍生出来的这股潮流已经发展成全球性的一股力量（即使台北市政府都办了好几场四不像的Rave）；电子舞曲和Ecstasy的关系已经不再像从前那般密不可分，一些新的Dance Drugs陆续出现，而且有时不同种类的音乐也有一些不同的药物代表。一般论者以为，依据统计数字，每年死于服用LSD或E或大麻而死亡的人数远不及因酗酒或吸烟而亡的人数；然而服用药物来达到解脱并非聪明之道。毕竟真正好的音乐作品，并不是只有嗑药时才懂得欣赏的。
　　
　　(本文原载于音响第八十九期，液态的天空，1997)
　　
　　
　　参考书目：
　　1.Derogatis，Jim. Kaleidoscope Eyes──Psychedelic Music From The 1960s To The 1990s, London：Fourth Estate，1996
　　2.Hoffmann，Albert，LSD, My Problem Child──Reflections On Sacred Drugs,Mysticism, And Science. New York：Mc Graw Hill, 1980
　　3.Leary，Timothy，Flashbacks:An Autobiography.London:Heinemann，1983.
　　4.Leary，Timothy，Chaos And Cyber Culture. Berkeley，Calif: Ronin，1994.
　　5.Leary，Timothy，Ralph Metzner And Richand Alpert.The Psychedelic Experience:A Manual Based On The Tibetan Book Of The Dead.Secaucus，N.J.:Citadel Press,1990.
　　6.Eisner，Bruce，Ecstasy──The MDMA Story.Berkeley，Calif:Ronin 1994.
　　7.Saunders，Nicholas，E For Ecstasy. London：Nicholas Saunders，1993 Saunders，Nicholas, Ecstasy And The Dance Culture.London：Nicholas Sounders，1996.
　　8.Rushkoff，Douglas，Cyberia──Life In The Trenches Of Hyperspace.London:Harper Collins，1995.
　　9.河邑厚德．林 由香里着，李毓昭译《西藏度亡经──大转世》，台北：方智出版社
　　10.林溢嘉着《生命与科学对话录》，台北，野鹤出版社
　　
　　
　　参考杂誌：
　　I-D、The Face、Muzik、 Mixmag、Eternity、Mondo 2000。

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文/张玥晗

Janis Joplin27岁就死了。作为上世纪60年代最引人瞩目的摇滚女歌手，她唱歌的生涯也没几年，但她却仿佛积蓄了一辈子的力量，在短暂的时间里，尽全力爆发。于是，今天我们依然能在音乐中，看到她的生命和热情。

　　Janis Joplin被视为摇滚乐历史上最伟大的女性歌手之一。她的演唱无与伦比，即使历史中，她只出了一张专辑，但足够了。

　　1943年1月19日，Janis Joplin生于得克萨斯州的阿琴港的一个中产阶级家庭。

　　Janis Joplin从小都不快乐。小时候，她的样貌成为她最大的障碍，她糟糕的肤色，身材甚至面孔，都成为身边的女孩子们嘲笑的对象。整个童年和青少年，她都很孤独，无法融入女孩子群体。当她试图向同龄的男孩寻求友谊时，妄图以喝酒、说粗话、模仿男性举动来达到谋求友谊的目的时，却让她遭受了更强烈的轻视。

　　于是，她只能用诗歌和绘画排遣寂寞，以受难着的决心来嘲笑苦难。但伤害却从没有在她心底痊愈，被轻视、甚至毫不留情的厌恶以对她造成了一个几乎是来源与病理学上的对爱的需求。但对于爱，她始终有着一种难以克服的自卑，直至她成名后，也常常对自己的胖子形象也玩笑，甚至更加无所顾忌的破坏自己。　

　　Janis 17岁的时候，迷上了音乐，当时走红的布鲁斯歌星Bessie Smith成为她一生崇拜的偶像，Janis立志要成为一个伟大的歌手。最初，Janis也像许多成名前的歌手一样在酒吧和夜总会驻唱，杂乱的环境和生活的艰辛曾经使她一度对唱歌丧失信心。

　　1966年，Janis来到旧金山，加入了由吉他手James Gurley、Sam Ardew,贝斯手Peter Albin和鼓手David Getz组成的Big Brother乐队，成为他们的歌手。乐队由于Janis沙哑狂放的演唱在旧金山的舞台上取得了巨大的成功。Janis Joplin开始展现了她的独特风格，她的音乐始终是放任的，其中丢入了大量的情绪，有时她会故意尖叫。这种原始、粗野的尖叫，常常让人感到恐惧和悲怆。女性特有的敏感、纤弱，甚至还有疯狂和神经质在Janis Joplin的音乐里被无限扩大，逐渐衍化成一种过于外向的抗争。因为，Janis Joplin仿佛生来就失去了爱，因此，她更加疯狂地争夺永远不属于她的爱。

　　1968年1月，Big Brother乐队与Bob Dylan的经理Albert Grossman签约，开始了全美演唱会的行程。这次的巡回演唱会使Janis拥有了大批的歌迷，他们为Janis的歌声所倾倒，他们在她面前欢呼，把她视为偶像。

　　同年9月，专辑《Cheep Thills》(廉价恐惧)专辑推出，这张专辑一经推出，便反响强烈，同时赢得了金唱片奖。此时的Janisd也开始自己创作歌曲，《夏日阳光》、《我的一片心》和《乌龟布鲁斯》都是不错的作品。《我的一片心》还作为单曲在1968年发行，这首带有浓郁的布鲁斯风格的作品获得了一致好评。

　　Janis成了明星。明星的地位让她更加变本加利地释放自己的恐惧，她的表现方式就是轻率放纵地去享乐。

　　她拼命地挥霍着自己的名气和青春。害羞内向的她，有时会在演出的舞台下上，突然裸露身体。在感情生活中，她无法相信任何人，根本不相信自己会被人爱上，却几乎几天就换一个性伙伴。她的音乐基本上都涉及爱情，经常完全浸融到一片空洞，所谓的性爱、放荡和赤裸裸的身体享受压根没有让她得到真正的安宁，反而加重了她对自身的恐惧，在她的音乐中，我们常常会看到一些习惯的失意，一些自怜情绪及泛滥的对博爱大同大段大段的幻想呓语。

　　对Janis而言，过去的一切是她无法忘记的，而那些惨痛的记忆让她根本无暇去想象自己的将来。她所能依靠的唯有让今天过的更快乐，而采取的方式就是消耗。

　　从1968年开始，她酗酒并使用毒品，她开始自我毁灭般，却又无法自拔。她真正的问题是，她无法真的得到别人的尊重与热爱，她恐惧。因此，一旦出现，她就会用更加猛烈的态度去拒绝他们。应该说，她在惩罚自己——当她被提醒这样做可能会遭至报应时，她竟然回答说：“这是像我这么丑陋的女人活该得到的待遇。”一条隐行的锁链将无际的自悲和伤害与Janis牢牢的捆绑在了一起，而她对自由、自我、爱的追求也达到了一个崩溃的极限。

　　正当乐队蒸蒸日上的时候，Janis却宣布退出乐队独立发展，Big Brother乐队也因此而解散。到1969年她和重组的The Kozmic blues Band于十月份推出专辑《I Get Dem Ol’Kozmic Blues Again Mama!》(妈妈，我再次得到了戴姆·奥尔考兹米克布鲁斯乐)，这张专辑反响很好，但是乐队也只维持到了年底就解散了。

　　她的目标是模糊的。这也是整个六十年代迷幻运动迷人的特征。Janis Joplin的音乐简直是苦恋与沉痛的的宣言，她太不懂得克制了。或者说，Janis Joplin彻底地暴露着她决不回顾的情绪，以至于我们被迫目睹一个女孩走向辉煌又悲壮的终点。

　　1970年10月3日Janis因注射海洛因过量而突然死亡。人们深深惋惜这颗巨星的陨落，也同时看到Janis孤独彷徨的内心世界。1971年2月，她最后的专辑《珍珠》推出，荣登排行榜首位。1979年，影星Better midler主演了以Janis为原型的电影《玫瑰》。Janis是一位伟大的布鲁斯女歌手，她在布鲁斯音乐史上的造诣将深深影响着布鲁斯歌坛。

　　Janis Joplin(珍妮丝.裘普琳)在1943年出生，成名于1966年，于1968年推出专辑Cheap Thrills，则成功登上流行榜首位。Janis Joplin就此树立了一代迷幻女将的地位。Janis Joplin的唱腔原本就带有极浓蓝调色彩，唱到低沉处如泣如诉，到激昂处尽情尽致，其演绎手法即兴而狂野，故被纳入迷幻一派。

　　1979歌声泪痕 《The rose》

　　这是一部关于摇滚乐史上最伟大的女性——Janis Joplin 的传记片，制片人找了一位外形比较相似——同时也是一名歌手的贝蒂·米德勒来出演这位传奇女星的短暂一生，令人唏嘘不已，贝蒂·米德勒的表演应该说是比较到位的。影片中除了引用了大量Janis Joplin的歌曲以外，贝蒂.米德勒也一展歌喉，在影片中大放异彩。影片的原声专集十分畅销，其中出现了一曲也许是摇滚乐史上最为动听的歌曲《The rose》(玫瑰) 撰文：张玥晗。

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上世纪六七十年代，英国最著名的两支乐队Beatles和RollingStone，曾先后成功登陆美国，击败无数美国本土歌手，在美国音乐排行榜上独领风骚，这轰轰烈烈的一幕，被称作“英伦侵略”而永载摇滚史册，并在人们心目中烙下BRIT－POP的印记。随着RollingStone最后的消沉，这一印记在80年代被深深埋葬。到了90年代，英国乐坛再度涌现出一批杰出的摇滚乐队，包括了Oasis、Blur、Suede等等，BRIT－POP重新找回了过去的辉煌。其中，被广泛看作最具代表性的乐队，就是Oasis——绿洲乐队。

　　“我们是世界上最好的乐队”

　　1991年，在英国的曼彻斯特，一支叫做Rain的车库乐队成立了，这支乐队的吉他手Bonehead和贝司手Guigsy后来都成了Oasis的一员，而主唱Chris Hutton却很快离开了，这一空缺被Guigsy的同学Liam Gallagher填补了，他还把自己的哥哥，大5岁的Noel Gallagher拉进乐队做主音吉他，由于在此之前，Noel曾组建过一支非常成功的乐队Inspiral Carpets（飞毯），并在巡回演出中学会了音乐行业中的所有知识，因此，在进Rain之初，Noel就确立了自己在乐队中的灵魂人物身份：包办所有的词曲创作；做出乐队所有的决策……包括将Rain易名为Oasis，当鼓手Tony McCaroll加入后，一支改变了英国乐坛的乐队就此诞生。

　　由于从小受到Beatles的影响，Noel强调：“我们要做另一支Beatles。”因此，Oasis从一开始就奠定了自己的音乐标向：Beatles式的旋律与性枪手(Sex Pistol)式的反叛歌词以及Stone Roses式的骄横台风，霸气已初显。1993年，在一家俱乐部中半小时的演奏改变了乐队的命运，Creation唱片公司的老板Alan McGee发现了他们，当即和他们签下了六张专辑的合同，近两年的积累期到了尽头，该是破茧而出的时候了。1994年春，乐队推出的第一张单曲“Supersonic”迅速登上各大排行榜榜首，随即，第二张单曲“Shaker maker”再获成功。1994年8月，Oasis处女专辑———《Definitely Maybe》（绝对疑虑）发行，《Definitely Maybe》成为英国有史以来最畅销的处女专辑，并迅速登上各排行榜榜首，这一年，他们赢得了英国最佳新人团体奖。

　　1995年，Oasis发行单曲“Roll With It”，巧的是，Blur的新作也在同一天发行了，从此，这两支英国最有活力的乐队开始了无休止的竞争，Noel甚至公然宣称希望Blur的两个队员死于艾滋病。Oasis最终输了这场单曲之争，在排行榜上仅次于Blur。也许是命运的安排，Oasis随后的新专辑《（What’s the Story）Morning Glory？》又是和Blur的新专辑同时发行，这一次，Oasis终于扬眉吐气，《（What’s the Story）Morning Glory？》成为自Beatles的《Sgt．Peppers Lonely Heart Club Band》后英国最畅销的专辑，并冲进了美国和欧洲大陆的音乐排行榜，全球销量高达两千万，第二次“英伦侵略”的号角已然吹响。这一年他们赢得了英国最佳专辑、最佳组合奖。1997年，单曲“Do You Know What I Mean？”发行的第一天就售出了16万张，而《Be Here Now》更是在发行的首日售出了35万张，成为英国历史上发行首日售量最多的专辑，Oasis步上了事业的巅峰。

　　面对成就，Noel喜不自胜：“我们有钱，我们有名，我们的专辑打破了Beatles的纪录，我被认为是世界上最好的词曲作者之一。你认为我满足了吗？不，一点也不，我还要更多。”而Liam更是口出狂言：“我们不是自大，我们只是世界上最好的乐队。”

　　1998年底，《The Master plan（Be－Sides）》发行，排行榜上只拿到亚军的位置。此后的两年时间，Oasis忙着巡演、在录音室里准备新作。2000年二月，单曲“Go Let It Out”直登英国各排行榜榜首，成为乐队第五张榜首单曲。三个星期后，《Standing on the Shoulder of Giants》发行，成为榜首专辑。三月，Oasis开始环球演出。七月在英国温布尔登球场举行的两场Oasis演唱会，成为摇滚史上又一令人难忘的片段：网络直播、喝醉酒说粗话的主唱、狂热的现场、全世界几千万歌迷的实时关注……这场演唱会不仅仅诞生了一张Live专辑——《Familiar To Millions》，也让Oasis走上转折时刻。

　　“Oasis是个整体，不是一个人”

　　Oasis是二十年来英国最接近Beatles风格的乐队：琅琅上口的旋律、富于变化的节奏、华丽动听的吉他、颇具实力的演唱、英国抒情色彩的主题、以及字字珠玑的歌词，同时，他们又沿袭了Stones和The Who的粗糙灰暗的形象，并将这一切用吉他的吼叫声串起来，让每一场Oasis的演唱会，都变成盛大的节日，台上台下几万人一起歌唱。尽管相对于同时期的Radio Head、Suede等乐队来说，Oasis称得上“朝气蓬勃、兴高采烈”，但不可否认的是，Oasis成立十年来，作品风格几乎没有什么变化，这一点给了那些反对者话柄：“如果把1994年比作当年的1962年，‘Live Forever’比作当年的‘Love Me Do’，Oasis确实迈出了令世人瞩目的一步。但三年之后的1965年，Beatles有了专辑《Rubber Soul》，然而7年之后的Oasis又有什么呢？”
　　
　　生活在90年代的英国人，对Beatles有着深深怀念。一方面，Beatles创造过的神话实在动人；另一方面，80年代以来，英国甚至找不到一支真正具世界水平的乐队，90年代初，这里更是成了美国乐队的天下，Nirvana、Guns＆Roses……他们在英国大受欢迎的同时，也刺伤了傲慢的英国人，因此，当Oasis出现时，得到的是人们异乎寻常的喜爱，被看成Beatles的接班人而大加褒扬。对于一支年轻的乐队来说，荣誉不光是动力，也成了包袱。于是，有关Liam酗酒、乐队内部不和的新闻层出不穷，乐队自大的情绪滋长了，而本该专注的音乐进阶反倒被忽视，10年来，Noel一个人承包了乐队所有歌曲的写作，这在保持稳定的同时，造成了风格的停滞不前，撕裂也就在所难免。

　　早在1995年，乐队的鼓手Tony McCaroll就离开了乐队。对于他的离开，有人说是因为Oasis的内部发生了分歧，也有人称是他和Liam发生了争执。Tony离开后，Alan White取代了他的位置，毋庸置疑，乐队鼓手、吉他手的更迭再自然不过，只要乐队的核心不倒，乐队仍然可能保持甚至超出以往水准。1999年，当一直紧随乐队的Bonehead和Guigsy相继离开Oasis时，人们开始议论：“Oasis解散的赔率是多少？一赔二么？”但Noel并不慌张，Liam甚至有些无动于衷：“如果他们不想待在队里，不想合作那就滚开，再见。就是这样的———你并没有和他们结婚不是吗？这曾是他们的乐队，但也是我们的乐队，不想奉献就百分之百要再见。”在贴出招聘告示后，很快，Oasis有了新的吉他手和贝司手：曾是Heavy Stereo（那是一支70年代Glam Rock风格的乐队，没取得过世界范围的成功）主音吉他手的Gem Archer于1999年10月加盟Oasis；一个月后，一直在Hurricane＃1乐队中任吉他、键盘、和声以及词曲作者的AndyBell也来到Oasis当起贝司手，三星期后，他就和其他队员一起在费城演出了。解散的危机还没有放下咖啡杯就已经远离了。

　　然而，乐队的灵魂，Noel的跑开就不能淡然处之了。作为乐队的词曲作者、第二主唱、主音吉他手，Noel是主导乐队方向的人。也许是地位使然，也许是兄弟俩一样爱喝酒，Noel和Liam兄弟之间，很早就开始了争执。有一次Noel还说：“还好我们不是生在美国，因为我会用枪把他（Liam）的脑袋打下来。”在2000年环球巡演的第一站———东京横滨体育场演出中，Liam在“Stand By Me”中唱错了歌词。“如果你出席排练你就会记得歌词了，”Noel当场厉声责备，“也许我们把你塞进最近的酒吧就没事了。”而这时Liam却在问台下的观众：“谁有饼干吗？”5月20日，乐队来到了巴塞罗那，当晚演出后，在更衣室里，Noel和Liam之间的矛盾突然迸发了，当着50多人的面，兄弟俩“好好”地干了一架。随后，Noel一人坐飞机去了巴黎，而Liam则和其他团员一起继续着在欧洲的三十场演出，由MotherEarth乐队的吉他手Matt临时代替Noel的位置。5月30日，乐队来到米兰演出，Liam一出场就对狂叫的歌迷说：“好了，没人死了，冷静些，我们开始吧。”当听到歌迷呼喊Noel的名字时，Liam在台上说：“Oasis是一个整体，不是一个人，要叫就叫Oasis吧”。而每到歌中Noel的和声部分，Liam就把话筒对准观众，让他们替Noel唱，但是，没有Noel，Oasis怎么还会和以前一样呢？

　　“我们是全新的”

　　2000年七月，在六个星期的休息后，Noel终于回到了Oasis在爱尔兰和英国的演出。尽管兄弟俩的关系还是紧张，但他们还是在舞台上握了手。七月二十一日，伦敦的温伯利体育馆，Oasis进行了自1996年Kneb worth以来在英国的最大演出。第一晚平安无事，第二晚Liam喝醉了，失去了控制，在“Who Feels Love”的介绍词完后，他又加上一句：“要在温伯利演出你就最好喝得烂醉。”事后他形容自己当时在舞台上是个混蛋。八月，Oasis的世界巡演尾声响起，以三场音乐节收场。在Leeds音乐节，Noel揶揄着观众：“我们之间要分钱了，我，Liam，Alan，Gem，还有，呃，还有个叫什么来着的？”九月二十三日，当Noel和Liam一起为四频道录制纪念John Lennon的节目，同时Liam又和乐队其他成员开始制作新歌样带时，Oasis恢复了平静。

　　能安然度过2000年的危机，在外界人士眼中，这是一个谜，但乐队灵魂Noel角色的变换或许能说明问题。上文曾提到，Oasis的所有歌曲，都是由Noel创作的，而在新队员Gem和Andy来到后，事情改变了，他们和Liam一起，也各自也为乐队贡献作品，在《Stand On The Shoulder Of Giants》中，Liam已有了自己的作品———“Little James”，虽略嫌简单，却也情感真挚，Liam、Gem和Andy填补了Noel状态不适时的创作空白，连Noel也承认，Oasis现在有了四个很好的词曲作者，这让Oasis进入了乐队发展的新阶段，风格开始趋向多元化。Noel热忱地说：“也许我们再也不会像1995、1996年那么红了，但Oasis有着才华横溢的队员，这是以前从来没有的。Gem就像是我们的RonnieWood。我们是一个全新的乐队。我比以前任何时候都憧憬未来。”

　　2001年10月7日，Oasis站在伦敦的舞台上，乐团成立十周年演唱会在此举行，Oasis首次演唱了第五张新专辑里的几首歌曲，“TheHinduTimes”、“OneWayRoad”等等，对于这张还未发行的新专辑，Noel形容它是乐团第二棒的作品，比《DefinitelyMaybe》之后的任一张专辑都更优秀，而10月10、11日在曼彻斯特的个唱，以及13、14日在格雷斯高的个唱，都取得了轰动，所有十周年纪念演唱会门票都在售票几分钟后即被抢购一空。无论Oasis的未来怎样，至少目前，他们仍然是英伦乐坛最受欢迎的摇滚乐队。

2002年02月09日09:32:38　扬子晚报　王晔

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