文/王硕 收听专辑 收看
当我还在学校里时，我想干的就是住在一间大屋里，和我的好朋友们一起作音乐。
这就是我的理想。想一想……嗨！这几年里我不就正干着这个嘛！
―― Robert Smith　

由于成长时代的不同，我对The Cure的认识也只能迟到从《Bloodflowers》开始，但那次记忆却充满了遗憾。当时是2000年，最初听到他们的声音是在张有待的节目里，忘了当时放的是哪首单曲，但记住的只有可惜，可惜自己接触欧美音乐的时间太晚，直到他们拥有了24年的历史之后，才听说了这支伟大的乐队。可转过年去，却听说主唱Robert Smith宣布了乐队的解散以及个人在将来的单打独斗。

不过那时却是The Cure在国内最兴旺的时期，因为那段时间，你能在盗版商那里看到The Cure全套的盗版CD，当中除了正式发表的专辑之外，还能在偶然之间发现一些稀有的单曲和EP。也正是在那种环境的影响下，我知道了Robert Smith带领的The Cure充满了反复无常。
　　
　　 病态的二十年

76年组建的他们，直到79年才发表了第一张专辑《Three Imaginary Boys》（在美国发行时改名为《Boy’s Don’t Cry》），当时他们的出现并没有引起太大的轰动，只是简单的被定义为青涩的Post-Punk音乐，那时的Robert Smith的形象还是很平常，所以没有什么人将他们和歌特文化联系在一起。直到1982年的经典专辑《Pornography》出现时，人们才开始确认他们为一队Goth Rock乐队。这样的定义不仅是前作《Faith》所表现出的病态与苍白，更多的源自Robert Smith蓬松发型与口红嘴唇。但那之后，只剩下Robert和鼓手Laurence “Lol” Tolhurst的The Cure却毅然抛弃了只前确立起的曲风，改玩当时兴盛的Synth-Pop，当时他们发表了《Let’s Go To Bed》、《The Walk》和《The Lovecats》这三首经典的单曲，并收录在83年的专辑《Japanese Whispers》当中。这张专辑的出现虽然摧毁了他们在英国人民心目中的歌特形象，但幸运的是，他们因此也打入了美国的音乐排行榜。

　　可惜之后的Robert并没有将这种风格继续下去，转而又去追寻曾被万人颂扬的歌特形象。他先是跑到自认为最具哥特气质的Siouxsie ＆ The Banshees乐队帮着弹吉他，尔后又和他们组建了临时乐队The Glove，并发表了专辑《Blue Sunshine》。直到后来一个人以The Cure的名义发表了《The Top》之后才得以停止。那时的The Cure只剩下了他一个人，《The Top》也自然而然表现出了这个心事凝重之人的孤苦与绝望。
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文/Eric Johnson

Mr.Big是一支美国老牌的摇滚乐队。现在已经解散。
前后只出过4张专辑，但是在北美和日本拥有无数的乐迷。
这是80年代实力型的乐队之一，虽然作品带着些商业气味，但仍然不可掩盖乐队成员的才华。尤其是在现场，他们只用一套鼓，一把吉他和一把Bass，简单的三大件来配合主唱狂野却不失温柔的嗓音，听感却极为丰满。极为难得。

他们在Hard Rock中溶入了传统的Blues音阶，音阶简单却华丽动听。
同时也是少数能唱Folk的摇滚乐队之一。

也许在中国，让大家认识这支乐队的曲子是那首Folk song《To be with you》
但他们许多其它的作品同样是出彩的。 (更多…)

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上世纪90年代，女声金属在欧洲大陆掀起狂潮，这种将音乐中的刚劲与柔美融合至极致的风格在那一时期以惊人的速度蔓延至欧洲几乎每一个角落。从挪威的THEATRE OF TRAGEDY到芬兰的NIGHTWISH，再到意大利的LACUNA COIL与MACBETH；而在荷兰，那里更是相继诞生了从THE GATHERING到AFTER FOREVER、WITHIN TEMPTATION等众多家喻户晓的女声金属乐队，甚至在瑞士、波兰、列支敦士登也都有颇为出名的女声金属乐团由此诞生。

1996年，吉他手Robert Westerholt离开其原属的乐团The Circle（后来更名为Voyage），希望另组新团以展开全新的开始，首先他找来他的女友Sharon den Adel担任主唱，接着他又邀请The Circle的前团员加入，于是bass手Jeroen van Veen和吉他手Michiel Papenhove两人决定跳槽来新团，最后，他们再找来一位鼓手Dennis Leeflang，Within Temptation就这样正式成军。不过此时他们仍缺一名keyboard手，很快地这个位置就由Robert的弟弟所补上，WT的阵容也终于抵定。 (更多…)

文/嗜血玛丽

在欧洲大陆古老的神话传说中，如果要论及美妙的歌喉，除了吟诵圣诗的天使之外，在森林与海洋中游走的神奇异类也不乏悠扬歌声的缔造者。从赛壬海妖到林间仙女，从一心想上岸的人鱼到古堡中的迷人妖精，甚至幽灵、女巫、精灵、水鬼……这些阴柔的歌者们用其独特的喉咙编织着奇幻的故事抑或谎言，而这些美丽与邪恶并存的陷阱总是会让无法身临其境的人们浮想联翩……但是，再漫长时光也能转瞬即逝，当科学与现代文明顷刻间吞噬了整个人类社会，哪怕再神奇的异灵也无法想象当代人在精神上的贫瘠与匮乏。于是，她们开始艰难的漫游于冰冷而机械的城市上空，当她们寻找并且将自身奇妙的灵性赋予给那些人类女子的时候，早已疲惫不堪的世界似乎也在这悄无声息的秘密中灵光闪现了一下。从此，这些被神话感悟的女人们跳脱了平庸的生活，她们将魔力的歌喉与激荡的金属之声默契交融，一幕又一幕的魔幻传奇开始在人世间的舞台上轮番上演。

　　其实，我们完全可以将女声金属形容为古典音乐、金属音乐、欧洲人文主义情怀与当代审美观的一次最立体而完美的融合。从中，听众不但可以领略到古典歌剧舞台上女高音歌者的唯美唱腔；并且，新古典主义风格的吉他演奏再现了独具欧陆宫廷气息的巴罗克曲风；此外，金属乐的激昂磅礴更是将女声演唱从悲戚、哀怨的低靡情调中解脱出来，更加流畅而宽广的旋律释放出女声声线独有的魅力，加之强烈而振奋的节拍，以及时而穿梭在乐曲中悠扬的键盘与弦乐，女声金属超凡脱俗的气质即刻表露无疑。

　　上世纪90年代，女声金属在欧洲大陆掀起狂潮，这种将音乐中的刚劲与柔美融合至极致的风格在那一时期以惊人的速度蔓延至欧洲几乎每一个角落。从挪威的THEATRE OF TRAGEDY到芬兰的NIGHTWISH，再到意大利的LACUNA COIL与MACBETH；而在荷兰，那里更是相继诞生了从THE GATHERING到AFTER FOREVER、WITHIN TEMPTATION等众多家喻户晓的女声金属乐队，甚至在瑞士、波兰、列支敦士登也都有颇为出名的女声金属乐团由此诞生。 (更多…)

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“这首歌正是对他们名字的十足诠释：黎明之前，精灵们带着一个温和的灵魂踏上了去天使之城的飘渺之路…… “


以Dustin O’Halloran和Sara Lov为核心的Devics于1993年成立于洛杉机，乐队成员还包括Ed Maxwell、Evan Schnabel。一开始就打算做自己的音乐的他们选择了独立摇滚的DIY路线。1996年，他们在以自己的资金注册的厂牌“Splinter Records”下推出了第一张大碟“Buxom”，如今只能在他们自己的网站上下载到一部分歌曲mp3的这张处女作，令人惊讶的告诉我们Devics在独立乐队如过江之鲫的美国从第一次亮相起就拥有了完善的艺术风格和出色的表现力。两年后他们顺理成章的把第二张专辑“If You Forget Me”送入还为数不多的追随者耳中。然而此时的Devics仍只是深陷地下的自得其乐又多少有点郁郁不得志的众多地下乐队中的一支，直到千年之交他们的EP“The Ghost in the Girl ”的推出，才使Bella Union公司盯上了他们。这张EP里或多或少带有迎合意味的歌特妖氛表明了乐队的微妙转变，也让他们浮出了水面。2001年，乐队在Bella Union旗下推出大碟“My Beautiful Sinking Ship”，赢得了相应的声誉。

在与 Lift to Experience、Thalia Zedek及Elysian Fields等乐队一同巡演一段时间后，乐队再次进入低调自省的创作状态。Dustin和Sara一同隐居至意大利的乡村，在简陋的农家小屋里开始他们新专辑的创作。起初，他们打算只是把歌写完就回美国，然而，当他们顺利地创作完成所有歌曲时发现这个名叫Saint Andrea的小乡村已经完全与他们的音乐溶合在一起了。这美妙感觉不可错失，他们立即笨手笨脚的开始在小屋里搭建自己的简陋录音棚，并召集各路同道好友齐聚一室，一鼓作气将新专辑“The Stars at Saint Andrea”录制完成，回美国后，仅仅做了一些后期加工。
　　　　
把Devics分门别派是让人大伤脑筋的事，最好的办法还是称他们为独立摇滚。喜欢摆弄各类乐器的Dustin最擅长用键盘铺展出钢琴的舒缓层面，让Sara动人的嗓音伴着悠扬沉重的大提琴声自由游荡其上。他们的音乐决不矫揉造作，乐曲的排编干净利落，合成器的适当运用、细节上恰到好处的点染使他们制作出既大气又避免了过度华美的音乐。同时，Sara的嗓音也是他们的一件法宝。你可说她的声音不如Beth Gibbons凄婉奇诡或不如Elizabeth Fraser飘渺迷幻，但Sara却拥有她独有的声响魅力。听Sara的声音会使人产生她离你很近的感觉，就像站在你身后的地板上，时而低吟浅唱时而纵声高歌。她从不拿腔捏势，却偏偏能自然而然的把听者引入哀歌的世界。Sara与Dustin他们的结合很好的把握了哀情与伤情之间的尺度，一个暗淡的、blues调调的filmmusic般的音乐迷墙被他们构建了，所有入住的居民将深陷入历史纵深般人类挥之不去的低颓情绪。 (更多…)

文/袁越

你如果还记得上世纪60年代发生过什么，那你就根本没有在那个年代生活过。

——戴维·克罗斯比

自由就是一无所有的同义词。

——克里斯·克里斯托弗森

1969年8月15日17点零7分，在美国纽约州伍德斯托克镇附近的一个名叫白湖的地方，一位名叫里奇·黑文思（Richie Havens）的美国黑人民歌手穿着棕红色大氅，足登一双凉鞋走上舞台，用手中的木吉他奏响了“伍德斯托克音乐节”的第一个音符。这个以“和平与音乐”为口号的音乐节吸引了大约50万观众，被公认为是20世纪60年代嬉皮士运动最具代表性的事件，黑文思那天演唱的名为《自由》的歌曲，也成为伍德斯托克音乐节，乃至整个60年代最具代表性的歌曲。

以上这段话是历史书上对那次音乐节的官方描述。

转眼40年过去。这40年里，大约有40本关于这次音乐节的回忆录相继出版，为后人还原出了一个更加真实的伍德斯托克。

自由的代价

伍德斯托克原本是一个距离纽约市中心160公里的避暑胜地，当地居民多以务农为生。1902年，一个富有的英国商人为了寻找一片未被工业化污染的净土，满怀希望来到纽约，在伍德斯托克建立了一个以手工作坊为主的工匠村，吸引了大批工匠、艺术家和青年学生来这里从事原始的木工、纺织、铁器和陶器制造等艺术创造和生产活动。他本想以这种乌托邦式生产方式对抗资本主义制度，但这个计划却遭到了无情的失败，工匠们生产的手工产品造价太高，根本无法和大规模机器生产相对抗，维持这个工匠村还要靠他父亲当年开纺织厂时赚来的钱。 (更多…)

文/刘志宏 收听

大浪淘沙,“不列颠流行乐”已是昨日黄花。细数当中的风流人物,“污迹”(blur)乐队毫无疑问是这场音乐革命的主将之一,它不但成功地将这种音乐推广到大西洋两岸乃至世界范围,也以先行者的身份影响了同时期的众多乐队。

最早接触“污迹”乐队(Blur)的作品是从一张名为“Now 2″的英文什锦碟,其中收录了乐队的一首名曲《没有魅力的男人》(CharmlessMan),当时就留下了深刻的印象,后来陆续听了一些乐队的专辑,对这个风行一时的“不列颠流行乐”(Brit-Pop)潮流的代表名字有了更进一步的认识。

“污迹”乐队成立于1989年,成员包括主唱达蒙.阿尔本、鼓手戴夫·朗特里、贝司阿历克斯·詹姆斯和吉它手格拉汉·考克森,乐队的音乐作品绝大多数出自核心人物阿尔本手笔,此外,每位成员还分别担任一些乐器的演奏工作,如大键琴、单簧管、打击乐等等,体现了很高的音乐素养。乐队的演唱声线高扬,具有相当强的穿透力,一种自信满溢的气势扑面而来,但却不象死对头“绿洲”乐队那样盛气凌人,曲风上它体现了“不列颠流行乐”的特点,以60、70年代英国摇滚乐风格为基础,同时结合了朋克、新浪潮、电子音乐等多种音乐元素,激烈喧泄之余也不乏温情流露,显得既“传统”又“反叛”,内容则通过对现代物质生活的真实描绘昭示浮华表象下年轻一代颓废、空洞的精神追求,展现了乐队敏感、睿智的气质,因此“污迹”被看作是英国中产阶级的代表乐队。

单曲“她真高”(She’sSoHigh)是“污迹”的成名作,它不但为乐队打响了名头,还推动了1991年首张专辑《闲暇》(Leisure)的热销, 一时之间,乐队成了英伦乐坛的新宠儿。在西方乐坛,歌手或乐队成名后迅速被名利或自我膨胀湮没是司空见惯的事,成名后的“污迹”同样面临过这样的考验,歌曲质量下降、歌迷不接受而流失、成员与成员以及与经纪人不合等等负面事件使乐队深受打击,所幸的是乐队总算捱过了那段艰难的日子。1993年的第二张专辑《现代生活是垃圾》(ModernLifeIsRubbish)犹如一剂强心针使乐队恢复了往日的风采,其中的《为了明天》(ForTomorrow)是首颇受好评的作品,另一首《流行景象》(PopScene)更被看作是“不列颠流行乐”的标志性歌曲。

不过这张专辑的光辉很快就被乐队半年后发行的另一张作品《猎园生活》(Parklife)所掩盖,与以前一样,乐队也是首先凭一首单曲《女孩和男孩》(Girls & Boys)树立影响,这首歌曲最显著的特点是演唱、旋律、节奏乃至音乐结构都显得非常怪异,各方面似乎很不协调,笔者初听它就象听“地下丝绒”首张专辑时的感觉,但听多几次却发现有种欲罢不能的淋漓畅快,仿佛不同支流相互冲击最后形成一股洪流,这种怪异的音乐氛围的确带来别样的震撼。在专辑中,这首歌曲排在显眼的第一位。其它作品,《特雷西.杰克斯》(TracyJacks)用简单的旋律和词句讲述了一个普通人的普通生活,当唱到故事的主人公聊发少年狂到海边裸奔时我们可以体会到英国人独特的幽默感,是一首相当别致的小品;主题曲《猎园生活》用对白和重复的合唱段拼凑而成,有种洋洋自得的闲适感;《银行休假日》(BankHoliday)节奏旋律猛烈而杂乱,显得非常狂躁,但内容却描写的是长假日到来后人们享受于自己理想的生活环境中,这样的配搭相当古怪;《到了尽头》(ToTheEnd)用了无生气的语调唱出对爱情的失望之情;《魔幻美国》(MagicAmerica)讲述的是普通人的简单生活追求, 不唱高调,语气非常平实。这张专辑是普通现代人处世心态的真实写照,音乐上也颇有新意,它成为“污迹”最成功的作品,不但取得300万的销量,还获得英国 BPI音乐奖最佳专辑、最佳单曲、最佳乐队、最佳录像带4项奖。 (更多…)

文/James Geary
三十年来排行榜上激烈的竞争中,有关两个英伦乐团互相竞夺王位的故事.

当六十年代的披头四和滚石合唱团在排行榜上相互争锋时,人们陶醉在Help!和(I can’t Get No) Satisfaction的旋律里. 现在他们在blur的CountryHouse和Oasis的Roll with it的歌声中起舞.几周来blur所表现出如同披头一般的矫饰,虚伪,正和Oasis相当於滚石的粗鲁无礼如同出一辙.

为了要和Oasis一决高下,blur特地将原订八月二十一日发表的新专辑提前两周发表.而New Musical Express周刊点燃了这场被观察家视为”英伦流行乐界重量级冠军赛”的火花.英国各小报更是对这新闻感到极有兴趣.咨意的报导著两团之间相互攻讦的话语,当尘埃稍定,blur坐上了流行榜的王座,他们卖了270000张,超越了Oasis的220000张.

在1960年代,披头和滚石礼貌性的错开发片期以避免正面的对决,但blur和Oasis则著实的在英国的社会阶级争议上打了一回合.也许大家视这为商业上的竞争.但是,相较於滚石及披头,这两支团体明显的仇视对方.Oasis是一支由嗜酒,满口粗话来自曼彻斯特蓝领阶层的小伙子,而blur则来自英国南方市郊,受过良好教育,从艺术背景出身.Noel Gallagher,Oasis的主吉他手说”blur是一群中产阶层混球”.blur则对Oasis的音乐素养感到不屑-”你只要听了一段Oasis的歌,就等於听了他们所有的作品”–blur如是说..

在外行人眼中,blur和Oasis看来没有什麽不同,”苍白,高瘦,留著半长而有趣的发型的英国男孩”是一般人对他们的共同印象.但他们的不同点全然的表现在英国的社会阶层上.blur代表白领而Oasis代表蓝领.文化评论家Tony Parsons说”不仅如此,Oasis代表北方,blur代表南方,这两个乐团代表著两种不同的英国.

这种分析大多是源於流行心理学.毕竟,常被和披头相提并论的blur是来自北方.有著劳动阶级背景而又属於中产阶级的滚石是来自南方.人口学上的不同透过摇滚乐团的音乐和其乐迷们显现无疑.blur混合著流行的节奏与活泼的旋律,在它们的”Girls and Boys”和”Tracy Jacks”两首歌里探讨著超越性别和反对工业污染的意识.相反的,Oasis著重在无修饰的反覆电吉他旋律和指弹的power chord,在它们的歌”Supersonic”里,嘲讽而歌颂著过往的摇滚生活方式. (更多…)

文/马世芳

崔健，有些资历的大陆歌手都亲热地叫他「老崔」。在中国摇滚的历史上，崔健的出现，就像上帝创造了光，把白昼跟黑夜分开。从此，流行音乐只剩两种︰「崔健前」、「崔健后」。更令人惊诧的是，经过这些年，后浪翻腾，豪杰辈出，比他更晚出道的乐手，销声匿迹者所在多有，崔健的作品却依旧睥睨群雄，看来，走得太远的英雄是注定寂寞的。

崔健出身音乐世家，受过正规的古典音乐训练，和他合作的团员也多半深厚的音乐基础，有的自小浸淫在传统民乐的世界里，有的受过严谨的学院训练，相互激荡之下，崔健的音乐肌理丰富、能量饱满，和他勇猛辛辣的歌词交互辉映，非俗人所能效颦。

崔健崛起的时间，正是中国迈向改革开放，经历一连串剧烈变迁的转捩点。他的歌诗，与那个时代的种种梦想与幻灭紧紧扣合，攥住了不只一代人的呼吸和心跳。一如罗大佑之于台湾的八十年代，老崔之于彼时的中国青年，便是盗火的普罗米修斯，是积雪初融、红布待揭的时代，所有饥渴若狂的目光殷殷注视的启蒙先知。 (更多…)

不插电音乐会需要表演者有高超精湛的现场表演技巧，尤其是歌手必须具备良好的唱功和驾驭现场的非凡魅力

文/张京生 太合麦田的唱片企划

一场有着全套乐队班底的演出没有电吉他、没有合成器、没有效果器，是古典音乐会吗？答案是：这是一场现代流行音乐会，这就是不插电（Unplugged）演唱会，这一名词在今天已成为证明艺人功力的试金石。

这Unplugged（不插电）的兴起首先要归功MTV的出现，MTV刚出现的那会也是一片叫骂声，所有流行音乐的忠实粉丝和艺人们纷纷痛斥这一商业行为，认为这会降低现场演出的吸引力，可实际上自从有了它，艺人知名度反而因此迅速提高，他们的演出录相经编辑和艺术处理后从国内传播到世界各地，看过节目的歌迷会很快地从中寻找到自己喜爱的明星、乐队，这促使他们更迫切的希望观看艺人的现场演出，所以到后来终于形成了鱼水关系，歌迷、艺人、电视、唱片公司皆大欢喜。

1989年美国MTV音乐电视推出了一档节目，内容主要是播放由一些电声乐队用箱琴架子鼓手鼓小提琴什么的小范围演出，效果还挺不错，这原因主要也是当时重金属、电子舞曲等以电声设备和效果为主的音乐泛滥加上现场各类灯光效果、华丽服饰过炫令多数人产生了审美疲劳和呕吐感，敏感的电视台看到了这点，及时地出来帮歌迷们洗耳朵揉眼睛。直到MTV音乐电视给Matson Jones乐队举办了一个专场Unplugged演唱会后，这一名词才正式成为一个音乐类别的专有词。 (更多…)